viernes, 24 de noviembre de 2017

Muere el cantante y compositor de powerpop, Tommy Keene

Tommy Keene nació en Bethesda, Maryland, el 30 de junio de 1958 y falleció el 22 de noviembre de 2017. Cantante, compositor y multinstrumentista de pop, formó parte en los setenta de grupos como Blue Steel, The Rage, The Razz y Pieces, y en los ochenta empezó una gran carrera en solitario con numerosos discos de powerpop. La muerte le sobrevino de forma inesperada.   

Keene se graduó en el Walter Johnson High School en Bethesda, Maryland en 1976 por donde también pasó Nils Lofgren. Keene tocó la batería en una de las primeras bandas de Lofgren. Después asistió a la Universidad de Maryland. Una de sus primeras bandas de pop se llamó The Razz, con la que sacó varios singles en sello independientes locales. En los ochenta empezó una gran carrera en solitario con el disco "Strange Alliance" (1982, Avenue) con el Ep "Places That Are Gone" (1984, Dolphin). Ya en Geffen sacó otros álbumes como "Songs from the Film" (1986) producido por Geoff Emerick, con grandes temas propios como "Places That Are Gone". Le siguió "Based on Happy Times" (1989), en el que colaboró Peter Buck de los REM. 


Tommy Keene
Le siguió un recopilatorio "The Real Underground" (1993) más "Driving into the Sun" (1994, Alias) y con Matador "Ten Years After" (1996), más "Isolation Party" (1998). Ya en los dos mil sacó "The Merry-Go-Round Broke Down" (2002, spinART), y "Crashing the Ether" (2006, Eleven Thirty).


Con el sello Second Motion editó los discos "In The Late Bright" (2009), "Behind the Parade" (2011), "Excitement at Your Feet" (2013) y "Laugh in the Dark" (2015). En 2016 vio la luz el album "Showtunes II" en directo. 

 
Documento sonoro:
 

Tommy Keene en directo en 1986.










 

jueves, 23 de noviembre de 2017

The Yellow Melodies nos ofrecen “Life”, una caja mágica de sorpresas pop para un mundo mejor

Portada del disco
The Yellow Melodies acaban de sacar al mercado discográfico su octavo álbum, de título genérico “Life”, editado en vinilo por el sello español Hurrah! Música y en CD por la canadiense The Beautiful Music, que ya les publicó los tributos a TV Personalities y Bmx Bandits. Contiene nueve  flamantes temas propios que enriquecen el universo musical de esta excelente formación murciana, alcanzando su mejor momento gracias al minucioso y pasional trabajo compositivo e interpretativo realizado en los últimos tiempos.  Su nuevo álbum sale a la luz siete años después de  su anterior trabajo con temas propios, su aclamado “New identities” de 2010. Desde entonces, la banda ha evolucionado con la naturalidad del artista que se siente no solo a gusto con lo que hace sino que además perfila, con evidente minuciosidad, un espacio creativo propio altamente identitario. El resultado es un álbum que se nos antoja meditado, sin concesiones, manteniéndose al margen de la comercialización indiscriminada de productos con pretensiones de masas; un disco que apela a los sentimientos desde el alma pero también con marcado carácter festivo, mediante un compendio de canciones vitales repletas de detalles cariñosos dando forma, con humildad y firmeza, a melodías cautivadoras envueltas en ritmos meticulosos. Tal y como señalan en el primer verso de la canción que abre el disco, “Life” es una maravillosa y mágica caja de sorpresas.

Trayectoria

The Yellow Melodies. Foto facilitada por el grupo
The Yellow Melodies, excelente grupo pop con una trayectoria impecable, se forma en Murcia a finales de la década de los noventa. El grupo lo forman actualmente Rafa Skam (voz, guitarra, telados…) a quien acompañan excelentes músicos como Pilar Aparisi (bajo y coros), Carlos Abrisqueta (teclados, guitarra y coros) y José Ángel (batería). Rafa Skam grabó su primera maqueta en 1989.  En los noventa formaría H-Boria  y Lovely Dolores, y en el 92 crea Sensatos y su continuación con De Cualquier Manera. En 1994 funda La Especie y en 1996 Takiqardia. Ya en 1996 nace un Rafa nuevo con un grupo que lleva por nombre Skam y forma parte de los Unlikes. También en 1996 y 1997 crea los Beat-Loss, germen de los Yellow Melodies creados en 1997.  De forma paralela a éstos, ha dado vida a los Newsies en 1997, Vacaciones en 1998, y Minibar en 2006, Little Rusia en 2007, Wavefield en 2008, y Terryball en 2010.

Ross en el estudio
Los Yellow Melodies tienen editados un total de siete álbumes anteriores que son: “Repertorio B” (Pussycats, 1998); “High” (Jabalina, 2000); “New Identities” (Discos Imprescindibles, 2010), la serie de “Fan #1, #2 y #3 (Discos Imprescindibles, 2013) y "Alternate Identities" (Jigsaw Records, 2014), recopilatorio de las caras B de los singles extraídos de "New Identities". También han sacado varios Mini Lp's, Ep's y singles, entre versiones físicas y digitales, como “Surprise” (Mini-CD. Jabalina, 2002); “The championship cup” (Mini LP. Clifford, 2008); ‘Split’ con The Postcards (Cloudberry, 2009); ‘New Identities Ep’ (Clifford, 2009); ‘Found Your Smile Ep’ (Bubbletone, 2010); ‘You Make Me Fall In Love’. Edition 59 (Vollwert Records, 2011); "It's Only Love" (Discos Imprescindibles, 2011); "I'll Never Understand" (Discos Imprescindibles, 2011); "The Story Of My Life" (Discos Imprescindibles, 2011); "Friday Night" (Discos Imprescindibles, 2011); "No More Parties" (Discos Imprescindibles, 2011); "So Well Together" (Discos Imprescindibles, 2011); "Keep Away From Me" (Discos Imprescindibles, 2011); "My Wedding" (Discos Imprescindibles, 2011); "How Television Personalities Learned To Love" (The Beautiful Music, 2012) y finalmente, "Students Of Life: A Tribute To BMX Bandits" (Sweet Grooves Records 2015).

Leandro con los teclados
Discos Imprescindibles es el nombre que en su día escogió Rafa Skam para su compañía discográfica y su primera referencia fue el segundo álbum del grupo paralelo Vacaciones, titulado “Emmaboda”. Tras una edición en Cd ya agotada con Discos de Kirlian, en 2016 Vacaciones sacaban con los sellos Hurrah! Musica y Discos para Getas un Lp en vinilo con el título de “Soy tu fan”. Rafa también es el responsable del fanzine de pop El Planeta Amarillo que empezó a editarse en 2000. En 2010 formaría parte de Pulsa radio presentado por Isabel Cañavete y Rafa Skam y actualmente se emite en formato podcast más presencia en la web en forma de blog.  Rafa también colabora con Murciano Total.

