sábado, 30 de julio de 2016

Muere el cantaor José Menese

Jose Menese 
José Menese Scott nació en La Puebla de Cazalla, Sevilla, 1942 donde falleció el 29 de julio de 2016. Considerado uno de los mejores cantaores payos de la historia del flamenco, heredero de Antonio Mairena y a la altura del Lebrijano,  fue capaz de definir su propio estilo inconfundible siempre desde la ortodoxia, ajeno a las fusión del cante jondo con otros estilos. Destacó también por su ideología progresista, siempre incómoda para el régimen franquista, en especial por las letras críticas de gran contenido social que cantaba, escritas en su mayorñia por su paisano y pintor, Francisco Moreno Galván.  

José creció en La Puebla de Cazalla, donde su padre trabajaba de zapatero. Con ocho años ya actuaba en la zapatería de su padre,   Empezó a cantar como aficionado por los bares y en 1959, Antonio Mairena le presentaba en su debut en el Cine Carretería de Osuna.  Ya en los sesenta se dio a conocer en Madrid acompañado del  pintor Francisco Moreno Galván, también de La Puebla de Cazalla, quien escribió gran parte de las letras de sus canciones. Después pasó a formar del elenco de flamencos del tablao Zambra de 1963 a 1968.

Jose Menese
Menese fue un cantaor incómodo para el régimen franquista. Sus canciones tienen un gran contenido social.  Fue el primer flamenco en llevar el cante a grandes escenarios como el Teatro Olympia de París en los años 1973 y 1974, o al Auditorio Nacional de Música de Madrid en 1991. Durante su carrera recibió múltiples premios y galardones  empezando en 1965  por el Premio de Honor "Tomás el Nitri" del Concurso de Cante Flamenco de Córdoba, hasta numerosos galardones como el Premio Nacional del Disco de la Cátedra de Flamencología y Estudios Folklóricos Andaluces de Jerez de la Frontera, entre otros.  Ha grabado más de una treintena de discos acompañado por los guitarristas Melchor de Marchena,  Enrique de Melchor, Manolo Brenes,  Juan Carmona Habichuela, Carlos Habichuela, Pepe habichuela, Antonio Carrión, entre otros. Su última grabación se titula "A mis soledades voy, de mis soledades vengo" (2005).


José Menese 
Menese ha fallecido pocas semanas antes de que la localidad sevillana de Mairena del Alcor le dedicara el Festival de Cante Grande Antonio Mairena, que se celebrará en septiembre y que este año se había ideado como homenaje a su gran carrera del cantaor. También estaba  previsto recibir un homenaje en el mes de agosto en el Festival Flamenco de la localidad jiennense de Alcalá la Real.  

Documento sonoro; 

José Menese al cante y Enrique de Melchor al toque en este Soleá.


viernes, 29 de julio de 2016

Fallece el saxofonista de jazz, Allan Barnes

Allan Barnes
Allan Curtis Barnes nació en  Detroit, Michigan, el 21 de septiembre de 1949 donde falleció el 26 de julio de 2016. Saxofonista, clarinetista y flautista más compositor de jazz formó parte de la banda de jazz funk, Blackbyrds de Donald Byrd. También dirigió un combo propio, colaboró con muchos músicos de varios estilos, y estuvo involucrado en diversos proyectos artísticos de su ciudad. 

Portada
Barnes recibió formación musical en el seno de su familia, y en 1967 se alistó en el Ejército de los Estados Unidos, en la Escuela Naval de Música. Después fue enviado a la 4ª División de Banda del Ejército en Vietnam. Tras licenciarse volvió a Detroit y fue descubierto por el legendario trompetista Donald Byrd quien insistió en que Barnes se sumara a la banda universitaria, The  Blackbyrds. Barnes tocó con ellos por todo el mundo grabando su primer disco que resultó ser de oro en el que figuraban dos canciones de Barnes, “Summer Love” and “The Blackbirds Theme”. En el segundo álbum, “Flying Start”, se puede oír el hit  “Walking in Rhythm”, con Barnes tocando la flauta. 

The Blackbyrds
 A principios de los setenta, Byrd colabora con los hermanos Larry y Fonce Mizell, y sale el disco "Black Byrd" (1972), en el que el jazz se fusiona con el R&B, el soul y el funk.  El disco fue injustamente menospreciado por los puristas de la época y, sin embargo, se convirtió en el más vendido de la historia de Blue Note.  A continuación Byrd forma  The Blackbyrds con alumnos de la Universidad de Howard, en Washington, donde impartía clases y dirigía el departamento de black music. En ese grupo se encontraban Kevin Toney (teclados), Keith Killgo (voces y batería), Joe Hall (bajo), Allan Barnes (saxo, flauta y clarinete) y Barney Perry (guitarra). The Blackbyrds firmaron con el sello "Fantasy Records", y su música aunó diversas influencias de jazz, funk, soul, afrobeat, y música Disco.  La banda estuvo activa hasta los ochenta y volvió reformada en 2012.

Allan Barnes
Barnes creó su propia banda, Allan Barnes and Primetime. Ha tocado y grabado con múltiples músicos como Gil Scott-Heron, Lyman Woodard David II, Fred Wesley, Nina Simone, Lee Oscar, Pini Cohen, Bennie Maupin, Siggy Dillard, Delbert Taylor, Robert Guillaume, Wilson Pickett, Christian DiMaggio, Lakeside, Ceri Lucas, Prince, the Mizell Brothers, Marcus Belgrave, Harold McKinney, Bootsie Collins, the Detroit Experiment, Regina Carter, Geri Allen, the Dramatics, the Interzone Orchestra, Reggie Braxton, Sandy Patton, Dwight Adams, Sunny Wilkinson, Sunny Girl, Martha Reeves, Mary Wilson, Teddy Harris, Roy Brooks, Big John Patton, Milt Hinton, Grant Green, Pharoah Sanders, Sonny Rollins y Billy Taylor. 

Allan Barnes
Durante su carrera Barnes escribió con John Malone el tema "Disco Dancing”, incluido en el  primer álbum  de A Taste of Honey en 1978. Con R. Kelly co-escribió el sencillo “Money Makes the World Go Round”. También compuso música para películas, publicidad, entre otras actividades. 

Por otra parte escribió la pieza de jazz clásico “Until We Meet Again”, llevó la banda Giant Steps, con Cliff Monear, Marion Hayden, Rayse Biggs, Sunny Wilkinson, y Gayelynn McKinney. También colaboró en el combo The Detroit Experiment así como con muchos artistas de Detroit, entre ellos varios proyectos de hip-hop como la banda de fusión con el funk, Gorilla Funk Mob, desde 2007, o en el “Rebirth of Detroit” (2012), donde se incluyen temas producidos por el productor J Dilla. En 2015 saliño un disco de house bajo el nombre de The Sunlight Project featuring Allan Barnes y el título de The Klan Revisited. 

