jueves, 29 de diciembre de 2011

Martin & The Julians, revolución modernista con "Margaret, Garland and Monk"

Martin & The Julians han editado recientemente un Ep con cuatro excelentes canciones bajo el título genérico de una de ellas, ‘Margaret, Garland and Monk’. Se trata de un disco en el que nos hablan, como ellos dicen, sobre “el mundo de ahora”. Editado en vinilo y Cd por United for Utility, con la impactante portada de un joven rodeado de alambradas, se suma al repertorio conceptual de estos granadinos que se mantienen fieles a unos principios de “working class” creados a base de riffs contagiosos y letras reivindicativas.

La primera vez que oí al grupo Martin (después Martin & The Julians), allá por 2007, supe de inmediato que su música era el combustible ideal para satisfacer las inquietudes de cualquier amante de la independencia y la acción. Este grupo granadino es uno de los exponentes musicales contemporáneos que podríamos considerar, como mínimo, afines al movimiento modernista tanto por su actitud como por sus referentes. Su contagiosa y convincente capacidad rítmica y melódica es ideal para reforzar unos versos afilados que nos hablan del presente, de sus inconvenientes, de las injusticias sociales pero también del orgullo individualista por mantener la cara bien alta y posicionarse frente a la indeseable alienación cultural.

Cuatro años después de su debut discográfico, siguen procurándome la emoción necesaria para mantenerme fiel a sus parámetros artísticos que vienen implementando con nuevas canciones extraordinarias. Martin empezó siendo un proyecto arriesgado de dos músicos Chema y Chilín, ambos procedentes de los ya desaparecidos Dayfriends, acompañados de algunos colaboradores como Carlos, Pruden, y Jimmy. Con ellos grabaron su primer álbum, bajo el título de “La Vida en General” que se editó en 2007 de la mano de la discográfica El Ejército Rojo. Destacó por un sonido procurado con destreza por esas guitarras Rickenbacker de 6 y 12 cuerdas, a las que añadieron toques de farfisa y sintetizadores. Una base sólida, con influencias del revival mod y el punk de finales de los setenta, a la que añadieron la voz de ambos hablándonos de temas como “el anarquismo y el movimiento de la clase trabajadora” pero también “de un día normal”. Mencionado en revistas especializadas de prestigio, ese álbum causó gran sensación a nivel nacional y les abrió las puertas de algunos importantes escenarios.

Dos años después, Martin engrandecía su proyecto artístico con los Julians, una banda de acompañamiento en la que figuraban, ya a la batería, Jesús más una sección de metal formada por Fernando, Enrique y Ángel, y unos teclados a cargo de Vanesa Spin de los Teenagers. Grabaron en el año 2009 un segundo álbum con el título de “Es lunes al fin”, en esta ocasión con la discográfica “United for Utility”. Se trata de un disco en el que inciden, una vez más, en la realidad cotidiana con una impactante percepción existencialista de la vida, mediante temas tan potentes como sugerentes, cargados de actitud y propios de ese “ambiente proletario de pub” como ellos mismos lo definen.

A finales de 2011, y en la misma discográfica, ve la luz este Ep que contiene cuatro temas grabados, de nuevo con las míticas Rickenbacker como principal pilar instrumental a cargo de Chema a las guitarras y Chilín al bajo más Jesús a la batería. Fue concebido en los Pig Studios con Jesús G. Roldán, y Javi P.P.M. a la producción más el master a cargo de Chris von Sneidern. Este disco se inicia, en su cara A, con el espléndido tema ‘La Semana del viernes’. Una canción en la que el grupo reafirma su estilo tan característico mediante esas guitarras tremendamente melódicas, empujadas con descaro punk por una rítmica frenética, que consiguen adentrarte en un ambiente altamente expresivo y sobre todo enérgico. Música “anfetamínica” ideal para explicar grandes historias personales mediante situaciones delimitadas con las siguientes palabras: “odio y miedo en cada paso que das, te dicen: no hay trabajo para ti”, y otras como: “Lo que buscas, no lo vas a encontrar en los libros que aprendiste en la escuela”. Le sigue el tema “Botas de Goma”, una canción inspirada por el “Maybe Tomorrow” de los Chords, el “Time for action” de los Secret Affair y el “Little boy Soldiers” de los Jam. Tres legendarios referentes para construir una acción original mediante otros tres ejes narrativos alrededor de la “ciudad”, la “autopista” y “mirando el barco que van a hundir”.

La cara B se abre con el tema que da nombre al disco, “Margaret, Garland and Monk”. En este corte, nos relatan la auténtica ausencia de posibilidades en la vida real pero también nos recuerdan que, aunque nuestra concepción sea la de un observador sentado en la ventana, “piensa por ti mismo” porque al fin y al cabo “formas parte de lo que das”. Tras este tema tan convincente y rabioso, nos ofrecen una estupenda versión del conocido “Tommy Gun” de los Clash con letra adaptada por Chilín a modo de réplica al mismo Joe Strummer, y a su microuniverso de lucha personal a favor del sandinismo o el pacifismo. Una adaptación sorprendente, sin contemplaciones que valgan, en el que no falta hasta un grito por una “Andalucía Libre”. Martin nos hablan de un Tommy Gun, en realidad un Joe Strummer convencido que el mundo le ha marginado para acabar olvidando a los de su clase.

Sin duda, las canciones de Martin & The Julians recuperan los esquemas sonoros y rítmicos del punk y mod revival, hasta el folk más virulento, de finales de los setenta pero a su vez consiguen dimensionarlas con su buen criterio y un estilo tan propio como sumamente original. Su forma de tocar, componer, reivindicar, denunciar e incluso de presentarse en sociedad, les hace ser tan especiales como únicos en el panorama actual. Si escuchas su música te cerciorarás de inmediato que estos Martin & The Julians reviven a los Jam, a los Dexy’s Midnight Runners, o a Billy Bragg con imaginación y sobrada actitud, y nos ofrecen su legado de “working class” de forma impecable y convincente. Y lo consiguen en el momento preciso en el que la inteligencia corre peligro de angostarse entre la depresión social y la crisis económica. Precisamente por ese riesgo tan acuciante, su música es tan necesaria en estos tiempos que corren de angustia personal y colectiva. Sus propuestas musicales son elegantes, divertidas pero también reivindicativas, y comportan un claro compromiso con esa realidad social más justa a la que todos y todas aspiramos para ser más felices y libres.

Para adquirir una copia de este imprescindible Ep, puedes acceder a http://www.martinfanclub.com/

domingo, 18 de diciembre de 2011

Sonido Alfredo presentan su segundo Lp de tropicalismo punk asturiano

Portada
Sonido Alfredo son un trío de músicos con todas sus posibilidades artísticas escrupulosamente estructuradas para manifestarse en todo su esplendor en cada una de sus canciones. Quiero decir con ello que son una banda donde los tres instrumentistas tienen un papel asignado y bien trabajado dentro del resultado conjunto. De este modo, tanto la batería como el bajo como la guitarra adquieren su protagonismo en cada una de las 10 canciones que conforman este sorprendente segundo Lp editado en 2011 por Discos Humeantes.

Los tres músicos de Sonido Alfredo proceden del valle asturiano de Alto-Aller y actualmente residen en Oviedo. Con el objetivo de perseguir un proyecto musical sin demasiadas pretensiones más allá de pasar un buen rato, en 2005 se unieron el baterista Pablo Muñiz Pérez con Ángel Herrero Tejón, bajista que había pasado a la guitarra, a los que pronto se añadiría el hermano de Ángel, Ignacio Herrero para hacerse cargo de las cuatro cuerdas. Nacía el Sonido Alfredo como seña de identidad de estos tres músicos dispuestos a aportar al mundo del rock and roll un estilo propio bien definido con unas influencias “garage” y toques “punk” pero con la inquietud de ir más allá del revival y en especial de los cuatro acordes más que previsibles. Primero fue una maqueta y al año, en 2007, entran en los estudios de Circo Perrotti donde graban nueve temas que se recogen en un CD. Más tarde añaden cuatro temas más, con Mike Mariconda y Jorge Explosión a la producción, y en 2008 sacan un primer Lp con el título de “Sonío Fredo”, en el que destaca visualmente un curioso art-work, en vinilo transparente, para un 12” a 45 rpm. Ese Lp, distribuido por Discos Humeantes, se agotó gracias a la excelente respuesta que obtuvo entre el público y las buenas críticas que ensalzaron con razón ese sonido que sentaba las bases de un grupo furioso pero muy convincente, con canciones memorables como ‘Mata al Bolas’, ‘Checho en NY’, o ‘Krápula’.

Sonido Alfredo
En 2010 vuelven al estudio del Circo Perrotti donde graban 10 nuevos temas que editan de nuevo con Discos Humeantes, sin título, y con una tirada de 500 copias en vinilo de 12” también a 45 rpm. En esta ocasión destacan un par de dibujos en portada y contraportada, obra de Pedro Vera, artista murciano autor del conocido Nick Platino y de la serie Ortega y Pacheco que publica El Jueves desde los noventa. La portada es una recreación de la conocida escena mediática de John Lennon y Yoko Ono en la cama hablando de paz para el mundo, cuya historia se reinterpreta y son los tres asturianos quienes, disfrazados con pelucas, acompañan a la Yoko mientras John yace en el suelo con una guitarra partiéndole la cabeza. El otro dibujo recrea a los músicos con el traje regional asturiano.