La sección de metales. Fotos facilitadas pro la banda  
El nuevo disco de Yellow Melodies, “Life”, con letras y música de Rafa Skam, fue producido por la banda, y se grabó en el PM Studio (Murcia) con el ingeniero Pepe Moreno, si bien incluye una canción, “Don’t think twice”, grabada y producida por Raúl de Lara en Ama Estudios. Fue masterizado por María del Mar Soto en PM Studio.  Han colaborado de forma puntual otros grandes músicos de la talla de Juan Antonio “Ross” (voces, guitarra, Moog), Leandro Martínez-Romero (piano, mellotrón),  María del Mar Martínez (teclados), Pepe Hatman (percusión), Raúl de Lara (guitarra y teclados), Pepe Ludeña (viola y violín), Jerónimo de Moya (trombón), Antonio Sánchez (trompeta), y Marcos López (saxo).   El bonito artwork es de Angel Ninguno y las apropiadas fotografías de portada y contraportada de Rafa Skam.

Las canciones


The Yellow Melodies en directo. Foto de su facebook
El disco se abre con “Life”, una canción que encierra todo el misterio y la sencillez de la vida, orquestada por guitarras, teclados y ritmos arropando voces conmovedoras. Brillante tema de pop en esencia, tamizado con detalles de electropop, con solos lisérgicos, interpretado entre dos voces, con sensuales arreglos que insuflan optimismo a raudales. “La vida es una caja mágica de sorpresas… existe una estrella que brilla cada noche, una luz que nunca se apaga y una vida donde todos tus sueños pueden hacerse realidad”.  Un océano de sonidos que emergen de “un verano de festivales y un invierno de conciertos” que recorremos juntos y que merecen ser vividos.

Sigue con “Flying together” mediante ese conmovedor juego coral inicial que da paso a una canción de melodía conmovedora, con precisos componentes rítmicos, guitarras envolventes y pedales de órgano. Juntos explotan, entre distorsiones, en el sensacional estribillo donde se pone de manifiesto el dominio vocal de su cantante principal arropado por excelentes coros más un sensacional solo de guitarra.  Un tema para reivindicar segundas oportunidades, pensando en la persona amada, con el propósito de conseguir un lugar en su corazón y “volar juntos, escapar… a través del océano, por el cielo”.


The Yellow Melodies. Foto de su facebook
El siguiente tema lleva por título “Everything”,  ideal para buscar un mundo mejor, una “tierra secreta donde todo está bien…donde todo es más brillante”.  Poesía dorada musicalizada por una extraordinaria banda en la que guitarras, batería, bajo y voz sensual se compenetran para deleitarnos con un melodía encantadora. Se añaden teclados celestes que dialogan con punteos coquetos entre lazos vocales que crean una ambientación sonora etérea que envuelve el alma con una notable calidez.  Le sucede “Come and see”, otro sensacional corte en el que se incide que “todo está en tu mente”. Según nos cantan, “la vida es como un lago donde todas las cosas se reflejan… una goma de mascar elástica y divertida… ven y mira el crepúsculo donde vuelan las gaviotas y fluyen los ríos… el paraíso puede ser correcto o incorrecto, depende de ti”.  Musicalmente, el tema presenta una estructura de pop folk con efectos de flauta, teclados, una espectacular combinación de coros y voz principal, más guitarras rasgando con una gran elegancia.  Cambios armónicos sorprendentes, secciones rítmicas selváticas, líneas de bajo cautivadoras, y un largo etcétera de matices convierten este tema en uno de los más conmovedores del álbum.   Se cierra la cara A con “For a star”, en la que el protagonista se ve envuelto en un “estúpido juego” amoroso al que puedes o no jugar, sin mañana, o buscando una mejor oportunidad.  Guitarras acústicas, efectos de flauta, teclados, voz principal en constante estado de gracia y sección rítmica impecable redondean la cara con una exhibición de poderío melódico entre tempos ágiles.   A destacar la aportación de la cuerda dotando a la canción de una dimensión grandiosa que se completa con una andanada de distorsión, y la aportación fabulosa de un bajo desbocado. 

The Yellow Melodies. Foto facilitada por la banda
La cara B arranca con “Don't think twice”, entre sueños brillando pese a los miedos. Nos cuentan: “Si estás cansado de los días ordinarios, de hacer las mismas cosas viejas, no lo pienses dos veces y consigue una oportunidad.  Es tu vida, decídete ya”. El tema presenta una estructura melódica absorbente entre arreglos perfectos que mezclan la distorsión y sonoridades lisérgicas para elevar los fraseos vocales a ámbitos sonoros estratosféricos con aportaciones de cuerda y teclados etéreos que construyen una parte instrumental final digna de todo elogio.    

A continuación oímos “Our time is over”, tema de elevada carga social en el que nos dicen    “¿Cómo podemos seguir creyendo en aquellos que robaron nuestro dinero y nuestros sueños?. ¿Por qué no luchamos contra los que consiguieron nuestros votos con promesas y mentiras?”. ¿Qué podemos hacer si nuestro tiempo ha terminado?”. Se preguntan si “es este el final o solo el comienzo de algo realmente hermoso. Todo lo que podemos hacer es intentar restablecer las cosas que soñamos algún día y comenzar de nuevo ... hoy!”.  En el plano sonoro, nos regalan todo un himno pop con voces convincentes, aportaciones de piano, ritmos muy bien marcados por batería y suculentas líneas de bajo, con cuerda celestial, y mellotron explotando tras crescendos de antología.    


The Yellow Melodies. Foto de su facebook
Llegamos de este modo a “The urban cyclist” en el que recorren “todo el camino que haces para materializar un sueño desde que empiezas por la mañana hasta la noche. Sigues tratando de llegar a tiempo y dejas todas tus cosas mientras esperas un mejor momento”. Un tema más tranquilo, reposando sobre punteos de acústica, e interpretado por una voz tierna en eco, expresándose con energía sobre arreglos arrebatadores con presencia espectacular de los teclados que nos llevan a una maravilla de canción repleta de detalles instrumentales, solo de guitarra incluido, que te pondrá los pelos de punta. 


The Yellow Melodies. Foto facilitada por la banda
Acaba el álbum con “Back again”, un cuento de amor entre el Señor Arena y la Señora Mar.  “El invierno es largo y están tan solos.  El verano ha sido una estación hermosa, gente tumbada bajo el sol. Han sido felices todo el tiempo con los cielos despejados, las fiestas, los días perezosos hasta que el verano pasó. Pero su amor es fuerte, nunca se ha ido. Ahora están de vuelta otra vez contigo y conmigo”.   Un final apoteósico con metales incluidos que culmina este sensacional disco con otra excelencia memorable en todos los sentidos: desde la melodía embriagadora marcada por los psicodélicos efectos electrónicos, las voces cautivadoras en varios planos, y los fraseos electrizantes de popsike. Una belleza instrumental y vocal sin parangón que logrará hipnotizarte creando un plano imaginario que modificará tu realidad cotidiana enriqueciéndola con secuencias sonoras  magistrales que van creciendo hasta explotar en momentos bailables de una intensidad fascinante y que nos lleva directos al caos del cosmos de nuestra imaginación.
     