Documento sonoro:

Segundo disco de los Blackbyrds, "The Flying Star" (1974).



jueves, 28 de julio de 2016

Fallece Roye Albrighton de los Nektar

Roye Albrighton

El cantante, guitarrista y compositor de los Nektar,  Roye Terrence Albrighton nació el 6 de febrero de 1949 y falleció el 26 de julio de, 2016, en Poole, Dorset, (Inglaterra) a los 67 años, tras una larga enfermedad, según ha confirmado su ex compañero de banda, Derek 'Mo' Moore.  Cofundó este grupo de rock progresivo  en Alemania en el año 1969 y les dejo en 1977  para volver en 2000 con nueva formación hasta la actualidad.  Antes de los Nektar estuvo en los grupos psicodélicos británicos The Peeps y Rainbows. Albrighton había acabado recientemente la biografía oficial de la banda, que se publicará a través de Cleopatra Records a finales de este año. 

Rainbows, en 1967
Roye había formado parte de grupos psicodélicos como The Peeps con los que sacó algunos singles en 1965 con temas como “Now Is The Time/Got Plenty Of Love” y  “What Can I Say?/Don't Talk About Love”; en 1966, “Gotta Get A Move On/I Told You Before”  más “Tra La La / Loser Wins”; y en 1967, “I Can Make The Rain Fall Up/It's All Over Now” como  Martin Cure And The Peeps.  Después formó parte de los Rainbows  quienes en 1969 sacaron un sencillo con el tema “Rainbows/ Nobody But You released”, más “New Day Dawning / Days And Nights”.

Nektar en los setenta
Nektar se formó en 1969 en Hamburgo, Alemania,  por músicos británicos que se conocieron tocando en grupos de rock and roll para los soldados americanos:  Roye Albrighton a la guitarra y voces, Allan "Taff" Freeman a los teclados, Derek "Mo" Moore al bajo, Ron Howden a la batería, y Mick Brockett encargado de la luminotecnia, efectos especiales y demás.  Los primeros álbumes del grupo levaron por título “Journey to the Centre of the Eye”, ( 1971), y “A Tab in the Ocean” (1972), el primero en ser editado en los Estados Unidos.  Le siguieron “Sounds Like This” (1973), “Remember the Future (1973)” con el que consiguieron una mayor repercusión.  

Nektar más recientemente
Después vino “Down to Earth” (1974), otro álbum conceptual en el que figura la canción "Astral Man" con la que entraron en listas.  El siguiente disco “Recycled“ (1975) tuvo muy buena acogida entre la crítica. Antes de que la banda grabara con Polydor el siguiente álbum “Magic Is a Child” (1977), Roye Albrighton dejaría la formación y fue substituido por Dave Nelson.  A partir de aquí el sonido de la banda cambia, se vuelve más pop, y siguen sacando otros trabajos principalmente en directo. Tras el disco “Man in the Moon “ (1980) en el que participó Roye se separaron.  A finales de los setenta Roy formó un supergrupo llamado Snowball con miembros de Curt Cress Clan grabando su primer disco “Defroster” (1978).  Ya en los  noventa grabó discos a su nombre como “The Follies Of Rupert Treacle” (2002).

Roy Albrighton
Los Nektar volverían en los dos mil tocando en el Nearfest, festival de progresivo en Bethlehem , Pennsylvania , con el teclista Larry Fast, y grabando un nuevo disco llamado “The Prodigal Sound” (2001) con Ray Hardwick a la percusión,  Roye Albrighton a la voz y guitarras, y  James Allan Freeman a los teclados.  En 2004 sale “Evolution”  y en 2008 “Book of Days”.  Desde mediados de 2007 Roy actuaba con un proyecto en solitario. Ya en 2012 empezaron a grabar un nuevo disco “Time Machine” que salió en 2013, con el bajista Billy Sherwood,  Ron Howden a la batería, Roye Albrighton a la guitarra y voz, y Klaus Henatsch a los teclados. 

Documento sonoro: 
  
The Peeps y "Got Plenty Of Love" (1965).


 Martin Cure And The Peeps  y  "It's All Over Now" (1967)



Rainbows, y su terma de 1969.


Nektar en directo en 1973 con "DesolationValley".

Nektar en vivo en 2005. 


miércoles, 27 de julio de 2016

Tony Hazzard canta sus fabulosas canciones en una imprescindible reedición a cargo de You are the Cosmos

Portada
Entre 1966 y 1969, Tony Hazzard compuso algunos de los mejores temas de la historia del pop inglés. Bonitas y memorables canciones que consiguieron un más que notable éxito interpretadas por combos y artistas conocidos como los Hollies, Manfred Mann,  Herman’s Hermits, Tremeloes, Cliff Richard o Lulu.  Fue a  Gerry Bron, mánager y productor, a quien se le ocurrió la idea de recopilar esas demos cantadas por su propio autor y convenció a la CBS para que se editaran en un mismo Lp. De este modo, en 1969 salió el álbum  “Tony Hazzard sings Tony hazzard”. Un disco sin desperdicio alguno  en el que se pueden oír  una docena de sus geniales creaciones, con sutiles retoques con respecto a las conocidas versiones, en las que se pone de manifiesto no solo el gran talento compositivo de Hazzard sino también su magnífica capacidad como cantante.  De forma incomprensible, al menos artísticamente, ese disco no obtuvo en su momento la merecida repercusión. Ya en los dos mil, volvió al mercado discográfico en formato Cd en Inglaterra, y hemos tenido que esperar nada menos que 47 años para que se reeditara en las mejores condiciones, en vinilo, a cargo de la imprescindible discográfica You are the Cosmos.  

Trayectoria
Tony Hazzard, en los sesenta
  
Anthony "Tony" Hazzard  nació el 31 de octubre de 1943, en Liverpool, Inglaterra. Aprendió a tocar la guitarra de muy joven. Creó algunos grupos, antes de que emergiera la famosa escena beat de Liverpool, y dejó aparcados los proyectos cuando  comenzó sus estudios en 1962. Su brillante carrera musical como cantante y compositor no se inició hasta que terminó su educación en la Universidad de Durham donde siguió tocando en grups amateurs y decidió dedicarse a la música.   

Con el apoyo de Tony Garnett de la BBC, Hazzard se trasladó a  Londres, donde firmó un contrato con Gerry Bron.  El británico Gerald Lincoln "Gerry" Bron (1933-2012) fue un mánager y productor de grupos como Manfred Mann, o Richard Barnes, que creó la discográfica Bronze en 1971. A mediados de los sesenta se pudo ver a Tony actuando en shows televisivos como  “Ready Steady Go” o “Thank Your Lucky Stars”.  En 1966 grabó para Columbia un sencillo con el tema “You'll Never Put Shackles On Me” y su primer éxito le llegó ese año con la canción  “You Won't Be Leaving” interpretada por los Herman’s Hermits.  En 1967 Manfred Mann sacaron sus temas  "Ha! Ha! Said the Clown" y en 1968, "Fox on the Run".  En 1967 los Hollies triunfaron con otra canción suya "Listen to Me".