En este segundo disco incluyen una versión del ‘Das Model’ de Kraftwerk que reinventan para ubicarla dentro de sus emocionantes esquemas musicales. El resto de temas son originales y confirman que el Sonido Alfredo tiene denominación de origen y resulta difícil encasillarles en ninguna corriente que nos permita saber, con innecesaria seguridad, hacía donde va el río y encima con esos salvajes remolinos tan imprevisibles que nos ofrecen en cada tema. Este segundo álbum está repleto de detalles de calidad ya sea con la voz de Parsley The Lion (Solar Flares y Adventures of Parlsey) presentando el trío tras un magnífico tema como es ‘Rock de Estadio’; con guitarras persuasivas en canciones como ‘Telediario negro’ o ‘Rosita’; más baterías precisas y contundentes como en los instrumentales ‘Normal man’ y ‘Gilibili’; líneas de bajo que encienden los ánimos; tratamientos punk siniestros como en ‘Rocker 666’ o ‘Ovni’ y finales asombrosos como esa ‘Charanga’ que cierra el disco con toques de tropicalismo demencial tal y como se abría con la genial ‘Loli Tropical’ que destaca por su estribillo exquisito.

Sonido Alfredo
Habrá quien interprete su música con los parámetros “sixties” del garage punk: otros notarán la mano “explosiva” en la producción; e incluso es probable que algunos destaquen una apuesta más calmada y melódica que el primer disco, aunque no exenta de toques arriesgados que definen esquemas poco complacientes. Sea cual sea la forma de explicar con palabras las sensaciones experimentadas con este álbum, estoy convencido de que, si se escucha con atención, se coincidirá en destacar su vibrante apuesta por un rock and roll nada contemplativo, muy original, con tratamientos rítmicos que evolucionan de lo latino y letras sensacionales cercanas a la demencia poética, que consiguen comunicar, y van dos veces, un compendio musical tan excelente como es el del Sonido Alfredo.

Nota: Puedes escuchar el disco de Sonido Alfredo en el bandcamp.

martes, 27 de septiembre de 2011

Los Imposibles, tras la perfección con su disco "En espiral"

El mundo del rock and roll suele ser bastante generoso con los “revival” así como con los retornos a escena de los grandes mitos del pasado. Salvo envidias prescindibles de cierto sector crítico malhumorado en esencia, se impone de forma genérica la educación y el respeto hacia aquello que algunas bandas fueron aunque en tiempo presente, esas mismas leyendas no sean ni tan buenas, ni siquiera originales. En ese contexto de recuerdos y homenajes, en contadas ocasiones tenemos la oportunidad de olvidarnos tan claramente del que una banda fue para disfrutar con el que es y sobretodo esperando ya con ganas lo que nos deparará en un futuro alentador. Uno de estos casos excepcionales, que acaban por anonadar hasta los fans más acérrimos, lo encontramos con este recién editado disco de los Imposibles titulado “En Espiral”.

Al margen de si va a ser o no álbum del año, distinción más que merecida pero a la par discutible según gustos, ‘En espiral’ no solo es el mejor disco de los Imposibles sino que se me antoja tan redondo, tan cercano a la perfección, que no necesita justificarse, ni mucho menos medirse con nadie ni con nada, ni siquiera con ellos mismos en otro tiempo pasado. Siempre habrá quién al escucharlo recuerde ese concierto de los noventa que, con unos cuantos años menos, se lo pasó como nunca, pero la mayoría, seguro, vamos a disfrutarlo como lo que es: uno de esos discos que marcan un momento en la historia de la música; un punto de inflexión que va a influenciar a otras bandas e incluso es posible que atraiga a nuevos adeptos a la siempre entusiasta causa que reivindica las raíces sixties.

Los Imposibles se formaron en 1988 y pronto se convirtieron en uno de los principales grupos de la escena mod-garajera de Madrid. Debutaron en 1990 con un Ep llamado  “Chica imposible” para Subterfuge Records y en 1991 sacaron un split con los Reversibles para I.R. Al año siguiente Animal records les editó el Lp “Hoo-Ha!!”, al que siguieron, con la misma discográfica, el single “Bye bye pequeña”, en 1991, “Tracy Lords” en 1993, el Lp “Marigold garden” en 1994,  el 10” “El país del niño mosca” en 1995, “Chica imposible” EP en 1995, “Paper sun” EP en 1996, el Lp “Party a Go-Go!!” de 1996 más “Qué vas a hacer muñeca” y “El Telegrama”, singles de 2001. En esa primera etapa la formación estaba compuesta por el bajista Javier Palomo, el baterista Gonzalo Grondona “Lagarto”, y los guitarristas más voces, Paco Poza y J. Carlos Gómez. Tras un parón de años, en 2006 Bittersweet reedita  “Hoo Ha!” y en 2007 sacan el álbum “Lost & Fun” con el que triunfan en numerosos escenarios y festivales.

El disco que acaban de sacar este 2011, con la ya imprescindible discográfica cacereña Sunny Day Records se grabó, auto producido, en febrero de 2011 en Audiomatic por J.M. Rosillo que también se encargó de la masterización, asistido por Laura Rodríguez. Está disponible en vinilo negro y en color, así como también en digipack.

Los Imposibles son Javier “Ussufrutti” Donaire a la batería, Dani Fernández al bajo, sitar, voz y coros; Paco Poza, guitarras, teclados, voz y coros, David Lorenzo, guitarras, voz y coros, Javier “Entrañable” Mauduit, percusionista; José Magán, órgano. También han colaborado en la grabación Carla García a las voces, Sime Galduf al trombón, Domestû string Quartet en la sección de cuerdas y Waldo Rupérez en el vibráfono. A las palmas destaca The Hoo-Ha! Clappers, formado por J.M. Rosillo, Gonzalo “Lagarto” Grondona y Javier Palomo. Los arreglos de viento y cuerda corren a cargo de Frank Wella. Las quince canciones que integran el álbum son originales de Paco Poza excepto ‘Boca abajo’ firmada  conjuntamente con Daniel Fernández; y ‘Disfraz’ con David Lorenzo que es autor del tema ‘The sound of my heart’. A destacar el llamativo y muy apropiado diseño de la carpeta y portada, más encarte con las letras, obra de Nacho Alonso y Carolina Tomé. Una caleidoscópica combinación de violetas, por la que se desenvuelve ese curioso personaje que emerge o se sumerge según se mire.


Empieza el disco con el tema ‘Volverás’ que destaca por un ritmo beat ágil y pone ya en evidencia las enormes dotes melódicas del grupo. En esta canción destacan que “tarde o temprano” iba a presentarse la necesidad de volver a los escenarios para regalarnos canciones de una textura tan contagiosa como estas. Le sigue “Una luz” que se solapa con esa voz infantil que nos pregunta sobre el olor y el sonido del tiempo. Un excelente R&B, con algún toque psicodélico, en el que el grupo asegura seguir una luz, un objetivo, consciente de que las dificultades no cambian, “siempre contra el viento”, para darse cuenta una vez más que “no soy de aquí”. A continuación, nos regalan un magnífico ‘Disfraz’, tema con unas precisas guitarras de powerpop en el que se manifiestan relaciones personales escondidas tras un disfraz que oculta la verdad. Con el siguiente corte, más pausado, aparece uno de los dos temas cantados en inglés: ‘The Sound of my heart’, del que hasta el mismísimo Elvis Costello, en sus primeros momentos más creativos, estaría más que orgulloso de haber firmado. Un tema precioso, sin duda, con ese  medio tiempo aderezado con esa pizca tan elegante de ritmo latino.

Las emociones siguen su senda intensa en este álbum en el que aparece ‘El hombre de la esquina’ (¿quizá el protagonista de la portada?). Pop en esencia con toques sixties españoles para presentarnos a alguien entrañable “con los bolsillos  llenos de tonterías”,  preso de un pasado que ahora “se ha vuelto invisible” y del que nadie sabe a ciencia cierta si fue o no esplendoroso. De nuevo con el powerpop y el inglés, aparece la canción “Without you”, con ritmo preciso y melodía encantadora, ambos recursos   cercanos al estilo de los Attractions pero con el peculiar e inconfundible toque Imposibles. Le sigue “Otro mal día”, canción con esquema de “garage beat” en el que nos aconsejan que “ya basta de buscar, incluso de saber, es hora de volar”. Efectivamente; es hora de la acción pero con una pregunta suspendida en el aire: “¿a dónde vas?”, ¿qué objetivos tienes?. Termina la cara A de “En espiral” con esas  guitarras contundentes envueltas por una rotunda concepción rítmica para ese ‘Vuelo sin motor’ con el que consiguen llevarnos “donde nadie nunca fue”, “sin escuchar a nadie”, aunque como ellos mismos dicen suene mal pero sea ya una opción irremediable que no puede retrasarse más.