Reflexión final

The Yellow Melodies. Foto facilitada por la banda
“Life” tiene todos los ingredientes esenciales del mejor pop de todos los tiempos. Sus  canciones, exquisitas y detallistas, invitan tanto al baile como a la reflexión más  personal. La capacidad de los Yellow Melodies para moldear melodías, perfiladas con ritmos certeros, efectos electrónicos y juegos corales, resulta ciertamente portentosa. La banda se expande con creaciones etéreas marcadas por ritmos bailables en las que la melodía tiene un papel preponderante y el ritmo delimita el espacio con esquemas ciertamente perfectos.  Mediante un estilo altamente original, que va del intimismo a la plenitud vital, lograrán arroparte, entusiasmarte y divertirte,  con momentos musicales y líricos resplandecientes que mejorarán, sin duda, tu existencia.  “Life” reafirma el talento de estos músicos que trabajan en equipo para que su obra llegue hasta nosotros inteligible en la mejor de las condiciones expresivas, generando una comunicación excitante. De este modo, disfrutamos no solo del pormenorizado trabajo individual de cada uno de ellos, sino también del escuerzo colectivo, tan o más importante.  Una combinación encomiable que es posible gracias al perfecto entendimiento entre todos y cada uno de sus artífices para dar vida, en todo su esplendor, a una banda única, dirigida por el incombustible Rafa Skam, un hombre determinado a hacernos la vida más fácil y placentera con exquisitas canciones en su más amplio y generoso significado.     

Nota: Puedes escuchar las canciones y adquitir una copia del vinilo en el bandcamp

Fallece el productor de jazz, George Avakian

George Avakian

George Avakian nació en Armavir, Rusia, el 15 de marzo de 1919 y falleció en Nueva York, el 22 de noviembre de 2017. Productor discográfico, es especialmente conocido por su trabajo para el sello Columbia Records, Warner Bros. y la producción de numerosos discos de importantes músicos de jazz, entre ellos los primeros trabajos de Miles Davis. Será recordado como uno de los gigantes de la industria estadounidense de jazz.  Popularizó  estándares de consumo como las notas de portada, los Lp’s y los álbumes en vivo. Fue fundador de la Academia Nacional de Artes y Ciencias de la Grabación, responsable de los Grammys.  
Nacido durante la primera República de Armenia, emigró con sus padres a los Estados Unidos. Estudió en Yale, sirvió en la Armada durante la Segunda Guerra Mundial y entró a George Avakiantrabajar en la industria discográfica. Fue responsable de muchas innovaciones como la creación del primer disco de jazz y la primera serie de álbumes de jazz. 

George Avakian
Su criterio era muy respetado entre los músicos y oyentes, y se le atribuye establecer el formato de 12’’ LP como estándar de la industria que revolucionó la forma en que se grabó, se distribuyó y se escuchó la música a nivel internacional.  También fue decisivo en muchas carreras de artistas de jazz. Fue el primero que grabó a Miles Davis en 1955.  La primera grabación de Miles Davis que pudo publicar en el sello Columbia fue "Sweet Sue", un tema grabado para What is Jazz, el programa de televisión de Leonard Bernstein. Incluso fue él quien encontró el nombre al disco “Miles Ahead”. Quería definirle como un músico adelantado a los demás y, de repente, se dijo: "He’s miles ahead!" (Está varias millas por delante). 

También fue muy importante en las trayectorias de Louis Armstrong y Duke Ellington. Entre los numerosos premios que recibió destaca el “Europe’s jazz award” y el “Django d’Or”. Avakian fue uno de los miembros fundadores de Warner Bros. Records.

Documento sonoro: 

"Miles Ahead", título del disco de Miles Davis con la orquesta de Gil Evans, que ideó su  productor George Avakian.

Nos deja el cantante de jazz, Jon Hendricks

Jon Hendricks
John Carl “Jon” Hendricks  nació en Newark (Ohio), el 16 de septiembre de 1921 y falleció en Manhattan (Nueva York) el 22 de noviembre de 2017. Cantante y letrista de jazz, es uno de los creadores del género vocalese, que añade letras a canciones instrumentales. Formó parte del  trío Lambert, Hendricks & Ross con Dave Lambert y Annie Ross, grabando un gran número de canciones de Count Basie y Charlie Parker. Por otra parte, es considerado uno de los mejores practicantes de scat, que comporta  solos de jazz vocal. A diferencia del scat, que consiste en improvisar mediante sílabas o tatareando, el vocalese requiere una letra previamente escrita. Por su trabajo como letrista, crítico e historiador de jazz, el compositor británico Leonard Feather le llamó el "poeta laureado del Jazz". 

Lambert, Hendricks and Ross
Nació en el seno de una familia numerosa con 14 hermanos, hijo de un pastor religioso. Se estableció en Toledo y comenzó su carrera como cantante a la edad de siete años. Cantó en la radio, con varias formaciones y después de servir en el ejército durante la Segunda Guerra Mundial, regresó a su ciudad para estudiar pero al final se mudó a Nueva York donde siguió con su carrera de cantante.
En 1957, se asoció con Dave Lambert y Annie Ross para formar el legendario trío vocal Lambert, Hendricks & Ross. Grabaron su primer álbum “Sing a song of Basie” para Paramount Records con versiones de clásicos de Count Basie. Tuvo tanto éxito que la misma Count Basie Orchestra colaboró con ellos en 1959 en el disco “Sing along with Basie”, que llegó a conseguir un Grammy en 1998 como uno de los mejores discos de la historia.

Lambert, Hendricks and Ross
En 1959, formaron con Columbia Records y grabaron tres discos. Entre sus canciones más conocidas, “Twisted”, con letra de Annie Ross y melodía de Wardell Gray, incluida en la banda sonora de la película de Woody Allen “Desmontando a Harry”.  En 1962 granan un Grammy al mejor grupo local y les deja Annie Ross siendo reemplazada por Yolande Bavan, con lo que el grupo pasó a denominarse Lambert, Hendricks & Bavan. Grabaron otros tres discos antes de separarse en 1964. Dos años después, 1966, Lambert fallecía en un accidente de coche.

Jon Hendricks
Hendricks se trasladó con sus cuatro hijos en Londres donde siguió cantando en solitario. Años  después se estableció en Mill Valley, California, donde trabajó como crítico de jazz para el San Francisco Chronicle y dio clases en la Universidad Estatal de California en Sonoma y la Universidad de California en Berkeley. La obra que escribió sobre la historia del jazz, “Evolution of the Blues” se interpretó durante cinco años en San Francisco y Los Ángeles, y su documental televisivo “Somewhere to Lay My Weary Head” recibió varios premios Emmy, Iris y Peabody.
Hendricks grabó varios álbumes aclamados por la crítica, algunos con su segunda esposa Judith y sus hijas Michele y Aria. Colaboró ​​con viejos amigos The Manhattan Transfer para su álbum  de 1985, “Vocalese”, que ganó siete Premios Grammy.  En 2000, regresó a su ciudad natal para enseñar en la Universidad de Toledo, donde fue nombrado Profesor Distinguido de Estudios de Jazz y recibió un Doctorado Honoris Causa de las Artes Escénicas. Fue seleccionado para ser el primer artista de jazz estadounidense en dar una conferencia en la Sorbona de París. Su grupo de 15 voces, el Jon Hendricks Vocalstra de la Universidad de Toledo, actuó en la Sorbona en 2002. Hendricks también escribió letras de algunas piezas clásicas, incluyendo "On the Trail" de la suite del Grand Canyon de Ferde Grofe. El Vocalstra estrenó una versión vocalese de "Scheherazade" de Rimsky-Korsakov con la Sinfonía de Toledo.