Su canción "The Sound of the Candyman's Trumpet" fue grabada por Cliff Richard y quedó en cuarto lugar en la preselección “A song for Europe” que decidió el tema que el Reino Unido presentaría al festival de Eurovision de 1968 y que resultó ser “Congratulations”.   El tema versa sobre un flautista mágico,  o quizá un vendedor ambulante de drogas si lo traducimos en argot, y fue compuesta después de un viaje de ácido.  Grabaron temas suyos, la mayoría incluidos en este disco que te presentamos:  Family Dogg y su “Brown Eyed Girl” (1968), Lulu y  "Me, The Peaceful Heart"  (1968), The Yardbirds y "Goodnight Sweet Josephine" (1968),  The Tremeloes  y "Hello World" (1969), The Casuals y  “Hello It's Me” (1969),   The Swinging Blue Jeans como The Bluejeans y “Hey Mrs Housewife” (1969),  Simon Dupree and the Big Sound y "The Eagle flys tonight" (1969),  Cherry Smash y “Fade Away Maureen” (1969), Gene Pitney y "Maria Elena" (1969), Richard Barnes  y "Take to the Mountains" (1970), o Peter Noone  y "(I Think I'm Over) Getting Over You" (1973), entre otros como  Andy Williams.

Contraportada Hazzard sings Hazzard 

“Tony Hazzard sings Tony Hazzard”  contó con la colaboración de una banda formada por Colin Wood, al piano, órgano, flauta; Tom Allon al vibráfono; Tat Meager a la percusión, Davy Clague al bajo; Tony Hicks a la guitarra, y Steve y Duncan a los kazoos, más las armonías vocales de Richard Barnes.   Tony canta y toca la guitarra de doce cuerdas. Los arreglos y la producción son suyos para Hit Recrods producions Limited. El discose grabó entre noviembre de 1968 y febrero de 1969 en el regent Studio A con los ingenieros de sonido Adrian Ibbetson y Tom Allom. En la portada figura un primer plano de la cara de Tony y en la contraportada se pueden ver algunas fotos de su autor más una pequeña pero ilustrativa descripción de cada tema.
 

Portada del disco de 1973

Pese a estar repleto de canciones memorables, no obtuvo el éxito que bien merecía.  Hazzard consiguió más repercusión como intérprete con  el siguiente, “Loudwater House” (1971 Bronze. Island Records). También grabó coros en los discos de Elton John,  "Tumbleweed Connection” (1970) y “Honky Château” (1972). Su tercer disco “Was That Alright Then?” (Bronze 1973), también se vendió poco.  Con Richard Barnes sacó un álbum para Warner Bross en 1976. Llegados los ochenta se retiró poco convencido de que fueran buenos tiempos para su lírica aunque siguió componiendo música para obras de teatro, y en 2011 vio la luz el álbum “Song from the Lynher”.  Hazzard vive en Cornwall y continúa componiendo e interpretando sus canciones como las incluidas en su más reciente trabajo de 2016, "The Hallicombe Sessions", grabado con el norteamericano asentado en Donosti, Matt Harding.

Las canciones

Tony Hazzard con 24 años.

El disco se abre “Listen To Me”,  una exquisitez que pone los pelos como escarpias con esa melodía encantadora y ese ritmo ideado para que mover el cuerpo al son de riffs luminosos.  Juegos corales y armónicos arropan la gran voz de Tony que siguen destacando en el siguiente corte.  “Brown Eyed Girl” es una canción coqueta, con flauta incluida, que se expande en el estribillo como un arco iris. Le sigue “Me, The Peaceful Heart”,  corte de arreglos envolventes de folk pop que deambulan agiles con una percepción rítmica fascinante con momentos de percusión selvática. Hazzard sigue deslumbrándonos con su entrega vocal y esa fascinante forma de instrumentalizar melodías cariñosas.  A continuación nos ofrece su lisérgico “The Sound Of The Candyman's Trumpet“ con ese trenzado de arreglos grandiosos, momentos de brillante trompeta incluidos,  y un recitado que resulta solemne apoyado por coros con los que se consigue un efecto conmovedor que crece en la inmensidad sonora que genera el tema.    “Hello It's Me” es una llamada a nuestra capacidad de apreciar las buenas canciones de pop construidas con esa genial sencillez que no resulta tan fácil como aparenta.  Momentos sonoros que ensalzan el ánimo procurados por grandes compositores como Hazzard quien, insisto, sigue deslumbrándonos con su forma de cantar. Acaba la cara A con “Fox On The Run”, tema más calmado en el que confluyen el talento de Hazzard, su admiración por los Manfred Mann, y esa naturalidad para dar vida a momentos instrumentales, coros, estribillos, y aportaciones de flauta extraordinariamente bien combinadas.
    
Richard Barnes y Tony Hazzard

La cara B arranca con “Hello World”, corte de melodía conmovedora, con cambio rítmico más pausado para destacar el psicodélico estribillo. Después Recupera el pulso con la gracia y el encanto propio de Tony, con momentos de percepción clásica a cargo de los teclados más voces estratosféricas. Le sigue “Goodnight Sweet Josephine”, canción saltarina con lejanos pero perceptibles aires medievales. De nuevo, otro estribillo memorable con una segunda voz de eléctrica digna a tener en cuenta por inhabitual más un hábil momento solista de órgano.  Llegamos a su soberbio “Ha! Ha! Said The Clown”, una de mis favoritas, con esa carga de dramatismo y ese recorrido rítmico tan espectacular que explota en el estribillo arropado por una  solemne aportación de teclados, entre otros efectos instrumentales.   Continua el disco con “Hey Mrs. Housewife”, tema de esplendor beat con detalles de órgano, efectos circenses, dedicado a las amas de casa. Ya en los últimos  surcos disfrutamos con “You Won't Be Leaving”, canción que versa su época universitaria, con una perseverante gracia que atrapa del primero al último compás.  Finaliza el disco con “Fade Away Maureen”,  en la que trata de la falta de comunicación entre madre e hija. La última de las maravillas sonoras incluidas en este álbum con la que se me ocurren un buen puñado de adaptaciones con arreglos ácidos que conseguirían metamorfosear este gran tema en una andanada de popsike impresionante. 
 