La cara B se abre con otro excelente tema llamado ‘No,no,no’ donde predomina el sonido “garage” y un trombón absolutamente genial dando consistencia al tema con pedales, y apoyando la melodía principal. A continuación, unas guitarras espaciosas a lo Byrds y un ritmo con bajo al modo de los Who dan inicio a “Has sido tu”, un grandioso tema de beat con cortes temáticos sensacionales, buscando el clímax melódico y llegando al final con esos coros en falsete que envuelven “ese llama interior que solo brilla si estás tu”. A continuación nos regalan un tremendo instrumental ‘Little Joe’ con unos arreglos para órgano y guitarra, más acompañamiento, que cortan la respiración, moviéndose por todos los estilos posibles desde la psicodelia, con algún rasgo progresivo, llegando a la rítmica propia del funk, para volver al tema principal con una destreza encomiable. ‘Perdón (por ser feliz)’ es arriesgada. No es un tema fácil a nivel melódico, exige un esfuerzo del oyente para asimilar esos acordes y punteos nada previsibles sin dejar de ser una canción ingeniosa en el que nos advierten que nunca han querido huir: “si alguien me busca…”, les encontrará.

El siguiente tema titulado “En espiral”, es una maravilla conceptual de pop sicodélico tanto a nivel musical como poético. Enigmática, sugerente, con ese toque fantasioso y onírico, esconde quizá un mensaje subliminal sobre la búsqueda de la felicidad dentro de esa espiral donde el que importa es el camino. Seguidamente, un potente sonido de guitarras con fuzz y ritmo cortante dan entrada a ese “Laberinto” donde el amor topa con la falta de comunicación; en el que se destaca una vez más el complemento de percusión y ese toque de órgano con el protagonismo preciso. Y para terminar, una debilidad personal… de nuevo ese toque popsike para un tema encantador llamado “Boca abajo”, con esenciales arreglos de cuerda. En esta canción que cierra el disco nos hablan del paso del tiempo, de la pérdida de esa inocencia infantil, con el corazón roto para afrontar una “negra realidad” que nos lleva a un sitio “que no parece acogedor” y en el que uno se da cuenta que ha desaprendido a vivir: “ayer sabía cosas que hoy no sé”.

Y así termina este maravilloso relato existencial, entrañable e inconformista, de la vida en “espiral”. Un disco donde los grandes protagonistas temáticos son los recuerdos, el tiempo, los laberintos, el amor, y todos los sueños que estros pletóricos Imposibles han musicado y explicado con excelentes resultados. En resumen: un placer para los sentidos ante el que, para acabar, me permito el lujo de parafrasear uno de sus versos y asegurar sin tapujos que: “con este disco, casi se puede tocar la perfección…”.

miércoles, 22 de junio de 2011

"Mejor Ahora", disco de debut de los Zombie Valentines

Zombie Valentines en una de las canciones de su nuevo álbum titulado “Mejor Ahora”.
Frente a la actual situación económica y sus derivados emocionales que nos arrastran inevitablemente a la apatía y el pesimismo, surgen verdaderos “brotes verdes” que si bien no van a conseguir soluciones globales a la catástrofe en la que nos ha metido esos chacales del poder establecido, sí que, al menos, provocan en nosotros ese estado de bienestar que nos permite sentirnos vivos como bien dicen los

El primer trabajo de este grupo madrileño, editado por Sunny Day Records, es un homenaje a sus referencias musicales pero también a su propio estilo que se nos presenta radiante, variado, divertido, preciso y repleto de detalles de cualidad. Tras una atenta escucha, estoy convencido de que no habrá ni un solo amante de los sonidos sixties, ni del rock and roll de forma genérica, que no se emocione al escuchar este gran disco. Tanto aquellos que no los conozcan como los que sí, van encontrar en este álbum un amplio abanico de matices, guiños a los clásicos, melodías encantadoras, ritmos vibrantes, guitarras poderosas, letras conmovedoras, y sobretodo un caudal de pasión sin límites. Todo junto provoca en el oyente un estado de plenitud consecuente al disfrute de una obra muy completa que, sin duda, se situará entre la música más emocionante al menos de este año.

Si el amable lector de este blog ha tenido la paciencia de sumergirse anteriormente en alguna de mis reseñas publicadas, sabrá que suelo comentar una a una las canciones que componen los discos. Pues bien, en este caso, ese método se hace aún más necesario si cabe porque no hay un tema que se parezca a otro de los trece que componen este disco. Recurriendo a la hipérbole imaginaria, podríamos hasta sugerir que, más que un trabajo de debut, parece un recopilatorio de grandes éxitos, de esos que los grupos ya consagrados tienen la necesidad de sacar tras una dilatada carrera de éxitos bien sea para contentar a su discográfica de toda la vida como a sus irreductibles y fieles fans, siempre ávidos de nuevas entregas. Intentaré explicar el porqué produce esa extraña sensación pero me parece que, para entenderlo con todas sus consecuencias, resultará inevitable que tú mismo te convenzas de lo imprescindible que resulta su escucha en la intimidad de tu casa rodeado de tus mejores discos.

Los Zombie Valentines son: David Lorenzo, voz y guitarra; Alberto Hernández, voz, guitarras, ukelele, armónica; Eneko Ezquerro, bajo y coros; y Gabriel Cuesta, batería y percusión. Editaron con el sello cacereño Sunny Day Records un Ep, ya agotado, con los temas ‘Horas bajas’ y ‘No velverá a Pasar’ en la cara A, y ‘Presta Atención’ más ‘La Flor más rara’ en la B. Producido por Paco Poza y el grupo, se grabó y mezcló en los estudios Audiomatic de Madrid en abril de 2009 por José María Rosillo.

Empezaron en 2006 como trío con Gabriel a la batería, Hernán Jaén (bajo) y David Lorenzo a la guitarra y voz, ex miembros de bandas como Babylon Chat, Stupid Baboons y Los Imposibles. Al poco tiempo se les une Alberto a la guitarra y voz. Graban su primera maqueta con el conocido tema ‘Tormento’, un rock instrumental de aires fronterizos más ‘Our Reward’, una canción con detalles de pop sixties. Las canciones las recoge el recopilatorio “Bikini Beat vol. 2” (Bon Vivant 2007). Tras esos primeros temas, ven la luz otras canciones como ‘Segunda piel’ que se incluye en el álbum “Bravo Lucinda” (Lucinda Records 2008) o ‘El circo de tu amor’ aparecida en el álbum “Somos los mods! 2” (Bip Bip records 2008). Tras esos temas, Hernán deja el grupo y le sustituye al bajo, Eneko Ezquerro.

Zombie Valentines son una de nuestras mejores bandas estatales y son muchos los que esperábamos con devoción este trabajo que acabaron de grabar en noviembre de 2010. Sin duda va a ser uno de los discos de nuestra escena estatal porque nos ofrecen un compendio de buenas maneras pop y rock and roll con evidentes raíces ancladas en nuestro beat de finales de los sesenta pero con frutos sabrosos más que suficientes para conseguir una cosecha actual realmente generosa y original.

Tras un concienciado trabajo de edición, Sunnie Day Records presentaba en este 2011 esta antológica colección de 13 temas, cantados en castellano e inglés, en formato digipack con 2 temas de regalo, ‘Horas Bajas’ y ‘No volverá a pasar’, extraídos de su agotado primer Ep, y en versión vinilo con un tema exclusivo para este formato, ‘Back to halo’. También sacó una edición ultralimitada de 100 copias en vinilo de color verde transparente. De ahí esa licencia del principio sobre los “brotes verdes”.

Todas las canciones son originales de David Lorenzo o Alberto Fernández con Zombie Valentines, menos ‘Multiculour Cow’ compuesta por Hernán Jaén con Zombie Valentines. Producido por el grupo, con la ayuda de nuevo de Paco Poza de los Imposibles, fue grabado en los estudios Reno y Audiomatic de Madrid en otoño de 2010 por José María Rosillo, que se ha encargado también de la masterización, con la colaboración de Laura Rodríguez. El diseño ha corrido a cargo de David Lorenzo y las fotografías son de Dyana Omary y Juan Cobo. En el plano instrumental han colaborado Paco Pozo, órgano y piano; Javier Maudult percusiones; José María Rosillo, Theremin; y José Lanot, palmas.