Jon Hendricks
En el verano de 2003, Hendricks realizó una gira con los "Four Brothers", un cuarteto formado por Hendricks, Kurt Elling, Mark Murphy y Kevin Mahogany. En 2012, apareció en el documental “No One But Me”, donde habló sobre Annie Ross, su antigua compañera de banda y amiga. En 2015, Hendricks perdió a su segunda esposa, Judith, por un tumor cerebral.  También apareció en un lanzamiento de 2016 del álbum "Meet Me At Minton's" con JC Hopkins Biggish Band. En 2017 Hendricks completó las letras del disco “Miles Ahead” (1957) de Miles Davis con orquestación de Gil Evans y fueron interpretadas por el coro London Vocal Project.

Documento sonoro: 

Lambert, Hendricks and Ross en directo en 1961.

miércoles, 22 de noviembre de 2017

Fallece la cantante y actriz Della Reese

Della Reese 
Nacida como Delloreese Patricia Early en Detroit, Míchigan, el 6 de julio de 1931, Della Reese falleció en Encino, California el 20 de noviembre de 2017. Actriz y cantante, con sangre africana y cheroqui, interpretó durante su carrera góspel, jazz, y R&B. También fue muy conocida por sus trabajos en televisión con series como “Touched by an Angel” que estuvo en antena nueve años hasta 2003.

A los seis años empezó a cantar en la iglesia y a los 13 entró a formar parte del grupo de góspel de Mahalia Jackson. Después crearía su propia banda de góspel, Meditation Singers.  Tras la muerte de su madre y con su padre enfermo, tuvo que dejar sus estudios en la Wayne State University para sostener a su familia. En 1953 firmó con Jubilee Records y se unió a la orquesta de Erskine Hawkins. Para Jubilee grabó temas como "In the Still of the Night", "I've Got My Love to Keep Me Warm" o "Time after Time". En 1957 saca  "And That Reminds Me" con la que logra una notable repercusión.  Ese año fue elegida por varios medios como la cantante más prometedora. Dos años después firma con RCA y saca "Don't You Know", basada en "La Bohème" de Puccini.

Ya en 1960 graba otro sencillo con éxito "Not One Minute More" y empieza una época con múltiples actuaciones en Las Vegas, Nevada, con numerosas  giras nacionales.  Siguió grabando temas como "The Classic Della" (1962), "Waltz with Me, Della" (1963), "Della Reese Live" (1966), "On Strings of Blue"(1967), y "One of a Kind “ (1978).


Della Reese 
A partir de 1969 participó en varios programas de televisión, dirigiendo uno de propio “Della”  y en 1979, tras grabar un programa de "The Tonight Show Starring Johnny Carson", sufre una aneurisma cerebral, que logra superar tras una recuperación compleja.  Un par de años antes ya había padecido un grave accidente cortándose con una puerta de vidrio.  Ya en 1989, protagonizó  con Eddie Murphy, Richard Pryor y Arsenio Hall la película "Harlem Nights". Siguió trabajando para la tele  y en 2002 anunció que sufría de diabetes. Fue la embajadora de la Asociación Estadounidense de Diabetes, viajando por todo los Estados Unidos para concienciar a la gente sobre esta enfermedad. Se ordenó como ministra en "Understanding Principles for Better Living Church" Iglesia del Entendimiento de los Principios de una Mejor Vida" en Los Angeles, California.

Documento sonoro: 

Bonito tema popcorn titulado "Blow out the Sun" a cargo de Della Reese. 


"If I Never Get To heaven" 


Muere el cantante de soul Wayne Cochran

Wayne Cochran 
Wayne Cochran nació en el año 1939 en Thomaston, Georgia, y falleció el 21 de noviembre de 2017 en Miami, Florida. Cantante de soul, es conocido por su pasional interpretación, su vestuario y su peinado, así como por el sobrenombre de “The White Knight of Soul”. Amigo íntimo de Otis Redding, James Brown, Elvis Presley, de quienes aprendió y a los que enseño algo de su peculiar estilo, grabó cuatro discos hasta que dejó el mundo del espectáculo y se convirtió en ministro de la iglesia Evangelista.  

Influenciado por el country y el rhythm and blues que oía en la radio, Cochran lidera su primera banda, un grupo llamado Rockin 'Capris, cuando era adolescente. Dejó la escuela secundaria para dedicarse a la música y se mudó a Macon, Georgia, donde se hizo amigo del cantante de soul Otis Redding. Tocó el bajo en la grabación inicial de Redding del single "Shout Bamalama" con su cara B, "Fat Girl". Grabó su primer sencillo, "The Coo", que atrajo la atención de King Records, quien lo contrató. Cochran se hizo amigo íntimo de su compañero de sello, James Brown, cuyo espectáculo influyó en su estilo interpretativo y le inspiró para montar su propia formación CC Riders, por la que pasaron numerosos músicos más vocalistas femeninas, las Sheer Delights.

Wayne y su amigo Otis 
Aunque sus grabaciones individuales para King, incluida su memorable "Goin 'Back To Miami", no tuvieron éxito comercial más allá de los mercados locales del sur, las actuaciones enérgicas de Cochran y las apariciones en televisión ayudaron a fomentar la popularidad de los CC Riders. A mediados de los sesenta, Cochran convirtió Las Vegas en su base de operaciones y actuó por varios hoteles, casinos y teatros. Durante este tiempo, conoció y se hizo amigo de Elvis Presley, quien pidió prestados elementos del espectáculo de Cochran para su propio período en Las Vegas, adoptando trajes similares del guardarropa de Cochran y añadiendo la canción "C. C. Rider" a su lista de canciones.


Wayne Cochran 
Cochran grabó un álbum para Chess Records de título homónimo en 1967 respaldado por músicos de sesión. Regresó a King y sacó otros dos LPs, “Alive & Well & Living....In A Bitch Of A World” y “High & Ridin'”, ambos en 1970. Cochran también grabó un álbum en directo aunque no se editó hasta que se incluyó en una compilación de Ace Records,” Goin 'Back To Miami: The Soul Sides 1965-1970” en 2014.  Cochran grabaría un álbum final, “Cochran”, para Epic Records en 1972, y continuaría actuando y saliendo por la televisión hasta que se retiró para ser ministro de la iglesia Evangelista en Miami, Florida.

Documento sonoro: 

Wayne Cochran y "Goin 'Back To Miami",


Fallece el cantante y actor David Cassidy

David Cassidy 
David Bruce Cassidy nació el 12 de abril de 1950 en Nueva York  y falleció el 21 de noviembre en Fort Lauderdale en Florida.  Ídolo de adolescentes, empezó a ser conocido  por su papel de Keith Partridge, hijo de Shirley Partridge, interpretado por su madrastra Shirley Jones, en la comedia musical de los años setenta, The Partridge Family emitida de 1970 a 1974.  En solitario grabó varios discos, con ventas millonarias, hasta la década de los dos mil.  A principios de 2017 anuncuiño que padecía demencia con pérdida de memoria y se retiró de lso escenarios. El 18 de noviembre de 2017, se anunció que Cassidy había sido hospitalizada por insuficiencia hepática y renal. 