Reflexión final

Tony Hazzard recientmente

En el texto de contraportada del disco, Mickie Most dice sobre las canciones de Hazzard: “I have never heard a bad one”.  El famoso productor inglés le pidió en 1968 que compusiera un éxito para Lulu y cuando oyó la canción que le propuso Hazzard, "Me, The Peaceful Heart",  dijo que era sencillamente perfecta. Como en ese caso,  gran parte de los grupos que interpretaron sus temas  se quedaron maravillados con el trabajo de Tony como por ejemplo Graham Nash y su último hit con los Hollies, “Listen To Me”, aunque también se realizaron versiones que cambiaron notablemente el original como los Yardbirds y su visión de "Goodnight Sweet Josephine", entre otras que resultaban sorprendentes para el propio Tony como el tema “The Sound Of The Candyman's Trumpet“ que casi llega a Eurovisión siendo como era una canción “triposa”.  Por todo ello, y por mucho más no cabe  duda alguna de que Hazzard es uno de los grandes compositores de pop principalmente de los sesenta, y esa evidencia no debe hacernos pensar que era peor cantante.  En este sentido resulta chocante  leer en algunas de las reseñas consultadas sobre su trayectoria, que a Tony Hazzard se le daba mejor la composición que la interpretación, y no es cierto. Lo único que se le daba mal a Tony fue  la promoción, como él mismo reconoce en alguna entrevista.  Por lo demás, estamos frente a uno de los grandes compositores y cantantes, aún en activo, cuya obra ha pasado a los anales de lo mejor del pop británico, por ende, internacional, del que no nos cansaremos de disfrutar sus inolvidables canciones gracias a esta magnífica y acertada reedición en vinilo a cargo del sello zaragozano You are the Cosmos.    

Nota: Puedes adquirir una copia del disco en la web de You are the Cosmos

Fallece Keith Gemmell de los Noblemen y Audience, entre otros

Keith Gemmell
Keith Gemmell  nació en Hackney (Londres) el 15 de febrero de 1948 y falleció a consecuencia del cáncer el 24 de julio de 2016. Saxofonista, clarinetista, y flautista fue miembro de la banda de art rock y rock progresivo, Audience de 1969 a 1972, y después desde 2004 hasta la actualidad. Antes, entre 1965 y 1966,  había tocado en el grupo de R&B y garage, The Noblemen y el combo de soul, The Lloyd Alexander Blues Band. También fue arreglista y compositor publicando tratados sobre música digital, estuvo en los Sammy, Stackridge, la Pasadena Roof Orchestra, y sacó  también discos a su nombre.

The Noblemen, segundo por la derecha


A los 13 años empezó a tocar la flauta de la que pasó al clarinete y luego al saxo tras oír a bandas como Georgie Fame and the Blue Flames, Sounds Incorporated y The Mar-Keys. A los 17 años se convirtió en profesional tocando con The Noblemen, banda de R&B y garage formada con Chuck Fryers, Mick Ketley, Bryan Stevens, Bernie Smith, y Jem Field, desde agosto de 1965 a mayo de 1966. Tocó con ellos en una gira por Europa y a la vuelta se enroló con la banda de soul de Hackney, The Lloyd Alexander Blues Band. Con el tiempo se convirtieron en los Audience, grupo de art rock y progresivo. 

Audience
Los Audience se formaron en 1969 con saxo, clarinet y flauta, guitarra acústica, batería y bajo sin guitarra eléctrica solista. Los solos los realizaba Gemmell con varios efectos de eco y wah wah.  La primera formación contaba con Howard Werth, guitarra acústica y voz, el difunto Keith Gemmell,  Trevor Williams al bajo y  Tony Connor a la batería. Grabaron los discos “Audience” (1969), “Friend's Friend's Friend” (1970), “The House on the Hill” (1971), y “Lunch” (1972).  Gemmell dejó el grupo ese año y al poco se separaron. 

Sammy
Tras Audience, Gemmell se unió a Mick Underwood, Geoff Sharkey, Paul Simmons y Mick Hodgkinson para formar Sammy. Sacaron un único disco producido por Ian Gillan (Deep Purple). Después se unió a la banda de Roy Young y con el trompetista de Georgie Fame,  Eddie Thornton, grabaron unas sesiones de reggae con Rico Rodriguez. Pasó por los Stackridge a mediados de los setenta y grabó con ellos los discos “Extravaganza” y “Mr. Mick”. 

Durante los ochenta se dedicó a estudiar clarinete, tocó con la Pasadena Roof Orchestra de 1983 a 1997, y escribió muchos arreglos. Tras esa época se volcó en la confección de tratados sobre la tecnología en la música, en especial sobre el Cubase, una serie de aplicaciones informáticas para editar audio digital, MIDI y un secuenciador de música. Volvió a formar parte de los Audience a su vuelta en 2004 con Howard Werth, y Trevor Williams más John Fisher. Durante ese periodo Gemmell sacó dos discos en solitario “The Windhover”, inspirado en un poema de Gerard Manley Hopkins, y “Unsafe Sax”, un tributo a las raíces sixties del soul. John Fisher murió de cáncer el 27 de septiembre de  2008, y fue substituido por el baterista Simon Jeffrey. Por su parte Williams forma parte también de los Blue Pulse.

Documentos sonoros: 


"Heaven was a island", del primer disco de los Audience de 1969. 



 "Lady Rover" (1972) de los Sammy



Muere Sandy Pearlman, productor de la Blue Öyster Cult, los Clash o los Dictators

Sandy Pearlman 
Samuel  C. “Sandy” Pearlman nació el  8 de agosto de 1943 en Rockaway, Nueva York, y falleció el 26 de julio de 2016 en Marin County, California. Productor musical, letrista, periodista de rock, escritor, poeta, mánager, docente, ejecutivo discográfico, colaboró con la Blue Öyster Cult a la que produjo varios discos en los setenta y ochenta, así como el “Give 'Em Enough Rope” (1978) de los Clashs, entre otros trabajos de los Dictators, Mahavishnu Orchestra,  Pavlov's Dog, Space Team Electra o Dream Syndicate. Durante su carrera participó en la grabación de 17 discos de oro y platino.  


Sandy con los Clash 


Se graduó en la Universidad de Stony Brook en 1966, colaboró con la revista de rock Crawdaddy!, escribiendo críticas musicales. Por otra parte fue dando forma a varias poesías que fueron interpretadas por un grupo llamado Soft White Underbelly ( extraido de un discurso en  la Segunda Guerra Mundial de Winston Churchill) que con el tiempo cambió su nombre por el de Blue Öyster Cult. De 1967 a 1995 fue mánager de la banda con Murray Krugman. Por otra parte colaboró en la producción de varios de sus discos como “ Blue Öyster Cult” (1972),  “Tyranny and Mutation” (1973), “Secret Treaties” (1974), “On Your Feet or on Your Knees” (1975), “Agents of Fortune” (1976), “Spectres” (1977), “Some Enchanted Evening” (1978), “Club Ninja” (1985),  e “Imaginos” (1988).