El disco se abre con uno de sus temas estrellas y que le da nombre genérico al disco, ‘Mejor Ahora’. Una canción cargada de ese necesario optimismo al que hacíamos referencia al principio de esta reseña así como de todos los ingredientes de un “garage” sin concesiones con magistrales cambios de ritmo, guitarras penetrantes y toques percutidos tribales, directos al estómago, ayudados por un persistente bajo, que ensalzan la brillante voz de su cantante principal. Le sigue un no menos espectacular R&B titulado ‘Todos Quieren’ con el que el grupo se convierte en una de esas locomotoras musicales que surcaron las vías entre las décadas de los cincuenta y sesenta, con detalles espectaculares de armónica, acompañamiento ejemplar, toques de rock and roll que recuperan cierto aire de “revival” de los ochenta y que suman enteros para descubrirnos la faceta más vigorosa del grupo. Con el tercer corte, parecen llegar a su primer destino donde reposan a base de riffs más calmados, cercanos al hard rock, pero sin olvidarse de su dominio absoluto de la melodía pop. Armonías psicodélicas con desarrollos de guitarra inquietantes convierten este ‘Mr Hurry Up’ en otra de las perlas del disco al que le sigue otro tema cantado en inglés, ‘Don’t let me Know’. Si esta canción hubiera abierto el álbum, probablemente hubiera sido toda una sorpresa pero llegados a este punto, anonadados ante el derroche de referencias y curiosidades, esta casi balada, a medio camino entre el beat, los sonidos playeros y hasta lo latino, resulta un tema encantador, delicioso de principio a fin.

Con la ‘Segunda Piel’, quinto corte de su cara A en la versión vinilo, el grupo incide en esa necesidad de superar las adversidades y de no sucumbir al desencanto. Frases como “Los malos tiempos no van a volver”… “Sabes que me merezco parte del pastel”… “Porque hoy me siento vivo”, convierten este tema en un canto a la esperanza y en la reafirmación personal de aquellos que no solo saben lo que hacen sino que están convencidos, con razón, de que les ampara la verdad mediante el trabajo bien hecho. Una vez más, buscan la tensión emocional, que desemboca en el estribillo amparado con esas guitarras de powerpop fascinantes.

Con el siguiente tema, titulado “El Circo de Tu amor’, vuelve a estar presente el R&B para desarrollar un canto al desamor, con detalle recreativo final, apoyados en órgano y con esa extraordinaria capacidad rítmica que compacta los tiempos de forma precisa. Acaba esa primera cara con el instrumental ‘Back to halo’, exclusivo para la edición en vinilo, donde hacen gala de su dominio instrumental a base de recurrir con elegancia pop a los recursos del “instro” cercano a la banda sonora del far west.

La Cara B empieza con la canción ‘Top of the Hill’ en la que confluye, mediante un vivo medio tiempo, la mejor tradición sixties americana con sus detalles folks, blues y de rock and roll. Le sigue otro memorable espacio sonoro llamado ‘Good news Elizabeth’ donde aparecen motivos propios de la música negra, excelentes arreglos, y maravillosos toques hard psicodélicos de los setenta. A continuación, nos ofrecen el tema llamado ‘Dudas’ con el que culmina esa predisposición temática existencial a seguir luchando contra las adversidades con proclamas del tipo: “Siempre con dudas, … pero si no arriesgo, sólo puedo perder”. Una canción alentadora donde el pub rock, con su crudeza de finales de los setenta, resulta omnipresente y gratificante.

‘Oportunidad 232’ es otra de sus canciones de amor, o de desamor si se prefiere, basada en una vida sentimental que llega a su fin y en el que se pide una oportunidad más en recuerdo de todo lo andado. Esta vez el protagonista asegura que no fallará. Destaca un buen juego de voces pop en el que podemos apreciar detalles de nuestra mejor historia sonora de los sesenta. Le sigue ese ‘Multicolour Cow’ ante el que resulta inevitable no imaginárselo en directo con ese recorrido salvaje de su motivo central que invita al público a inmiscuirse en la música. Un tema arriesgado que, sin la magistral interpretación que nos ofrecen, hubiera podido quedar un tanto forzado, casi impropio para un disco de estudio y menos para un grupo que no lo hubiera interpretado con la misma pasión rítmica de estos Zombie Valentines. La interpretación de su cantante principal lo convierte en absolutamente pasional y muy excitante. Finaliza el disco con ese beat casi popsike llamado ‘Llueve’ donde confluyen varios de los recursos antes comentados para sustentar una melodía encantadora. Un tema en el que todos y cada uno de los músicos de la banda reafirman su papel protagonista demostrándonos, una vez más, que no solo son capaces de hacer buenas canciones sino que encima consiguen interpretarlas con una profesionalidad encomiable.

‘Mejor ahora’ es sin duda el mejor disco que han podido hacer los Zombie Valentines, ahora. Estoy seguro de que cada ávido oyente tendrá la suya propia, pero entre todas las razonables, me quedo con la realidad de que es un trabajo de grupo hecho a conciencia. Sin lugar a dudas, los Zombie Valentines han puesto a nuestra disposición todos sus recursos, todo el esfuerzo y las ganas, para que su capacidad instrumental, que no es poca, adquiriese toda la dimensión creativa posible. El resultado final es un proyecto completo, bien trabajado, donde el concepto comunicativo genérico resulta de la suma de empatías por el rock and roll y de estrechas relaciones personales entre sus músicos. Pero también estoy convencido de que, aunque parezca imposible, este no va a ser su mejor disco porque con cada uno de sus trece temas, han logrado darnos pistas de sus, como pocos, respectivos trece álbumes siguientes a éste que ahora nos presentan y de los que nos ofrecen el privilegio de escuchar unos llamémosles singles excelentes de adelanto.

Nota: Puedes escuchar el disco "Mejor Ahora" en su bandcamp

miércoles, 15 de junio de 2011

Las Rodilleras presentan su primer disco, "Horror Pleni", morboso y salvaje

Cada cierto tiempo, surgen en el panorama musical español grupos que, con enorme imaginación y contundente capacidad musical, combinan a partes iguales acordes siniestros con ritmos primitivos. Las Rodilleras son un trío formado por tres mujeres, que, como en su día hicieron Desechables o Seres Vacíos, son capaces de agradar a punks, góticos más allá de la pose, seguidores de los Cramps o simples curiosos que tengan interés por conocer “al monstruo morboso, salvaje personaje, creado bajo el clima brumoso de Valencia” incluido en uno de los temas de su primer Lp titulado Horror Pleni.

Las Rodilleras son una banda de punk de Valencia, con varios adjetivos de género alternando en cada canción como after, siniestro, primitivo, garage entre otros tantos posibles. Todos sirven con el objetivo, por otra parte conseguido, de crear un microcosmos exquisito con un dominio sorprendente de un guión original y propio. El grupo está formado por María al bajo y coros, otra María a la batería y voces, más Gema, guitarra y voz principal, conocida cantante de los Putilatex. Dicen haberse conocido en “un aula de la Sección Femenina (también llamada la menos femenina de las secciones) hace muchos, muchos años, aula a la cual fuimos a parar, curiosamente, castigadas por las mismas razones, a saber: coser compulsivamente rodilleras a todos los uniformes que caían en nuestras manos, dejarnos el punto del ganchillo excesivamente suelto y no venerar la figa incorrupta de Pilar Primo de Rivera (que está en el castillo de la Mota, en Medina del Campo, por si a alguien le interesa). Aquella tarde de castigo marcó nuestras vidas y nos unió para siempre. De esa amistad y amor incondicionales surgen Las Rodilleras. Después de que nos expulsaran de la Sección, decidimos plasmar nuestras penurias y alguna que otra alegría en poemas acompañados de música”.

Pues esas penurias y alegrías aparecen recogidas en este disco titulado genéricamente Horror Pleni, coeditado por Disundead records con 13 temas, once de ellos originales y dos versiones. Colaboran en el álbum Diógenes en la introducción del tema El alba dorada del amanecer y Santi con el theremin, grabación y mezcla. A destacar la portada y contraportada, ambas luminiscentes, así como todo el artwork, incluida unas galletas sensuales, obra del artista Don Rogelio J. conocido por sus trabajos siempre viscerales y originales en forma de tatuajes, otras portadas como el single compartido de Harrysons y Hookers, así como múltiples creaciones gráficas que te recomendamos especialmente.

Sin lugar a dudas, un diseño muy apropiado para este álbum que entronca con la primera Siouxsie desafiante, el universo agresivamente depresivo de los Joy Division, los Cure más siniestros de Faith, los cassettes seminales de los Desechables, los enérgicos y siempre venerados Cramps, esos magníficos Seres Vacíos de Ana Curra, los malogrados Parálisis Permanente, la provocación punki de grupos como las polémicas Vulpes, la locura psico de los Misfits y tantos otros modos de sonar emergentes, radiantes, tétricos, desafiantes y sucios a la vez pero sin caer en la dejadez ni en el amateurismo respetable de crestas y litronas sin más.