Como sus padres, el cantante y actor Jack Cassidy y la actriz Evelyn Ward, viajaban frecuentemente con producciones teatrales, pasó sus primeros años al cuidado de sus abuelos maternos en West Orange, Nueva Jersey. Se divorciaron y en 1956, su padre se casó con la cantante y actriz Shirley Jones. Tuvieron tres hijos: Shaun (1958), Patrick (1962) y Ryan (1966).  En 1968, David se mudó a la casa de su padre Jack Cassidy y Shirley Jones en Irvington, Nueva York, donde también residían sus hermanastros.  

David Cassidy 
David firmó con Universal Studios en 1969 y su padre le puso en contacto con su futura  manager Ruth Aarons, quien había representado a Jack y Shirley Jones durante varios años.  El 2 de enero de 1969, debutó en el musical de Broadway  “The Fig Leaves Are Falling”. Solo se hicieron cuatro funciones pero un director de casting le pidió que hiciera una prueba de pantalla. Ese año se mudó a Los Ángeles y apareció en episodios de varias series de televisión como Ironside, Marcus Welby, M.D., Adam-12, y Bonanza. Al año siguiente hizo de Keith Partridge, hijo de Shirley Partridge, interpretada por su madrastra Shirley Jones.  Convencidos que también podía cantar, consiguió un éxito con “I Think I Love You” y empezó su carrera como músico en solitario con temas como “Cherish”.


Durante la emisión de la serie de 1970 a 1974, grabó diez álbumes en  The Partridge Family y cinco en solitario, consiguiendo cifras millonarias.  La histeria colectiva en sus conciertos provocó numerosos incidentes, incluso mortales.  Continuó  grabando, participando en giras, mientras su fama seguía creciendo, con altibajos siendo “A Touch Of Blue” (2003) su último disco de estudio.

A principios de 2017 anuncuiño que padecía demencia con pérdida de memoria y se retiró de lso escenarios. El 18 de noviembre de 2017, se anunció que Cassidy había sido hospitalizada por insuficiencia hepática y renal. Se le indujo un coma médicamente del que salió dos días más tarde.  Estable, esperaba un hígado disponible para el trasplante.  Finalmente assidy murió el 21 de noviembre de 2017, a la edad de 67 años.



Documento sonoro: 

David Cassidy y "Rock me baby" 


martes, 21 de noviembre de 2017

Fallece la cantante Bonnie Flower

Bonnie Flower
Bonnie Flower murió a la edad de 63 años el 15 de noviembre de 2017. En los sesenta formó el dúo Wendy and Bonnie con su hermana grabando el disco de folk psicodélico "Genesis" en 1969 para Skye Records. El álbum fue producido por el prestigioso músico Gary McFarland que en ese momento era dueño de parte del sello, con lo no menos famosos, el percusionista Cal Tjader y el guitarrista Gábor Szabó. Antes de formar el dúo, estuvieron tocando en la banda psicodélica de San Francisco, The Crystal Fountain.



Wendy and Bonnie
Wendy y Bonnie crecieron en Millbrae, California, en la Bahía de San Francisco. Sus padres, Art y Jeane Flower, eran músicos profesionales. En 1967, Wendy tocó y grabó con una banda psicodélica de San Francisco llamada Crystal Fountain. Bonnie más tarde se unió a la banda como baterista. Al año siguiente, Tjader escuchó algunos de las demos acústicos de las hermanas y organizó una sesión de grabación con Skye. Las hermanas, que eran adolescentes en el momento en que se grabó el álbum, compusieron todas las canciones. McFarland actuó como arreglista en las sesiones. Los músicos que actuaron en el álbum fueron el guitarrista Larry Carlton, al baterista Jim Keltner y al tecladista Mike Melvoin.



Bonnie Flower
Skye se declaró en quiebra poco después del lanzamiento del álbum. En 1971, McFarland fue asesinado en circunstancias misteriosas en un bar de Nueva York. En esa época planificaba grabaciones adicionales con las hermanas Flower.



A principios de la década de los setenta, Wendy y Bonnie aportaron coros en dos álbumes de Cal Tjader para Fantasy Records. A partir de entonces, las hermanas siguieron su carrera separadas sin volver a grabar juntas. "Génesis" fue reeditado en CD en 2001 por Sundazed Records. En 2008, volvió a publicarse con material añadido.


Documento sonoro:


"By the sea", uno de los temas del disco de Wendy and Bonnie, "Genersis" (1969).




Los Royal Podencos consiguen un brillante segundo Lp titulado "Broken Bones" repleto de fortaleza, estilo y elegancia


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Romper los huesos es una expresión que puede usarse para verbalizar una agresión brutal o para remarcar cómo la fortaleza de ánimo y la entereza pueden convertirla en infructuosa. De ahí advertencias como la siguiente: "palos y piedras podrán romper mis huesos, pero tus palabras nunca lo harán". Sin duda, adquiere una fuerza inusitada cuando se aplica a las relaciones interpersonales, en especial a las amorosas, como es el caso de los Royal Podencos con su flamante segundo álbum titulado precisamente "Broken Bones" editado este 2017 por el sello sueco Fifth Week records. Si escuchamos minuciosamente este brillante compendio de canciones de rock and roll podremos ampliar el espectro significativo de la frase para amoldarla al gran trabajo realizado por esta banda santanderina quienes han logrado encontrar un ámbito creativo propio ciertamente brillante quebrándose muy probablemente no los huesos pero si los sesos. Sus once temas se sostienen sobre un amplio abanico de estilos que van del "garage" sixties al punk setentero pasando por ese powerpop furioso cargado de emotividad a flor de piel. Son 11 temas que resultan cautivadores, construidos con firmeza e imaginación sobre arreglos exquisitos en los que se complementan a la perfección excelentes momentos solistas con andanadas bien compenetradas de una banda en perfecta sintonía.

Trayectoria



Royal Podencos. Foto: Yngwe Vanhouckle
Royal Podencos se forman el año 2012 con integrantes curtidos en grupos anteriores como Los Tupper (Santander) o The Gain (Madrid). Ellos son Hans Eguinoa, voz y guitarras (antes The Gain, Madrid 2001-2008); Jota, guitarras y coros (antes Los Tupper y Los Tupperguarros), Toni Arenal al bajo y coros, y Jonatan Santamaria a la batería y coros. Sacan en 2014 un disco lamado "What's Your Plan" con ocho canciones editado por Fifth Week records.

Su segundo trabajo lo saca también este pequeño sello sueco, país por donde precisamente fueron de gira el año pasado con excelentes resultados. Las canciones son de la banda con letras de Hans y arreglos propios. 
Fueron grabadas entre enero y marzo de 2017 en los magníficos Drive Division Estudios de Santander con Alex Pis quien también aporta órgano en el tema "No One’s Giving Up In here" y los arreglos en "Break Us Down". Contaron además con la colaboración de José Sierra con la armónica y coros en "Tell me why" y Eva Gómez-Pallete a los coros en "No one’s giving up in here". El artwork es de Aitor Ochoa quien juega con los símbolos de la muerte y el amor mediante ese esqueleto bailando sobre el corazón entre tonalidades oscuras pero, a la par, cálidas. Las fotos de la banda incluidas en el Cd son de Yngwe Vanhouckle.