Sandy Pearlman 
En 1973 produjo el “Between Nothingness and Eternity” de la  Mahavishnu Orchestra, y en 1975, el disco de Pavlov's Dog,  “Pampered Menial” y el de los Dictators, "Go Girl Crazy!”.  Al año siguiente colaboró con Pavlov's Dog en su “At the Sound of the Bell” y en el “Manifest Destiny” de los Dictators así como en su disco de 1978, “Bloodbrothers”.  Ese año produjo el “Give 'Em Enough Rope” de los Clash. De 1979 a 1983 colaboró con los Black Sabbath,  y en los ochenta estuvo al mando del Studio C de los Automatt Studios de San Francisco,  y fue el precursor de las giras por estadios de varios grupos que comparten gastos.   Ya en los ochenta produjo el disco de Shakin' Street  (1980), el de los  Dream Syndicate, “Medicine Show” (1984) y en los noventa el  álbum de Cosmic Free Way, “Red Flowers” (1998).  A finales de los ochenta dirigió los alternativos 415 Records de donde salieron discos de Love Club, Manitoba's Wild Kingdom , y World Entertainment War. Ya en los noventa creó una empresa de descargas de música llamada emusic.com.  También fue un distinguido profesor de teoría musical, grabación y tecnología, impartiendo clases en varias universidades como la de Harvard. 

Documentos sonoros: 

"Don't fear the reaper" (1976) de la Blue Öyster Band, producida por Sandy Pearlman.
  

"Safe European Home" (1978), tema de los Clash producido por Sandy Pearlman. 


lunes, 25 de julio de 2016

Andy Reed, melodías de power pop de ensueño a cargo de un genial “American Underdog”

Portada
El sello zaragozano  You Are The Cosmos ha editado este 2016, dentro de su espectacular catálogo de power pop, el disco “An Introducing To Andy Reed”, con once de las más destacadas canciones de este cantante, guitarrista y compositor de Michigan, quien en los últimos años ha liderado proyectos en  solitario, ya sea a su nombre o bajo el seudónimo de An American Underdog, al tiempo que forma parte de los Legal Matters, trío de Detroit. El disco recopilatorio incluye temas de 2008 a 2015, nueve originales y dos versiones, compuestas e interpretadas por Reed ayudado por varios bateristas y guitarristas. Canciones maravillosas en las que sobresale el genio espectacular de este portentoso creador capaz de crear melodías de ensueño entre arreglos cristalinos con los que genera un arrebatador mundo de pop poderoso con un encanto ciertamente único.      

Trayectoria 

Andy Reed
Andy Reed es un cantante, compositor, guitarrista y bajista, más productor e ingeniero de sonido, originario de  Bay City, Michigan. Forma parte también de la banda de Detroit, The Legal Matters, nombre que deriva de la canción de los Who de 1965,  con los también guitarristas y vocalistas Chris Richards y Keith Klingensmith quienes formaron parte de Hippodrome y The Phenomenal Cats. El primero creó Chris Richards & the Subtractions y el segundo dirige el sello Futureman Records donde los Legal Matters grabaron un disco de título homónimo en 2014, en el que contaron con la colaboración de  Cody Marecek  a la batería y Nick Piunti a la guitarra.  Empezaron grabando en el estudio de Andy, Reed Recording Company, versiones y demos con las que congeniaron para dar forma a su destacado proyecto. A finales de este verano de 2016 tienen previsto sacar un nuevo disco llamado “Conrad”.  


Andy Reed en su estudio
Andy grabó en 2006 un Ep con el título de “The Great Compression E​.​P.”, al que siguió el álbum “Fast Forward” (2008). En 2011 sacó un disco como An American Underdog llamado “Always On the Run” para el sello Pop Factory Records, donde también se editó en 2013 un Split con  Brandon Schott.  Ya en 2013 recopiló sus canciones de los últimos quince años bajo el título  de “Oddities & Entities”. Le siguió el Ep “Relay Vol. 1”,  con canciones nuevas en solitario, con el que también se anunciaban futuros lanzamientos en este formato.   Otro de su proyectos es una banda con Mike Viola (Candy Butchers), Steve Eggers (The Nines), y el baterista Donny Brown.
Foto: Avrem Golden 


Los temas del recopilatorio de You Are The Cosmos fueron grabados, producidos, mezclados y masterizados por Andy Reed en su mencionado estudio de Reed Recording Company. La foto de portada, con Andy como protagonista apoyado en la pared de un callejón, es de Avrem Golden. Contó con la colaboración de los bateristas Donny Brown, también a los teclados, quien formó parte de The Verve Pipe, así como de los percusionistas John Fossum y  Cody Marecek, más  los guitarristas Scott Vandell,  Joe Sullivan, Brandon Heath, y Shawn MacDonald; Brandon Schott al mellotrón; Randall Sly al piano; Kay Rinker-Oneil a la flauta; y Sean Drysdale, Jay Glysz, Shawn MacDonald, más Aaron Cianek a los coros.    

Las canciones

Portada Relay Vol. 1
Las canciones que se incluyen en este disco son, por orden, “Thunder Island”,  fascinante versión del tema de Jay Ferguson, editado originalmente en 1978, que Andy incluyó con el nombre de An American Underdog” en el recopilatorio con otros artistas llamado “Drink A Toast To Innocence - A Tribute To Lite Rock” (2013). Le sigue la relajada y cariñosa “Dreaming of the West Coast”  de su más reciente Ep llamado “From Relay Vol. 1” (2015) del que también se incluye el envolvente y tierno tema  “Love is Gone” más “The Criminal”, con toque sereno de acústica y detalles de casi bossa nova con teclados más flauta,  canción de 2008 grabada para su disco “Fast Forward”. Se cierra la cara con la brillante  “World of Make Believe”, con rítmica firme,  del disco de Andy “Always On The Run” (2011).

Portada Always on the run
Ya en la cara B nos ofrece “Your Reign is Over” del mencionado “Always On The Run”, excelente combinado melódico y rítmico que levanta el ánimo, al que le sigue “The Show Goes”, tema envolvente, muy sentido, y reflexivo, con detalles de popsike, incluido en “Oddities and Entities” (2013). Después nos sorprende con una gran versión del “Crimes of Paris”, tema del año 1986 de Elvis Costello, que Andy incluyó en el recopilatorio, con otros, de “Beyond Belief: A tribute to Elvis Costello” (2013). A continuación podemos oír “Novacaine” del disco “Fast Forward”, otra canción de adorable intimismo, con maravillosa voz; más  “Always on the Run” del disco del mismo nombre, con arreglos gentiles y juguetones, entre  riffs poderosos, para finalizar con “Waves” de “Relay Vol. 1”, canción que culmina con cariñosos y delicados momentos vocales, detalles de piano, acústica y la entrada triunfal final de eléctrica más grandiosos efectos sonoros.      