Empieza el “horror” con nada menos que un Festín caníbal, título de un tema “con apetito fúnebre”. Canción al modo alter-punk con elegantes juegos vocales siniestros. Le sigue “Repulsión“, con ese estilo a lo Cramps donde Las Rodilleras sacan “su navaja como cada noche” y declaran no querer “amor ni terapias de choque”. A continuación tenemos todo un corte llamado Roja como la sangre para abandonar “los fríos sepulcros buscando su cuerpo incorrupto” que da paso a un ritmo más primitivo titulado “Morir en Ruán” que nos recuerda a esos temas de oscuro rock and roll con peligrosos protagonistas dispuestos a morir en cualquier momento. Sin duda uno de los mejores del álbum. Precede a una excelente versión del tema de Death in June llamado “She said destroy” titulado por ellas en valenciano como En la foscor (En la oscuridad/Into that Darkness en el original). Transcurre el disco con un guiño, como el de la galleta de esa cara A, a otro de nuestros grandes grupos de los ochenta como fueron Parálisis Permanente. En este tema, llamado “El Extrarradio“, describen una situación vital “podrida, polvorienta, así es mi vida en las tinieblas”. El último corte de la cara A, “Homicida“, sirve de puente rítmico con la B, y complacerá sin duda a los seguidores de los combos más punks con detalles pop. Público exigente donde los haya a los que no nos importa que la protagonista lleve “dos muertos en el maletero” y reconozca que “soy peligrosa, me van a matar, soy una homicida total”.

De este modo, la cara B arranca con una canción precedida por una introducción envolvente, casi gótica y progresiva, que da paso al Alba dorada del amanecer donde vuelven a dar rienda suelta a acordes de punk pop con las mejores cualidades posibles para crear ese “monstruo morboso bajo el clima brumoso de Valencia” al que antes hacía referencia. Y hablando de seres extraños, atención a ese Cerdo Putrefacto del que hablan en el siguiente tema, “que se cree el rey, con su apariencia de sabio…”. De ahí, a la segunda versión, que en este caso es el “Forming” de los Germs, titulado por ellas como “Formando“, adaptado con estilo y aportaciones de carácter. Le sigue “La Vigilia“, canción donde, con el hipnotizante theremin de fondo, aparecen a colación la enfermedad, los espasmos, las palpitaciones, la boca seca, y la ausencia de consuelo. Tiempo queda aún para regocijarse sin amor, con rabia, después de amar “a cientos , y es esto lo que obtengo” con la canción “Sosa Cáustica“. Tema que se inicia lento y que adquiere un desarrollo rítmico rápido para expresar ese odio interior que expresan. Cierra este Horror Pleni precisamente el tema que la da título con expresiones un tanto autodestructivas del tipo “quiero hundirme hasta arriba, golpearme en las esquinas” que ponen la guinda final a este excelente álbum de sensaciones al límite.

El sonido de las Rodilleras transmite con fiereza y originalidad ese bien llamado “Horror Pleni”, con tempos variados, más referentes indiscutibles interpretados con profesionalidad y un toque personal identificable en todo momento. Habrá quienes necesiten la rapidez de algunas canciones y otros, quienes prefieran esos medios tiempos más tétricos. Ambos públicos, fácilmente combinables, van obtener en estos temas de guitarras afiladas y voces tenebrosas, muchas y variadas razones para entusiasmarse sin contemplaciones. Las Rodilleras han escrito con Horror Pleni la primera de sus brillantes páginas en la siempre fructífera y tenebrosa historia del punk expresionista de todos los tiempos.

Nota: Puedes escuchar el álbum en bandcamp.

lunes, 6 de junio de 2011

“All or nothing”, tema de despedida del Magic Pop

Tras solo seis meses de trabajo informativo, desde su regreso en enero de 2011, me veo en la necesidad de cerrar Magic Pop porque me resulta imposible seguir el ritmo deseado para informar de todos los proyectos musicales que me apasionan. Reconozco que tantas despedidas empiezan a darme un poco de vergüenza pero, qué más da, éste es mi blog y nadie está obligado a visitarlo.

Reanudé la actividad comunicativa convencido de que podría dosificarme, pero es evidente que no estoy capacitado para regular ese entusiasmo y, la verdad, solo, no puedo. Tampoco se ha llenado mi buzón de correo con ofrecimientos para colaborar con Magic Pop y los pocos que he tenido han fracasado debido a mi carácter bastante difícil y, con la edad, cada vez más antisocial. Creo que es mejor dejarlo en este momento que malvivir más tiempo angustiado por no llegar, por olvidarme o por no conseguir cerrar semanalmente una agenda con todo lo que se merece estar en ella y, por supuesto, sin escatimar ni un solo detalle relevante. Aunque no viva del periodismo musical, Magic Pop no es solo un divertimento, es mucho más: es la forma de expresar mi pasión por la música. Ya sé que solo es rock and roll pero las emociones que siento son tan mágicas que me resulta imposible limitarlas. Para hacer honor a una de las mejores canciones de la historia, “All or nothing” de mis siempre admirados Small Faces: Magic Pop cierra porque si no puedo llegar a todo, mejor nada que conformarme con poco.  

No solo no puedo seguir adelante con el nivel periodìstico que quisiera sino que también creo que preciso disponer de más tiempo libre para holgazanear y divertirme, si es eso sigue siendo aún posible con los tiempos tan tristes y deprimentes que corren. Por la situación personal que atravieso, lo necesito y creo que, como todos, merezco disfrutar de la vida, o al menos de los cuatro ratos que nos dejan al margen de la absurda realidad cotidiana. No sé cómo empezar a hacerlo. Solo tengo muy claro que nunca lo conseguiré si me paso horas y horas delante de la pantalla de un ordenador por muy loable y satisfactorio que sea mi propósito.    

Durante estos últimos seis meses he intentado dar cabida, una vez más y de forma quizá demasiado vehemente, a todos los grupos que me han parecido originales, principalmente con raíces sixties (aunque, ¿quién no las tiene por mucho que crea que se ha inventado un riff de guitarra para explicar sus inquietudes adolescentes?). En Magic Pop ha sido comentada mucha música al margen de la radio fórmula y lejos de esos cansinos planteamientos discográficos ideados por multinacionales que se empeñan en sacar beneficio de la fusión del folk con el indie, o del flamenco con la última moda anglosajona. Para mí, el futuro del rock and roll seguirá estando en esos grupos que, pese a todo, insisten en sonar como antaño con ese toque personal que les diferencia de otras iniciativas superfluas y pasadas de moda incluso antes de ser creadas. Grupos que grabarán sus discos en estudios preparados para sacar el máximo rendimiento a su sonido, con buenos productores, bien masterizado, editado por discográficas cariñosas con sus artistas, presentado con un artwork que cuide hasta el último detalle, para ser vendido en esas maravillosas tiendas donde el propietario sabe de qué habla cuando te aconseja un disco.  Si el proceso no es éstem que acabo de describir a grandes rasgos, nuestra música, si no toda, tarde o temprano desaparecerá maltratada por millones de aparatitos electrónicos que mermarán nuestra capacidad auditiva y senstitiva en todos los sentidos posibles.    

Profecías al margen, todos sabemos que la situación económica actual es mala. Estamos en crisis porque los mismos de siempre han decidido no mover su capital y, como alimañas que son, esperan tiempos mejores para sacarle el mismo rendimiento usurero a su riqueza para llenar su enorme bolsillo con su voraz apetito de lujo a costa de los y las trabajoras de este país. Esa crisis afecta también al negocio discográfico. No hay dinero, y encontrar alguna discográfica, con medios suficientes, que se atreva a sacar un disco que no sea un calco del Indie británico o una horterada televisiva, es tarea harto difícil. Por suerte, aún tenemos algunos ejemplos de resistencia y buena gestión cultural que merecen todos los parabienes y apoyo posibles como por ejemplo las discográficas estatales Freeki Dicky, Clifford Records, Sunny Day Records, Hey Girl, Ghost Highway Recordings, Discos Jaguar, Grit Records, Daily Records, Elefant Records, Flor y Nata o B-Core.    

Por otra parte, el Estado sigue protegiendo y subvencionando, aunque cada vez menos, la industria del cine, o esas exhibiciones de arte ciertamente caprichosas, o pagando premios culturales millonarios para promocionarse gracias al prestigio, en los mass media, de los galardonados. Todas ellas, actividades culturales integradas donde no tiene cabida el apocalíptico rock and roll, si no es para aprovecharse, como he dicho, de la fama de ciertos dinosaurios. Aunque hayan pasado varias generaciones desde los inicios de esa "música del demonio" en los cincuenta, no hemos conseguido despojarnos de ese maléfico y desprestigiado estatus de pura diversión sin trascendencia e indisoluble del tridente malvado y perverso formado con las drogas y el sexo. Algunos creen que el problema estriba, en cierto modo, en que a los conciertos no van los chicos y las chicas de 14 años. Me pregunto cuántos de esos chicos tienen padres que a su edad sí iban a conciertos y que ahora no les dejan por miedo a que no cometan los mismos errores.    

Por eso es tan importante que seamos capaces de hacer un esfuerzo, entre todos, para ayudar a los grupos con el objetivo, al menos, de que se mantengan en nuestro candelero por pequeño que este nos parezca. En estos momentos comprar discos ya no es solo un intercambio de información y emoción a cambio de dinero; es mucho más, es una muestra de actitud y de responsabilidad, hasta de fe, por utilizar esas palabras que tanto nos gusta repetir para sentirnos diferentes a los demás.    