Royal Podencos. Foto de su facebook

Las canciones

El disco se abre con "Sexuality", complicada relación amorosa en un tema de guitarras "garajeras" que crujen sin tregua posible, acompañadas por una persistente combinación rítmica. Juntos dan perfecta cobertura a una entregada voz principal respaldada por coros entre detalles de rock and roll agrio y poderoso más secuencias rítmicas de punk. Destaca algún que otro momento solista, sencillo pero efectivo, a cargo de la guitarra. Le sigue "Break us down" que empieza entre besos dulces y el corazón en llamas, y sigue con peticiones de matrimonio, erecciones para acabar con el fuego aún encendido. Un buen resumen de una relación amorosa a ritmo de R&B a base de guitarras a modo del mejor pub rock con excelente melodía entre detalles rítmicos muy solventes. Un tema que te atrapará por sus riffs ingeniosos y esa voz principal que sigue siendo altamente convincente entre algunos detalles de guitarras que engrandecen el tema. 


Royal Podencos. Foto: Yngwe Vanhoucklea
A continuación oímos "The dog you found", una declaración de amor y respeto por ese amigo can "porque un perro de confianza es útil, solo trátalo como deberías, nunca te dejará, incluso si pudiera". Musicalmente nos presentan una maravilla de pop poderoso de guitarras brillantes, voz sensacional, rítmica entregada, y coros de puño en alto. De nuevo, la guitarra nos brinda una ejecución solista que completa la andanada de rock poderoso. "Anything you want" es el título del siguiente corte, y en él nos hablan de amor impetuoso, expresado con determinación entre canciones de los Stooges, Elvis y los Stones. Más powerpop elegante, cargado de movimientos que invitan al baile mientras disfrutas de una melodía fascinante gentileza de una banda muy bien conjuntada. Con "Noone´s giving up in here" llegamos al meridiano del álbum. Se trata de un tema que lucha contra la tristeza, para que no te des por vencido porque el sol brillará en ti mañana, rezando para que esa persona especial regrese, preguntando qué salió mal. Al final encontrarás la salvación, quizá esa persona vuelva y toque el timbre de tu puerta. Un tema introspectivo que musicalizan en formato de balada con una extraordinaria guitarra ácida que teje una segunda voz de acompañamiento para realzar la voz principal quien nos toca el alma con una conmovedora interpretación de esta fabulosa canción. Un solo profundo y emotivo de guitarra emerge de las entrañas para elevar las dosis de pasión, con solemnes aportaciones de pedales de órgano, coros, y sensacionales líneas de bajo. 
     
Royal Podencos. Foto: Yngwe Vanhouckle
Mediante "A little creep" regresan los tempos furiosos, muy bien medidos, a juego con las guitarras feroces y la suculenta voz principal que "va recogiendo las piezas de mi corazón roto. Ahora puedes volver a armarlo, es una obra de arte… no hay tiempo para perder, no hay que desmoronarse". Guitarras hirientes, percusión penetrante entre arreglos enérgicos dan vida a un tema de rock and roll que levantará tu ánimo con cambios armónicos y fraseos solistas que enaltecen la melodía. Le sucede "What´s wrong with you", con mensajes frustrados de teléfono cuando las cosas se salen de control y el amor se desvanece logrando que nos hundamos más el fracaso. Más riffs vigorosos para una canción de pop arrebatador que va creciendo para explotar, con todo su colorido, en el estribillo. Un tema que te resultará difícil de olvidar interpretado por una banda en estado de gracia ya sea a nivel instrumental como vocal.
 


Royal Podencos. Foto de su facebook
Nos acercamos al final con "On and on", otra muestra más de su talento creativo a medio camino entre el rock and roll más enternecedor y el pop más salvaje. De nuevo, surgen las relaciones amorosas como inflexión vital. Situaciones complicadas y pasionales que entrelazan la ruptura con la devoción por la persona amada con absorbente crescendo instrumental final. 

Tras este brillante tema, mediante el que consiguen que suba la temperatura corporal del atento oyente, nos deleitamos con la no menos seductora "Let me shake". Una canción en la lograrás encontrarte a ti mismo aunque sea en medio de un huracán y aprovechar las oportunidades que te da la vida o al menos sin malgastarlas, mejorando en tus relaciones amorosas. Musicalmente inciden en esa habilidad de dar forma a canciones de rítmica combativa con sonoridades que transmiten un gran placer. Más riffs sorprendentes bien distribuidos, entre golpes de efecto, y recorridos indómitos de guitarra, bajo y batería más soberbia voz principal, que nos llevan al penúltimo tema del disco titulado "You got a home". Aquí la banda nos regala un tremendo tema de pub rock con los Estados Unidos y su idiosincrasia como principal protagonista. Una canción ágil, deslumbrante y vigorosa con la que, si no lo han hecho ya, van a dejarte completamente anonadado. Se cierra el Cd con "Tell me why" mediante gritos, gemidos y abrazos de amor, sin mirar atrás, en un viaje en camión hasta su casa en Idaho. La última de las excelencias de este gran trabajo discográfico en la que no faltan más guitarras inspiradas combinadas con armónica, entre acordes suculentos, ritmos sureños, y estribillos que te pondrán los pelos de punta mediante detalles instrumentales de gran calidad.

Reflexión final:

 

Royal Podencos. Foto: Yngwe Vanhouckle
En la música y letra de las sinceras como impactantes canciones de Royal Podencos se cruzan emociones con realidades cotidianas; momentos impactantes que van de la amistad canina a las oportunidades amorosas pasando por un despliegue de recursos estilísticos que les sitúan, según sea el tema, entre lo mejor del powerpop actual, el punk más conmovedor, o el rock menos previsible y aguerrido. Desde la balada hasta los ritmos más fieros se perciben unas ganas irrefrenables de procurarse un mundo creativo propio que les distinga dentro de la escena del rock and roll, ya sea a nivel estatal como internacional. "Con la voluntad de seguir rockeando" como ellos mismos dicen, esta banda santanderina de expertos músicos "introvertidos, que tocan para sí mismos, a veces peor, a veces mejor, pero siempre caballeros, elegantes, sinceros y muy auténticos" han conseguido un disco que les procura un espacio amplio y enriquecedor que va más allá del panorama regional en el que son conocidos. Parece tarea fácil, pero no lo es en absoluto. Para conseguir canciones tan emocionantes como las que se incluyen en este su segundo trabajo llamado genéricamente "Broken Bones", tienes que estrujarte el cerebro. El resultado no puede ser más placentero. Te aseguro que tras varias como gratificantes escuchas, van a romperte los huesos de tanto que va a bailar sus canciones. 