Reflexión Final

The Legal Matters con Andy al centro
Supongo que a estas alturas, tras más de quince años de canciones excelentes como las que forman parte de este recopilatorio, sin que lamentablemente aparezcan destacadas en las listas de los mass media del mundo, podemos considerar a Andy Reed como uno de esos músicos supervivientes que, pese a todos los inconvenientes y dificultades acontecidas en su trayectoria, se mantiene firme al frente de un proyecto artístico gracias al ánimo que proporciona tener las ideas muy claras, sl tiempo que forma parte de combos no menos interesantes como los mencionados Legal Matters.

Algunos, los más optimistas, pensarán que es cuestión de paciencia, que tarde o temprano, el negocio discográfico se dará cuenta de que se trata de un gran músico y, por tanto, las emisoras de pop de todo el mundo radiarán insistentemente sus canciones para que legiones de seguidores compren sus discos.  Ojalá fuera así pero permítanme dudarlo. Estoy más bien seguro de que continuaremos siendo más bien unos pocos los que admiremos su magnífica obra.


Andy Reed en su estudio
Con o sin utopía de masas conmovidas por su trabajo, vaya por delante nuestro agradecimiento a la valiente discográfica You Are The Cosmos que nos ha permitido conocer su talento y disfrutar de sus encantos melódicos y rítmicos.  Puede que su música no suene en las radio fórmula, y difícilmente lo escucharás en la mayoría de locales nocturnos, pero te aseguro que cada vez que pongas en tu tocadiscos este álbum introductorio a cargo de este genial “American Underdog”, emergerá una música conmovedora, bien hecha, con el gancho más que notable como para cautivarte ya sea a nivel compositivo como interpretativo.   Así que, si me lo permites querido lector o lectora, es cuestión de que, si te gusta el powerpop o las buenas canciones de forma genérica, adquieras una copia de tan sensacional recopilatorio para empaparte de su inolvidable y particular microuniverso sonoro. No te arrepentirás.  

Nota: Puedes escuchar las canciones en el bandcamp y también comprar una copia del vinilo en la web de You are the Cosmos.

viernes, 22 de julio de 2016

Muere Lewie Steinberg de los M.G.’s

Lewis "Lewie" Steinberg nació en Memphis, Tennessee el 13 de septiembre de 1933 donde  falleció el 21 de Julio de 2016. Fue el bajista original del gran grupo de soul  Booker T. & the M.G.'s. ("Memphis Group"). Steinberg formó parte de la banda de 1962 hasta 1965. Formó parte de los Triumphs, precursores de los MG's con los que grabó el éxito  "Green Onions" así como el primer álbum de la banda más el segundo “Soul Dressing” en 1965. Después dejó el grupo y fue substituido por Donald "Duck" Dunn. Fue incluido, con el resto de la banda, en el salón de la Fama del Rock and Roll en 1992 y recibió un Grammy por su trayectoria en 2007.  No solo acompañaron en temas esenciales como “Soul Man”, “I’ve Been Loving You Too Long”, “Hold On, I’m Comming” o “Try a Little Tenderness”, sino que grabaron grandes éxitos a su nombre como  “Hip Hug-her”, “Groovin”, “Soul Limbo”, o “Time is  Tight”.   

Booker T. and The MG's
Steinberg formó parte de los Triumphs con Chips Moman (guitarra), Howard “Bulldog” Grimes, (batería) y Marvell Thomas (teclados). La banda, precursora de los MG’s grabó algunos singles desde principios de los sesenta con temas como “Burnt Biscuits” (1961), “Big Dog” (1963), o “Walkin' The Duck” (1966). 

Booker T. Jones comenzó a trabajar en la Stax Records, en Memphis, como saxofonista, en el año 1960. En 1962 se creó la Booker T. & the MGs como banda de la casa con Booker al órgano y piano, Steve Cropper (guitarra), Lewie Steinberg (bajo) y Al Jackson, Jr (batería). Donald "Duck" Dunn, quien había formado parte con Cropper de los Mar-Keys, reemplazó a Steinberg al bajo en 1965. Tras morir Al Jackson Jr. en 1975, pasaron por la banda los bateristas Willie Hall, Anton Fig, Steve Jordan y Steve Potts en diversas etapas.



Booker. T. and The MGS
A principios de los sesenta la banda acompañó a Carla Thomas en “Gee Whiz” y a su padre, Rufus Thomas  en “Walking the dog”.  Booker T.  También colaboraron con Otis Redding, Sam and Dave y Wilson Pickett en temas como “Soul Man”, “I’ve Been Loving You Too Long”, “Hold On, I’m Comming” o “Try a Little Tenderness”. Jones trabajó con el productor William Bell y co-compuso el blues clásico “Born Under a Bad Sign”. Cropper supervisó las grabaciones de Otis Redding y co compuso hits de Wilson Pickett como “In the Midnight Hour”, Eddie Floyd, “Knock on Wood”, y Otis Redding, “Dock of the Bay”. Al Jackson produjo al guitarrista de blues “Albert King”.
Booker T. and The MGs
Por sí misma, la banda tuvo hits como “Hip Hug-her”, “Groovin”, “Soul Limbo”, o “Time is  Tight”. En 1967 respaldaron en un tour por la Gran Bretaña a Otis Redding, Sam and Dave, Eddie Floyd, Carla Thomas y otros, y formaron parte de la banda de Otis Redding en el International Pop Festival, en Monterey, en Junio de 1967 .

En 1972 cerraron su etapa con la Stax. Jones se trasladó a California donde le contrataron como productor. Grabó tres álbumes con su esposa, Priscilla Coolidge, y el álbum “Evergreen” en 1974. Cropper continuó produciendo por la Stax hasta 1975. El grupo planeaba uno reunión cuando Al Jackson falleció en su casa tiroteado por un ladrón el 1 de octubre de 1975.


Booker T. and The MG's
La banda volvió con Willie Hall a la batería y Jones siguió grabando discos como “Try And Love Again” (1978), “The Best of You” (1980), “I Want You” (1981), o “Runaway” (1989). Cropper y Dunn grabaron con otros artistas como RCO All-Stars, acompañaron a los Blues Brothers, en tours y grabaciones, como también en la película de mismo nombre, de 1980. En 1988 la banda se reunió con el baterista Anton Fig para tocar en el 40 aniversario de la Atlantic Records en el Madison Square Garden, y continuaron tocando por algunos años más como Booker T. & the MGs. En 1992 formó parte de la banda el baterista Jim Keltner y en 1994 Jones, Cropper y Dunn grabaron el primer álbum en 17 años, llamado de "That's the Way it Should be", con bateristas invitados.  Cropper y Dunn se unieron por la última vez a la Blues Brothers Band, en 1998, para grabar la película “Blues Brothers 2000”.  Colaboraron con Neil Young, siguieron con el batería Steve Potts y el 13 de mayo de 2012, Dunn murió durante una gira por el Japón.  