La mayoría de grupos que han aparecido en Magic Pop no salen en las revistas especializadas y si lo hacen, es de forma residual, en ocasiones hasta injusta, bien sea porque su pequeña discográfica se ha gastado una pasta para promocionarse o porque algún redactor se ha corrido alguna juerga con los protagonistas y les ha prometido que aparecerán en el próximo número. A veces, ni eso llegar a cumplir. Algunas de esas bandas sucumben al desánimo o deciden desaparecer para seguir otros caminos como Blow Up, Bip Bip Records o Monta-man; otras siguen creciendo sin que nadie ni nada les pueda parar, mientras que otras dan sus primeros pasos un tanto dubitativos e imprecisos pero siempre entusiastas. Quiero decir con ello, que la música da vueltas en una continua noria: unos entran otros se van, otros vuelven, otros reniegan, otros se apuntan a meterse una raya, en fin… sea como sea, no creo que sea tan preocupante si hay o no escena. En realidad, nunca la hubo, no al menos como muchos intentamos recordarla para justificar que seguimos en la brecha. Viene a suceder lo mismo que cuando volvemos a ver algo de nuestra infancia que entonces nos parecía tan grande y que ahora no lo parece, ni mucho menos.

Pero tampoco hace falta ninguna escena con todas sus posibilidades. Lo importante es pasarlo bien, cada uno con sus circunstancias y sobre todo, rodeado de amigos, sean el número que sean. Es cierto que los grupos acaban sonando mejor delante de cien personas que ante quince, pero también es cierto que esos mismos grupos los sentimos más alejados de nuestras inquietudes cuando les escuchamos apretujados entre mil espectadores que familiarmente con esos mismos quince privilegiados que están ahí con nosotros en ese instante preciso que con el tiempo seguro que será histórico.    

Aunque parezca contradictorio, el mejor momento de un grupo no está en su tercer y probablemente mejor disco, mucho más profesional y con mejor medios, sino cuando empieza a rodar sin apenas público, dándolo todo hasta en los ensayos; con todas las dudas posibles, creciendo gracias a sus inquietudes y con la ilusión por llegar a expresar sus sentimientos de la forma más precisa posible. Para ayudarles a superar esa carrera de obstáculos, la mayoría de veces muy decepcionantes y esperpénticos, creé el Magic Pop. También he intentado seguir una agenda de las fiestas, pinchadas, allnighters, o como se les quiera llamar, con algún que otro toque sixties mod. Salvo excepciones que no vale la pena mencionar, todos han ido muy amables conmigo y me han facilitado información puntual para que pudiera hacer mi trabajo dignamente. Gracias a todos ellos por su indispensable colaboración. Mi agradecimiento también para todos aquellos que han seguido la web durante todo este tiempo y han tenido el detalle de dejar algún que otro comentario alentador por pequeño que éste fuera.  

Respecto al modernismo, cierro el Magic Pop con más dudas de las iniciales y previsibles pero también con el convencimiento de que es bueno que haya más preguntas que respuestas. Lo mod  será lo que tú quieras que sea y que nadie intente convencerte de lo contrario. Así que, si te lo preguntas, dejo en tu siempre sabio criterio decidir qué es ser mod aunque, si me lo permites y en mi humilde opinión, sí que puedo aportar unas cuantas cosas que me parecen absolutamente reñidas con lo mod como por ejemplo: el conformismo egoísta, la falta de interés por asistir a los conciertos, llegar tarde a los directos sin vergüenza ni excusa alguna, negarse a gastar poco más de cinco euros en comprar un mísero single y luego gastarse mucha más pasta en aditivos varios. Eso no es, para nada, mod, ni rocker, ni punk, ni folk, ni hostias, ni nada de nada, y si lo es para ti, creo que deberías hacer un ejercicio de reflexión importante sobre tu comportamiento. Todos te lo agradeceremos, incluso tú mismo, ya verás.  

Publico estas líneas de despedida a escasos días de que tenga lugar el maravilloso evento del verano “Summertime party” el 11 de junio de 2011 en l’Ampolla (Tarragona); a una semana de que Los Glurps y Canary Sect estén en directo en la Fiesta de Monterey en Valencia el 18 de junio y que Mod Time actúe el 19 de junio en el Gran Scooter Weekend de León; a un mes que Alex Cooper grabe, en julio y en Inglaterra, sus esperadas nuevas canciones y aproveche para tocar en directo; y a un par de meses para que se celebre el Mod Summer Party el 20 de agosto en Alicante (véanse carteles) . Este verano también podremos disfrutar los días 10 y 11 de junio el Go Sinner Go, más el Fuengirola Pop Weekend del 29 al 31 de julio y a primeros de agosto, el Euroyeyé. Los tres festivales tienen un excelente cartel. Ya en otoño, tendremos a nuestra disposición otra edición más de la prestigiosa Big Thing Soul Weekend y una más de Le Clean Cut más el esperado festival Gam-beat; y el año que viene, de nuevo, el festival sixties de Castellón y el Datura Folk por citar unos cuantos ejemplos.

A parte de los mencionados, en estos momentos existen unos cuantos grupos que están en su máximo esplendor y que han formado parte de la agenda Magic Pop como por ejemplo (espero no dejarme muchos de los más significativos): Alberto Montero, los Brass Buttons, Brand New Sinclairs, Refoundations, Smogs, Midnight Shots, Pepper Pots, Excitements, Octubre, Los Chicos, Biscuit, Cápsula, Sonido Alfredo, Flamin'Guays, Extended Plays, Stanley Road, Freddie and The Filos, Rodilleras, Capitán Cavernícola, los Hijos Bastardos de Peter Loarre, Kongsmen, Pataconas, Twangs, A-Phonics, Kings Of Makaha, Dirty Surf, Magic Dildoss, Acapulco Ridders Band,  Imperial Surfers, Longboards, Smoggers, Motel 3, Briatore, Cool Frog, Martin & The Julians, Al Supersonic and The Teenagers, Faith Keepers, Pista Lliure, Top Models, Sally Brown, Smooth Beans, Oldians, Soweto, Retrovisores, Belda i els Badabadocs, Animic, LeCirke, los Immediatos, Imposibles, Zombie Valentines, The Shake, Espeluzznantes, Hollywood Sinners, The Go! Freaks, los Sentíos, The Dealers, Positivos, José Casas, Groovin’Flamingos, Local Qua4tro, Manolo Tarancón, Sonlosgrillos, Ídolos del Extrarradio, Thee Brandy Hips, Acapulco Gold Diggers, Aullido Atómico, Les Pick-Ups, Vibe-Creators, Aspiradoras, Wau y los Arrrghs!, Dr. Explosion, los Galerna, Fuckin'Bollocks, The Bite, Gundown, Von Danikens, The Silver Beats, los Guajes, Corrigans, Seasongs, Munlet, los Frenos, los Glosters, entre muchos otros... Algunos acaban de editar un álbum o sencillo, otros están a punto de sacar nuevo trabajo discográfico y los que no disponen de la posibilidad de ofrecernos su música en la mejor de las condiciones posibles, atesoran grandes ideas que necesitan, sin duda, ver la luz cuanto antes.

También podemos disfrutar de locales emblemáticos como el Swan, la Caverna, Wah Wah, Excuse me o Calypso de Valencia; las Guindas, Jazzroom, Rocksound, Estraperlo, Apolo, Monasterio o el Barbara Ann de Barcelona, más el Groovie, la Clamores, el Sol, Nasti, o el Volta café de Madrid; el Bullit en Bilbao, Medussa en Cádiz, Woodstock en León, Ibu Hots en Gasteiz, Folixa Sound en Gijón, el Pub Línia en Lleida, el Groove en Tarragona, The City en Pamplona o el Beat Club de Logroño; así como de grandes clubes que organizan fiestas como el Boosters, Femme, Pleasure Moments, In the beat Sound, Afterwork Sessions, Boiler, Blazing Fire, A Way Of Life, Malasaña Midnight Runners, Back to the Sixties Jungle Club, Apple Candy Club, Mod Generation Club, Teenage Kicks… donde pinchan expertos Dj’s como Miguel Ygarza, David Monoman, Paula Obaya, Carlos, Twistin’Two, Dimples, Dr. Punko, Go Gorostiza, Joan Blow Up, Agustí Rocamora, Robert Abella, Miquel Injection, Cristina Alonso, Jordi Duró, Carlos Navarro, Javi Frias, Pook, Sebas Avilés, Go Gorostiza, Alberto Valle, Albert Petit, Saretta, Lluís Cardenal, Oscar Guindilla y Laia Sweet Nothing, Franky Radiolux, Fonsoul, Víctor Monterey, Ernestoide, Dr. Octopus Dj's, Sr. Patilla y Miss Taboo, etc… sin olvidarnos de nuestros diseñadores e ilustradores como Mik Baro, Sr. Rogelio, o Iván Freevan Pop, fotógrafos como Felipe Ecstasy and Wine o la Rockera Mutante, así como marcas de moda de prestigio como Modernworld y tiendas de lujo como Breakaway de Barcelona, Direction Pop en Donostia o Rivendel en Madrid.      