Nota: Puedes escuchar las canciones en el bandcamp y contactar con el grupo para adquirir una copia del Cd. Tocan en directo en la Sala Niágara, Santander, el 8 de diciembre.

lunes, 20 de noviembre de 2017

Muere Warren “Pete” Moore de los Miracles

Warren "Pete" Moore 
Warren “Pete” Moore nació en Detroit (Michigan) el 19 de noviembre de 1939 y falleció el mismo día de 2017 en su 78 cumpleaños en Las Vegas (Nevada). Formó parte los míticos Miracles desde su primera formación a mediados de los cincuenta y siguió hasta 1978 después que Smokey Robinson dejara el grupo, con el cantante principal Billy Griffin, coescribindo el éxito número 1 "Love Machine" y produciendo gran parte de los éxitos del grupo en los setenta. Moore trabajó con otros artistas componiendo muchos temas considerados clásicos de la música soul de todos los tiempos como el “Ooh Baby Baby” para los Miracles, así como para The Tempations, “Since I Lost My Baby” y para Marvin Gaye, “I’ll Be Doggone”.

En 1955 Smokey Robinson creó la primera formación llamada The Five Chimes con su amigo Ronald "Ronnie" White (nacido el 5 de abril de 1939 y fallecido el 26 de agosto de 1995), Warren “Pete” Moore, más Clarence Dawson y James Grice. Poco después cambian el nombre a The Matadors y Clarence más James son substituidos por  Bobby Rogers (nacido el 19 de febrero de 1940 y fallecido el 3 de marzo de 2013) y Emerson "Sonny" Rogers (primo de  Bobby y hermano de Claudette quien se casaría con Smokey en 1959).  Claudette (nacida el 1 de septiembre de 1942) se incorpora a los Miracles en 1958 con Smokey, Ronnie, Pete, y Marv Tarplin (nacido el 13 de junio de 1941 y fallecido el 30 de septiembre de 2011) a la guitarra.  

Miracles, con Pete en el centro 
Con Robinson como cantante principal, The Matadors empezaron a cantar por Detroit y conocieron a Berry Gordy, quien co-escribiría el single "Got a job", a modo de respuesta al éxito “Get a Job” de "The Silhouettes". Fue entonces cuando cambiaron de nombre por el de Miracles y grabaron para End Records y Chess Records. Poco después,  Gordy fundaría Tamla Records, que pasaría a ser la "Motown". Entre Gordy y Robinson se creó una de las relaciones  artísticas más fructíferas e intensas de la historia de la música. En 1961, Robinson se convertiría en el vicepresidente de Motown Records. 

Los Miracles 
Durante la década de los sesenta, los Miracles alcanzaron puestos destacados en las listas con temas como "Shop Around" (1960); "You've Really Got a Hold on Me" (1962); "Mickey's Monkey" (1963); "Ooo Baby Baby" (1965);  "The Tracks of My Tears" (1965); "My Girl Has Gone" (1965); “Going to a Go-Go" (1965); "(Come 'Round Here) I'm The One You Need" (1966); "The Love I Saw in You Was Just a Mirage" (1967); "I Second That Emotion" (1967); "If You Can Want" (1968) y "Baby, Baby Don't Cry" (1969). Durante los setenta sacaron otras canciones destacados como "The Tears of a Clown" (1970); "I Don't Blame You At All" (1971); "Do It Baby" (1974) y "Love Machine – Pt. I"(1976).

Los Miracles, Pete al lado de Smokey Robinson 
En 1969, Robinson les había dicho que quería retirarse para formar una familia y criar a sus dos hijos con Claudette y poder dedicarse a su trabajo en la discográfica, cargo del que renunció en 1988 cuando la Motown fue vendida a la MCA . La última actuación de Robinson con los Miracles fue en Washington en julio de 1972. Tras un año de descanso, iniciaría en 1973 una carrera en solitario. En los Miracles sería substituido por Billy Griffin. Siguieron Ronnie, Pete y Bobby, y en 1973 Donald Griffin reemplazó a Marv.  Ronnie y Bobbie continuaron en los ochenta con los Miracles ayudados por Dave Finley y Carl Cotton hasta el año 1995 en que muere Ronnie. En 2005 volvería a cantar con ellos Claudette.  

Moore obtuvo entre otros méritos, el formar parte del Rock & Roll Hall of Fame, Hollywood Walk of Fame, BMI Songwriters’ Award, y el  R&B Hall of Fame.

Documento sonoro: 


En este vídeo les podemos ver actuando en televisión con el tema de Robinson "You've Really Got A Hold On Me" el 4 de noviembre de 1964.



Fallece Ronnie Butler, el padrino del Bahamian calypso

Ronnie Butler
Ronald "Ronnie" Butler, Sr. nació el 17 de agosto de 1937  en New Providence (Bahamas) y falleció el 19 de noviembre de 2017, Fue un famoso cantante y compositor de calypso,  Rake 'n' Scrape, o Junkanoo Fusion conocido como "El padrino de la música de las Bahamas". Su trayectoria duró más de cinco décadas sacando más de una decena de discos.  Tambiñen grabó algunos temas de soul funk como el demoledor "Peace and Love" de Ed Minnis.

Butler comenzó su carrera en la música a la edad de 16 años. Actuaba en locales de las Bahamas, como Ronnie's Rebel Room, Rum Key, Big Bamboo, The Trade Winds Lounge y Nassau Beach Hotel. Después giró por toda Europa, América del sur y del norte. Entre sus éxitos populares se encuentran temas como “Burma Road”, “Crow Calypso”, “Age Ain’t Nothin’ But A Number”, "Birmania Road", "Crow Calypso" o “Married Man” que aparece en la película "Why Did I Get Married Too?" (2010), de Tyler Perry, que se rodó en Las Bahamas.


Ronnie Butler
Formó una banda llamada Ron Butler And The Ramblers con Carl Rodgers, guitarrista, Charles Dean a la batería, Henry Johnson, al órgano, y Sidney Darling al bajo. En los setenta sacaron discos como “Bahamas Island In The Sun” (1975), “Dear real Ting” (1976) o “Expressions of love” (1978).  En 1997 sacó el disco “Burma Road - The Original”.

En 2003 fue nombrado miembro de la Orden del Imperio Británico. Es padre del actor Ron Butler, Jr.


Documento sonoro:


Temazo de soul funk grabado en 1975 por Ronnie Butler and The Ramblers


domingo, 19 de noviembre de 2017

Muere el baterista de jazz, Ben Riley

Ben Riley 
Ben Riley nació en Georgia el 17 de julio de 1933 y falleció el 18 de noviembre de 2017. Prestigioso baterista de jazz será recordado principalmente por su trabajo con Thelonious Monk, así como con otros grandes como Alice Coltrane, Stan Getz, Woody Herman, Eddie "Lockjaw" Davis, Ahmad Jamal, Kenny Barron, así como miembro del grupo Sphere de tributo a Monk. Durante los setenta fue miembro del New York Jazz Quartet.

Ben Riley se mudó con su familia a la edad de cuatro años a la ciudad de Nueva York. En  secundaria tocó en la banda de la escuela, y después de la graduación se unió al ejército, donde fue paracaidista, y también tocó con la banda del ejército. Al dejar el ejército en 1954 se instaló en Nueva York, y en 1956 comenzó a tocar jazz profesionalmente.  Tocó con músicos como Randy Weston, Mary Lou Williams, Sonny Rollins, Woody Herman, Stan Getz, Billy Taylor y Johnny Griffin.  Entre sus colaboraciones, la más fue con el pianista Thelonious Monk con el que colaboró durante cuatro años grabando los discos “It's Monk's Time” (1964), “Monk” (1964), “Live at the It Club” (1964), “Straight, No Chaser” (1967) y “Underground” (1968).