Documento sonoro: 

The Triumps y “Burnt Biscuits” (1961) 



"Green Onions", de Booker T. and The MG's (1962). 


miércoles, 20 de julio de 2016

Fallece el pianista de jazz, Claude Williamson

Claude Williamson
Claude Berkeley Williamson nació el 18 de noviembre de 1926 en Brattleboro, Vermont y falleció el 16 de julio de 2016.  Pianista de jazz, fue una figura destaca del sonido de costa oeste durante los cincuenta. Formó un trío y fue un destacado músico de estudio. A mediados de los sesenta se alejó de los escenarios y volvería a grabar a finales de los setenta. Grabó para Capitol (1954-1955), Bethlehem, Criterion, Contract (1961-1962), Sea Breeze (1977), Interplay, Discovery, los catalanes Fresh Sound, y varios sellos japoneses.  

Hijo de un baterista director de una big band y hermano del trompetista Stu Williamson, estudió piano clásico desde los siete años. Empezó tocando en la banda de su padre y se diplomó en el Conservatorio de Boston.  En 1947 se trasladó a Hollywood donde le contrataría  la orquesta de Charlie Barnet. En esa época también colabora con Red Norvo y acompaña a la cantante June Christy hasta el año 1952.

Tras el servicio militar, se enrola con la  banda de Howard Rumsey, donde sustituiría a Russ Freeman. También formaría parte de la big band de Les Brown y grabaría con gran parte de lo mejorcito de la Costa Oeste, como Conte Candoli, Frank Rosolino, Bud Shank, el mencionado o Rumsey, Art Pepper, Barney Kessel o Tal Farlow, entre otros.

Ya en 1954 saca su primer disco en colaboración con Stan Kenton, y desde entonces mantiene su propio trio hasta mediados de los sesenta cuando se aleja de la escena.  Granaría un álbum en 1956 llamado "Round Midnight". A partir de 1977 volvería a grabar con Sam Jones, Roy Haines o en solitario discos como "Holography", "New Departure", o "La Fiesta". En el año 1995 el sello barcelonés Fresh Sound Records sacó varias de sus grabaciones.


Entre sus mejores colaboraciones destacan el disco de Chet Baker, “Witch Doctor” (1953) o su “Theme Music from "The James Dean Story" (1956) con Bud Shank; con With Maynard Ferguson, “Jam Session featuring Maynard Ferguson” (1954); con Stan Kenton, “Stan Kenton Conducts the Los Angeles Neophonic Orchestra (1965); con With Barney Kessel, “Kessel Plays Standards” (1954) o “Music to Listen to Barney Kessel By” (1956); con Gerry Mulligan y Johnny Hodges, “Gerry Mulligan Meets Johnny Hodges” (1959); con Dizzy Reece y Ted Curson, “Blowin' Away” (1978); y con Bud Shank, “Strings & Trombones” (1954-55), “Jazz at Cal-Tech” ( 1956) con Bob Cooper, “The Bud Shank Quartet” (1956), “Bud Shank Quartet Featuring Claude Williamson” (1956), “Bud Shank Plays Tenor” (1957), “Blowin' Country” (1958) con Bob Cooper; y “I'll Take Romance” (1958).

Documento sonoro: 

"Hippy" de su álbum "Round Midnight" (1956). 



“El Camino Real 101”, vía histórica y fascinante de los Deadbeat Poets por gentileza de You are the Cosmos

El Camino Real fue la vía histórica de comunicación terrestre de 600 millas (966 kilómetros) que unía las misiones de la Baja y la Alta California, fundadas entre 1683 y 1834.  En la actualidad forma parte de la red de carreteras de México y los Estados Unidos. Algunos de sus tramos se corresponden con la ruta 101, que recorre tierras californianas, una de las más largas de Norteamérica, de  808 millas (1.300 km), una de las últimas rutas federales que quedan establecidas en 1926.  Deadbeat Poets son una banda de Ohio, herederos de los legendarios Blue Ash, entre otros combos memorables,  formada por grandes músicos cuyas trayectorias discurren por los caminos del mejor powerpop a nivel internacional de todos los tiempos. El sello zaragozano You are the cosmos, empeñado en mantener un catálogo fascinante de grupos que en su momento no obtuvieron la repercusión que bien merecían y la historia ha demostrado que fueron y siguen siendo indispensables, ha recopilado en un disco algunas de sus mejores canciones con el título genérico que aúna una vía de origen español con otra de yanqui.  El resultado es un viaje imaginario por una larga carretera sonando en el radiocasete del descapotable doce magníficas canciones de pop poderoso, dos de ellas nuevas más una inédita.    

Trayectoria

John Koury, Pete Drivere , Terry Hartman y Frank Secich
Los Deadbeat Poets son un grupo de músicos veteranos de Youngstown/Cleveland (Ohio). Ellos son  Frank Secich al bajo y guitarra acústica, el guitarrista Pete Drivere, el cantante y armonicista Terry Hartman, con el que se formó, el baterista John Koury, más el bajista John T. Hlumyk recién incorporado al proyecto, 

Nacido el 14 de junio de 1951 en Sharon (Pensilvania), Frank Secich es todo un mito viviente del powerpop. Empezó a formar parte de la leyenda del rock and roll a mediados de los sesenta con bandas como The Electrons que se convertiría en The City Jail en el año 1966. Entre 1967 y 1968 formaría parte de The Great Ibiscus y Mother Goose Band, y en 1969 montaría, con el guitarrista Jim Kendorzy,  los Blue Ash, grupo activo hasta el año 1979 y reformado en 2004. Completaría la banda Bill “Goog” Yendrek como guitarrista y David Evans a la batería.  Sacaron discos esenciales como “No More, no Less” (1973).

Cuando los Dead Boys se separaron a finales del año 1978, Stiv Bators y Frank Secich, que ya se conocían desde los sesenta, empezaron a componer y grabar temas. Greg Shaw les fichó para Bomp Records.  En 1979 la banda estaba formada por Stiv Bators, Johnny Blitz, Cheetah Chrome y Jimmy Zero. Secich entró en lugar de Jeff Magnum. George Cabaniss substituyó a Cheetah y Blitz fue reemplazado por David Quinton Steinberg.  Stiv, George, David y Frank grabaron el fantástico “Disconnected” (1980).  Frank también grabó con Stiv Bators entre 1979 y 1980 las canciones del disco recopilatorio “The Lord And The New Creatures” (1983).