Son solo unas cuantas propuestas, acontecimientos y lugares a tener en cuenta, que podremos disfrutar próximamente con alguna de sus siempre interesantes propuestas. Estoy convencido de que seguiremos estando bien informados por medios que hacen gala constante de una excelente profesionalidad como, por ejemplo, las webs de Real Mod World, Power Pop Action, Hipocondria Mods, Kick out the Jams y Rated Muzik, el programa de radio de El Cuartelillo de Alcañiz o los blogs de Yo ya te lo dije, Ritmo, Soul y otros Modernismos, Ne Tempus Fugat, Fuera en las Calles, Myr Goes to, Desidias: Original Mod, Making Time, los blogs de scooters de Zaragoza, Lorca, Azkorri y Gijón, más Keep On Going, Modforever, Aquellos Maravillosos Sonidos, Piensa Sixties, Roadrunner Beat beat, Biff bang Pow, Pasapogas News, Moderno y Español, entre muchos otros. Todos ellos, espacios comunicativos dignos de mención y elogio a los que, por muy bien que lo hagan, les costará lo suyo mostrar más pasión que la destinada en todo momento, hasta su cierre, por este Magic Pop, espacio modernista con todo su contenido a vuestra libre disposición para siempre, sin necesidad de citar fuentes.  

Pues eso ha sido todo, amigas y amigos. Gracias a vuestro apoyo he tenido el verdadero placer de cumplir con uno de mis mejores sueños profesionales pero ha llegado el momento en que tengo la necesidad de  soñar con otras cosas porque empiezo a estar un poco harto de tantas desilusiones. Suerte para todas y todos. Os quiero mucho…

Àlex Martí    

miércoles, 1 de junio de 2011

Los Ídolos del Extrarradio presentan sus "Guerras Bipolares"

Discos de Extrarradio y Producciones Intrankil les han editado este 2011 un Ep de los Ídolos del Extrarradio con el título genérico de “Guerras Bipolares”, tema al que acompañan otros tres más que son “Hasta Siempre Mr. Nouta” en la Cara A, más “Grecia” y “Cristina escupió al Cielo” en la B. Son solo cuatro canciones pero cada una de ellas desborda una cantidad de energía musical y calidad poética suficiente como para no parar de escucharlo obsesivamente durante los mejores y los peores momentos existenciales de nuestra vida.

Los Ídolos del Extrarradio son Alex Pis, voz y bajo, Fuzio y Raul Gómez, guitarras, y Gutxi a la batería. Se formaron en 2005 con músicos procedentes de la escena punk rock de Santander. Al año siguiente grabaron sus primeras maquetas y en 2007 editaron su primer álbum titulado “Quién necesita amor teniendo una pistola” con la discográfica Oídos sordos. Este primer trabajo contenía 13 canciones con detalles bien audibles tanto de punk y postpunk, como de new wave. Ese disco, grabado en sus habituales estudios de Drive Division, obtuvo muy buenas críticas y lo presentaron con una extensa gira hasta que en 2008 se decidieron por volver a componer nuevos temas. De nuevo en los mismos estudios, dan forma a 13 nuevas canciones, quizá un tanto más postpunk y con un pop oscuro como denominador común. A mediados de 2009 editan su segundo trabajo titulado: “El depresivo cuadro de los Chicos Eléctricos” con el que vuelven a la carretera hasta la primavera de 2010 que entran de nuevo en los estudios mencionados para grabar el Ep “Guerras Bipolares”.

Todo en Guerras Bipolares es algo inquietante y estremecedor, desde el diseño de Animal Mendoza hasta los arreglos de las canciones pasando por las letras donde el ejercicio poético realizado merece ya la mayor de las consideraciones al margen de su excelente musicalización. La cruda realidad de las “Guerras Bipolares”, canción que abre la cara A, se presenta con un arreglo que evoluciona de los sonidos de los ochenta con esa excelente melodía para dar forma a la desesperación personal. “Hasta Siempre Mr. Nouta” cuenta su historia como grupo y sus sensaciones personales como artistas con frases sin desperdicio como “si nunca gustamos a las nenas, es su problema, tampoco fue nunca nuestra intención”, o “el tiempo depuró nuestra torpeza” e incluso un comentario para la crítica del tipo “la etiqueta de ruido que ese cerdo pegó a nuestra criatura”.

En la cara B, nos encontramos con unas excelentes líneas de bajo y guitarra que definen “Grecia”, tema elegante, bien diseñado, fascinante, una canción de compromisos, de huídas, de esperas. Y acaba la segunda cara con un medio tiempo que pone los pelos de punta dedicado a una tal “Cristina escupió al cielo”. Un canto sobre una mujer que se niega la felicidad pero que envidia ser normal y que tiene miedo de si misma.

Con sus canciones, consiguen sorprendernos mediante cada movimiento literario como musical y son capaces de dotar esos momentos oscuros de unos, nada despreciables, ramalazos de realidad cotidiana para que muchos nos podamos ver perfectamente identificados sin recurrir a la sobreactuación vital depresiva. Grupos de los ochenta como Nacha Pop, los Elegantes o Décima Víctima y otros de no tan conocidos como El Pecho de Andy que también cuidaban muchísimo sus letras, estarían entre sus referencias pero también entre sus fans. Los Ídolos son capaces de recordarnos una época de principios de los ochenta, en la que no todo fue ese pop bailable tan vilipendiado por algunos, y hacerlo con un toque tan personal que sus referencias acaban por ser prescindibles comparadas con su aportación al panorama actual. Para quienes les conocían, este Ep confirma la honestidad musical y la enorme capacidad literaria de los Ídolos mientras que los que no sabían de ellos tienen a su alcance cuatro convincentes razones para empezar a “idolatrar” su obra.

domingo, 15 de mayo de 2011

María e Iván: “La cuarta edición del Sixties Rock Weekend se celebrará en abril de 2012”

María e Iván 2011. Foto: vivecastellon.com
Iván Chabrera y María Pascual son una de las parejas más conocidas de la escena sixties de este país por haber formado parte de los Búhos, grupo mod de la década de los noventa, en el que él cantaba y tocaba el bajo, y ella, el órgano Hammond. Los Búhos se crearon en 1994, tras los Invasores, con Pedro J. Safont, guitarras y coros, y Joaquin Sanchís a la batería.  

Con la ayuda de Animal Records, sacan un single en 1996 con los temas ‘Atrapado’, ‘Good Reasons’ y el ‘Man With Money’ de los Everly Brothers; más un Ep de 1997 con los temas ‘Here comes the week-end’, ‘Ya no puedo más’, ‘The Owl’, y ‘Send me a post card’ de los Shocking Blue. También editaron un álbum en 1998 con el título de “A Good day in my life” que contenia 14 canciones, 12 originales y dos versiones, una de los Kinks y otra de los Nicols. Pedro dejó la banda y fue sustituido por Paco Vila (Flechazos), con el que grabaron un nuevo trabajo titulado “Rainbows”, un cd single para Discopop con otros dos temas, ‘la Luz de la Mañana’ y ‘Keep Me hagin’On’, un éxito de la Motown.

Los Buhos 2000. Iván, María, Paco, Joaquín
Un año después de su último concierto en 2000, María, Juan, Pedro e Iván montan Moxley, con Fernando Cabalo (Miss Black Emotion, Malconsejo) y Nico Flors (Madnoise), aunque el proyecto se disolvió en 2004. Pedro se integra en Motel, mientras Juan (Malconsejo, Silvestre) e Iván siguieron colaborando. En 2006 tocan en la despedida de la sala castellonense Ricoamor, María, Pedro, Iván y Juan Buonamisis, a la batería, como Los Búhos. En  marzo de 2008 Bip Bip Records les pide una canción para su recopilatorio ‘Somos los mods 2′ y deciden volver a tocar juntos. Recientemente han tocado en la fiesta de presentación del libro sobre la música pop en Castellón.  

Para el oficio de periodista, resulta muy gratificante llevar a cabo una entrevista y que los protagonistas tengan el detalle de regalarte tres o cuatro novedades relevantes con lo que acabas dudando qué titular destacar. Y eso es lo que ha pasado con Maria e Iván de los Búhos, también organizadores del festival Sixties Rock Weekend, que compaginan su devoción por la música con sus respectivos trabajos y llevando  adelante una familia juntos. Tanta actividad se verá aumentada próximamente con un nuevo proyecto musical en el que ambos participan. Durante la entrevista también nos confirman que el festival sigue, con algunas sorpresas, y que pasa a celebrarse a mediados de abril de 2012.  Merece también toda la atención del mundo, su opinión sobre la música en directo, la actual escena mod o el panorama de conciertos de su ciudad, Castellón.  

Magic Pop: Empecemos por lo importante, ¿Qué tal la familia, cómo lo llevan vuestros allegados, os ayudan en la  materialización de un festival tan importante como el Sixties de Castellón?. 

Iván: Por supuesto, desde amigos, primos, hermanos,  padres.... todos nos ayudan en esos días de locura. Algunos de ellos desde el mismo Auditori y otros cuidando a nuestros niños pues estamos cuatro días dedicados en cuerpo y alma al festival.