Ben Riley 
A principios de los sesenta grabó con Johnny Griffin y Eddie "Lockjaw" Davis varios discos. Durante los sesenta también colaboró con Sonny Rollins, Junior mance, Bennie Green, Alice Coltrane,  entre muchos otros. En los setenta colaboró con Ron Carter y Red Garland,  en los ochenta con Chet Baker, Kenny Burrell y Kenny Barron con el que continuó en los noventa así como con Ricky Ford, entre otros. A su nombre grabó los discos  “Weaver of Dreams” (Joken 1996), “Memories of T” (Concord 2006) y “Grown Folks Music” (Sunnyside 2012).      

Documento sonoro: 

Solo de Ben Riley en 1966. 


Con la banda de Thelonius Monk en Oslo. 




Muere la leyenda del country, Mel Tilllis

Mel Tillis 
Lonnie Melvin "Mel" Tillis nació el 8 de agosto de 1932 en Tampa, Florida, y falleció por problemas respiratorios en el Centro Médico Regional Munroe en Ocala, Florida, la mañana del domingo 19 de noviembre de 2017. Cantante, guitarrista y compositor de country tuvo una larga carrera desde los años cincuenta aunque sus mayores éxitos los conquistó en los setenta.  Triunfó con  canciones como "I Ain't Never", "Good Woman Blues", y "Coca-Cola Cowboy".  En febrero de 2012 el presidente norteamericano Barack Obama le concedió la National Medal of Arts por su contribución a la country music. También fue premiado por la Country Music Association. Su hija es la conocida cantante de country  Pam Tillis.

Mel Tillis 
Se crió en Pahokee, Florida (cerca de West Palm Beach). Su tartamudeo se desarrolló durante su infancia, como resultado de contraer la malaria. Cuando era niño, Tillis aprendió a tocar la batería y la guitarra y, a los 16 años, ganó un concurso local de talentos. Asistió a la Universidad de Florida, pero lo dejó y se unió a la Fuerza Aérea de los Estados Unidos. Mientras estaba destinado en Okinawa, formó una banda llamada The Westerners, que tocaba en los clubes nocturnos locales.
Tras dejar la Fuerza Aérea en 1955, Tillis regresó a Florida donde trabajó en varias ocupaciones ocasionales, y finalmente encontró empleo en la compañía del ferrocarril en Tampa, Florida. Usó su pase de ferrocarril para visitar Nashville y finalmente consiguió una audición con Wesley Rose de la famosa editorial de Nashville, Acuff-Rose Music. Rose alentó a Tillis a regresar a Florida y continuar perfeccionando sus habilidades para escribir canciones. Tillis finalmente se mudó a Nashville, Tennessee, y comenzó a escribir canciones, entre ellas  "I'm Tired," que llegó al tercer puesto de las listas de country con  Webb Pierce en 1957. Otros éxitos de Tillis fueron "Honky Tonk Song" y "Tupelo County Jail." Ray Price y Brenda Lee tambien cantaron algunos de sus temas y a finales de los cincuenta firmó un contrato con Columbia Records. En 1958, tuvo su primer Top 40 con "The Violet and a Rose" seguida de "Sawmill" en el Top 25.

Mel Tillis 
Siguió teniendo más éxitos como compositor trabajando para Webb Pierce.  Escribió los hits "I Is not Never" y "Crazy, Wild Desire".  Bobby Bare, Tom Jones ("Detroit City"), Wanda Jackson y Stonewall Jackson también versionaron sus canciones. Tillis continuó grabando por su cuenta. Algunas canciones bien conocidas de su época en Columbia incluyen "The Brooklyn Bridge", "Loco Weed" y "Walk on, Boy". A mediados de la década de los sesenta, Tillis se cambió a Kapp Records, y en 1965, tuvo su primer Top 15 con "Wine". Le siguieron temas como "Stateside" y "Life Turned Her That Way" (que luego fue versionada por Ricky Van Shelton en 1988, pasando al número 1). Escribió para Charley Pride ("The Snakes Crawl At Night") y escribió un gran éxito para Kenny Rogers and The First Edition titulado "Ruby, Do not Take Your Love to Town". También escribió el éxito "Mental Revenge" para Waylon Jennings.  En 1968, Tillis logró su primer Top 10 con "Who's Julie". También fue un cantante destacado en The Porter Waggoner Show.  

Mel Tillis 
Las cosas cambiaron en 1969. Finalmente logró el éxito que siempre quiso con dos  Top 10 en la lista de country:  "These Lonely Hands of Mine" y "She'll Be Hanging Around Somewhere". En 1970, alcanzó el Top 5 con "Heart Over Mind", que llegó al puesto tercero en la lista Hot Country Songs. Después de esto, la carrera de Tillis como cantante de country entró en pleno apogeo con grandes canciones como "Heaven Everyday" (1970), "Commercial Affection" (1970), "Arms of a Fool" (1970), "Take My Hand" (un dúo con Sherry Bryce en 1971), y "Brand New Mister Me" (1971). En 1972, Tillis triunfó por todo lo alto con su versión de su propia canción "I Is not Never". La mayoría de los temas mencionados se grabaron en MGM Records. 

Mel Tillis 
Después del éxito de "I Is not Never", Tillis tuvo otro que se acercó al No. 1 titulado "Neon Rose", seguido de "Sawmill", que alcanzó el No. 2. "Midnight, Me and the Blues "fue otro top-chart en 1974.  Otros hits que Tillis tuvo en MGM fueron "Stomp Them Grapes "(1974),"Memory Maker "(1974)," Woman in the Back of My Mind "( 1975), y su versión de "Mental Revenge" (1976). Sin embargo Tillis logró su mayor triunfo con MCA Records, sello con el que firmó en 1976. Comenzó con un par de dos No. 1 en 1976, "Good Woman Blues" y "Heart Healer".  Gracias a este éxito, en 1976 ganó el premio más codiciado de CMA Awards, “Entertainer of the Year” y también fue incluido en el Nashville Songwriters Hall of Fame ese año. Logró otro número 1 en 1978 con "I Believe In You" y luego en 1979 otro con "Coca-Cola Cowboy", que se incluyó en la película de Clint Eastwood “Every Which Way but Loose” (1978) en la que también hizo una aparición especial. A mediados de 1979, Tillis se cambió a otra compañía discográfica, Elektra Records.


Después de firmar con Elektra, continuó haciendo éxitos como "Blind In Love" y "Lying Time Again", ambos en 1979. Hasta 1981, Tillis se mantuvo en la cima como uno de los cantantes más exitosos de la música country del mundo.  "Southern Rains" en 1981 fue su último éxito número uno. Ese mismo año, lanzó un álbum de dúos con Nancy Sinatra y permaneció con Elektra hasta 1982, antes de volver a MCA por un breve período en 1983. Invirtió en varios negocios, emisoras de radio, discográficas, al tiempo que su fama fue mantuviéndose con menor intensidad. Entró a formar parte del Grand Ole Opry Country Music Hall of Fame en 2007.

Documento sonoro:

Mel Tillis y su número uno "Good Woman Blues" (1976).