Tras ese proyecto, vino el grupo  Club Wow creado por Frank con Jimmy Zero, Jeff West de los Testors, más Billy Sullivan, quien había formado parte de una reunión de los Raspberries así como con los Herman´s Hermits. Solo sacaron un single “Prettiest Girl” entre los años 1982 y 1985. Después, Frank colaboró con The Infidels hasta 1990.  Tras fallecer Greg Shaw en octubre de 2004, Patrick Boiselle y Suzy Shaw del sello Bomp le proponen crear una banda para grabar un tributo musical a Shaw. Reúne a los músicos de Ohio, Pete Drivere y John Koury de The Infields, más Dave Swanson de Rainy Day Saints, David “Quinton” Steinberg y George Cabaniss de la “Disconnected” banda, Jimmy Zero de los Dead Boys, Billy Sullivan de Club Wow y de la banda de reunión de los Raspberries, y Bill “Cupid” Bartolin de Blue Ash.  Realizaron un disco de versiones de temas que le gustaban a Greg y que, con un libro, se llamó “He Put The Bomp!”.

Single de Kotj
Ya en 2006 empezaron a rodar los Deadbeat Poets con su amigo Terry Hartman de las bandas de Cleveland: The Backdoor Men, Napoleon In Rags, y Terry and The Tornados (guitarra rítmica, voz) más los mencionados John Koury (batería, Infidels, Slackjaw), y Pete Drivere (guitarra solista, voces, Infidels, Pretty Demons). También se incorporaróa al proyecto otro Infidels, John Hlumyk. Ficharon con Pop Detective Records.  Desde entonces han editado seis discos “Notes From The Underground” (2007); “Circus town” (2010); “Youngstown Vortex Sutra” (2011); “A Deadbeat Christmas” (2011); “American Stroboscope” (2012); y “Hallelujah Anyway” (2014). Secich tambien ha escrito un audio libro autobiográfico llamado "Circumstancial Evidence" editado este 2015 por High Voltage Publishing y Zero Hour records.

Contraportada Camino Real 101
En 2015 KOTJ les saca un single con tres temas que te reseñamos en el Magic Pop (+ info). Por otra parte, el sello You are the Cosmos tiene editado un Ep (2014) más un recopilatorio de los Blues Ash con el título de “Hearts and Arrows” del que también te hablamos en este blog (+ info).   

Las canciones de “El Camino Real 101” contaron con la colaboración de Chris Leonardi al órgano, clave, piano y mellotrón, Kyle O’Donnell a la trompeta, Dj Colella al trombón, y Brian Wingrove al piano, clavicémbalo y órgano en el tema “A dark-haired girl in Piccadilly circus”. Producido por Pete Drivere en los estudios Ampreon de Youngstown, (Ohio) contó con la producción ejecutiva de Bob Kierer. La portada con la banda circulando en un descapotable, es un dibujo de Victor Gomollón, artista y editor.  En la contraportada, cada canción está unida a una foto de los hoteles, restaurantes y gasolineras incluidos en una guía turística llamada “The Negro Traveler’s Green Book” editada por Victor H. Green de 1936 a 1964, destinada a los afroamericanos  para informarles de aquellos  lugares donde serían aceptados durante la cruenta segregación racial en los Estados Unidos. 
     
Las canciones

Deadbeat Poets. Foto de su facebook  
El recopilatorio empieza con la primera de las dos canciones nuevas: “It’s summertime”, brillante de tema de pop con poderío melódico, a la que sigue la tierna “Jennyburg Hill”, con algunos momentos ácidos a cargo de la guitarra, incluida en su álbum de 2012 “American Stroboscope”. De ese disco también se incluye la genial “Christmatime in Painesville”, con su precioso riff principal y su entusiasmo sonoro, momento de armónica y solo ácido de eléctrica, con la que se abre la no menos portentosa cara B. Siguiendo el orden de la cara A nos ofrecen otro tema nuevo “I’ll Be Standing By”, conmovedor corte de frágil encanto,  más un tema del álbum “Circus Town” (2010) titulado “The Staircase Stomp!” con ese pop intenso que se crece sobre una rítmica persistente y sutil solo de teclados. Le sigue “Getting Over You”, genial corte de folk pop con detalles country, del disco “Hallelujah Anyway” (2014), para cerrar con “I Thought I Knew You” de “Circus Town” en el que emerge con claridad el trance del beat al powerpop tras discurrir por los caminos de la psicodélica.  

Deadbeat Poets. Tony Photo. 
En la cara B, encontramos también tres temas más de “Hallelujah Anyway” como son “A dark-haired girl in Piccadilly Circus”, canción que te suma en una paz indescriptible con su cariñoso acompañamiento de clave y ritmo pausado; “Falling Without Annette” inmersa en su devenir acústico que nos arropa con secuencias sublimes;  y “There ain’t no one but you” con la que logran estremecerme mediante ese paso seguro de auténtico rock and roll americano. Intercalan un corte de “Circus Town”, llamado “Elvis Dabney Professional Thief” trenzado mediante una descarga de fabulosa psicodelia de costa oeste con aportación de órgano, y cierran con un tema inédito llamado “The Concrete Cows of Milton Keynes! en el que suman todas sus excelencias, que no son pocas, para procurarte un estado de satisfacción plena, con ese pop poderoso que hereda lo mejor de los más grandes y aporta otras excelencias para ocupar un lugar merecido en el olimpo de los maestros.     

Reflexión final


Hlumyk, Drivere, Koury, y Secich. Foto: J.A Areta Goñi (Juxe). 
“El Camino Real 101”, que nos ofrece You are The Cosmos con algunas de las mejores canciones de los Deadbeat Poets, es un merecido homenaje a una banda genial cuyo pasado, remoto e inmediato, debería figurar en las enciclopedias del mejor pop de todos los tiempos. Sin tapujos que valgan, esta selección tan exquisita es una muestra irrefutable de que esta banda norteamericana, imperdonablemente sumida en un discreto segundo plano y eso siendo generosos, puede presumir de una fructífera trayectoria al tiempo que pone de manifiesto una evidencia demostrable con sus nuevas canciones: sus responsables atesoran una ingente imaginación y fehaciente vitalidad para seguir creando magníficos temas de powerpop  en los que esas melodías originales, tan sorprendentes, se nutren de ritmos prodigiosos con los que dan vida a temas que insuflan una emoción indescriptible.  Una creatividad y entrega que pudieron comprobar los afortunados que les vieron en directo en la reciente gira por el estado español en junio de 2016. Por todo ello, tan solo me queda esperar que este generoso impulso conseguido en muestro país, donde de nuevo se une la vía norteamericana con la hispana, les sirva para seguir adelante agasajándonos con sus brillantes canciones mediante otros tantos trabajos nuevos que esperamos con impaciencia mientras disfrutamos de este sensacional recopilatorio.   

Nota: Puedes adquirir una copia del disco en la web de You are the cosmos.    

Te invitamos a ver y oír este vídeoclip con su nuevo tema "It's summertime" incluido en este disco recopilatorio,