Los Búhos 2011. Foto: nomepierdouna
Magic Pop: Y ya que hablamos del festival,
¿qué criterios prevalecen en el momento de decidir los grupos que tocarán en la siguiente edición?.  

Iván: Pues para nosotros prima el “buen hacer” en el escenario, es decir, bandas con un sonido contundente en directo y buenos músicos. Por supuesto su música ha de tener raíces añejas; finales de los cincuenta, los sesenta y principios de los setenta son básicamente las influencias que más marcan nuestra selección pues únicamente esta deferencia es cuestión de gustos.    

Magic Pop: ¿Cuando empezáis a trabajar en la organización del próximo?  

María: En cuanto termina la edición anterior y en función de cómo ha salido ésta, empezamos a pensar en aquello que podemos mejorar. Así es que nuestra labor comienza con una autocrítica constructiva con el afán de mejorar  para el año próximo.

Iván: Al mes siguiente de terminar la actual edición, comenzamos a especular con los posibles grupos que formarán parte del próximo festival.  Normalmente hacia finales de año ya tenemos todos los grupos contratados.

María en el festival 2011
Magic Pop: ¿Cómo ha ido esta última edición?. ¿Qué balance emotivo y económico hacéis?.

María: La verdad…bien, partiendo de que somos personas bastante inconformistas y debido al esfuerzo que requiere organizar desde una empresa privada como la nuestra un festival de estas características, la sensación final ha sido un tanto agridulce... El comienzo estuvo muy bien, el jueves fue divertido y la asistencia más que aceptable pero este año tuvimos muy mala suerte con el tiempo pues las fuertes lluvias del viernes contribuyeron en gran medida a que este día  fuera el más pobre en cuanto asistencia. El sábado volvió la alegría de nuevo pues amaneció con el cielo más despejado y a pesar de amenazar lluvia pudimos realizar la scooter run que parecía peligrar la noche anterior. La sala Màgic Box del Auditori i Palau de Congresos de Castelló volvió a brillar el sábado y nuestro ánimo con ella pues volvimos a ver la sala casi en su máximo aforo.

Iván: El balance emotivo siempre es positivo ya que se  finaliza con la sensación de haber realizado un buen trabajo.

Magic Pop: ¿Podemos estar tranquilos y esperar una cuarta edición del festival?. ¿Podéis avanzarnos algo aunque sea a modo de intención?. 

María: Confirmamos ya esta cuarta edición y con esta confirmación queremos comentarte que arrastrará algunos cambios importantes. El primero de ellos es un cambio de fecha pues llevamos tres ediciones sufriendo las consecuencias de la lluvia. La cuarta edición del Sixties Rock Weekend tendrá lugar a mediados del mes de Abril del 2012. Este cambio esperemos nos permita disfrutar de mejor tiempo e incluso alguna escapadita a la playa. Habrá muchas más novedades pero de momento no podemos adelantártelas ya que es todavía muy pronto pues algunas ideas todavía no se han materializado. Seguiremos disfrutando de un buen cartel, seguro!!!!

Magic Pop: Los Búhos forman parte de nuestra mejor historia musical. Vuestro último directo de la primera etapa fue en 2000 en la sala Ricoamor de Castellón y volvisteis en 2008 con un concierto en el también castellonense Four Seasons en el que presentabais algunas canciones nuevas, escogidas entre la treintena de nuevos temas que creo teníais listos. ¿Qué queda de los Búhos?. ¿Vais a editar material nuevo?. ¿Tendremos el placer de veros tocar otra vez juntos en un escenario?. 

María: De Los Búhos siempre quedarán afortunadamente sus temas pero a pesar de las ganas que tenemos por seguir haciendo cosas nuevas, nuestras vidas (familiares y profesionales) no nos permiten seguir como grupo. Es cierto que hemos aparecido estos últimos años pero ha sido por algún reclamo que no nos ha permitido decir que “no” y tras cada una de esas actuaciones el grupo no ha seguido adelante. Nos une una bonita amistad y esto nos permite llevar a cabo estos conciertos con muchas ganas y disfrutar del momento.

Magic Pop: ¿Cuál es vuestra visión del panorama musical actual en cuanto a política discográfica, y el flujo de información musical por Internet?

Iván: Actualmente veo mucho más difícil editar un disco con una discográfica que antes pero con las nuevas tecnologías cualquiera puede sacar un disco y auto editarlo por 500 “pavos” y además con el “myspace” todos los grupos pueden acceder a una pagina web gratis y difundir su música. Con la nueva tecnología es más fácil darse a conocer aunque si el grupo no tiene discos en el mercado es bastante complicado tocar en directo (festivales, salas…)

Magic Pop: ¿Sobre la música en directo, creéis que está bajando el interés del público o quizá es el nivel de los grupos el que está menguando?

María: Esto es una reflexión que hacemos nosotros tras cada edición del “SRW”. Cuando la gente  ha disfrutado en el festival de un grupo buenísimo de nombre “no famoso” hemos escuchado el comentario de “si los volvéis a traer decírnoslo, son buenísimos, ¿por qué no está lleno?” y realmente creo que ese es el problema. En Castellón la mayoría de gente no se mueve para indagar en la música, si el grupo no es conocido no voy a verlo y esto es una pena.

Iván: Creo ciertamente que es el desinterés de la gente. Yo sigo asistiendo a conciertos y la gente joven (al menos en el rollo rock, mod-sixties, garage, glam-rock....etc,) son los que tienen 30 años .Cuando yo iba a mis primeros conciertos tenía 14 años y ahora no ves a gente con menos de 24. En cuanto al nivel creo y aseguro que musicalmente las bandas tocan mejor ahora, la mayoría son músicos o han estudiado su instrumento  y hay un muy buen nivel a la hora de realizar los conciertos en directo. Aunque los grupos de antes tenían un encanto especial ya que no tenías internet para buscar al momento todo lo que quisieras.


Magic Pop: ¿Cuál es vuestro balance sobre la escena mod?. ¿Han cambiado algunas cosas desde que empezasteis?.

Iván: Siempre me interesó mucho la escena y el movimiento mod (sobre todo el de los sesenta con la psicodelia, el soul y demás) pero solo hablando musicalmente .Me aburre y me perpleja ver como en una escena tan diversa culturalmente tanto en música, literatura, cine y demás, en algunos casos mezclan la política y el fútbol dentro de una escena que poco tiene que ver con esto. Siempre me interesaron festivales como el Purple, Walrus Weekend o el Yé-Yé ya que tenían una visón del rollo mod parecida a la mía.

Creo han cambiado mucho las cosas. Hace 18 años era un poco mas cerrada que ahora pero con un nivel de pintas y conocimiento  muy alto aunque flipabas para encontrar cosas de grupos y un viaje a Londres costaba 100.000 pelas. Ahora entras en internet y listo! ....tienes toda la info y además viajes  a Londres a 15 “pavos”. La escena es mas abierta (tipo la inglesa) el rock esta muy mezclado dentro del rollo mod-sixties. Creo que está pasando un poco lo que pasó hace ya unos 15 años en Alemania: por un lado estaban los mods-sixties que escuchaban psicodelia, rock, pop-art, rythm´n´blues , y otra escena que era la que escuchaba soul y northern-soul. En mi época (que es lo que intentamos hacer en el festival) se escuchaba de todo. Por este lado es bueno pero por otro hace que la gente tenga demasiada información y se canse antes de todo.

Los Búhos 2008
Magic Pop: ¿Os queda algún sueño especial a nivel artístico que os gustaría materializar algún día, por ejemplo montar un dúo de mod jazz bajo y hammond?  

Iván: Particularmente nosotros dos (Iván y María) impulsados por nuestras ganas de seguir arriba de los escenarios y por todos aquellos temas propios que nos quedaron por tocar, vamos a comenzar con un nuevo proyecto del que ya irás teniendo noticias. No será “mod” pero sí estará cargado de sus influencias pues es algo que se lleva por dentro. Los años sesenta facturaron el mejor legado musical y tenemos que seguir haciéndolo llegar a la gente joven o aquellos que desconocen su talento. 

lunes, 9 de mayo de 2011

Datura Folk 2011, un festival mágico y repleto de emociones aunque no asistiera todo el mundo

La segunda edición del Datura Folk 2011 se celebró el fin de semana del 6 y 7 de mayo de 2011 dejando tras de si un amplio abanico de sensaciones gracias a un cartel excelente donde estuvieron presentes casi todas las posibles combinaciones de la música folk imaginativa. Las dos noches, bien sea la más eléctrica como la más acústica, consiguieron emocionar a los presentes con actuaciones memorables donde los grupos y solistas lo dieron todo en el escenario y eso que algunos no contaron con el calor del público al que le costó, una vez más, tener claro el concepto de puntualidad. Supongo que cada uno de los que tuvimos el enorme placer de presenciar los directos, guardaremos una visión clara y subjetiva de lo acontecido así que, sin otro ánimo que el de compartir sensaciones con todos vosotros, voy a tratar de explicar a continuación mis impresiones personales. Pero no todas, porque algunas de ellas me resultan tan entrañables, y por tanto difíciles de relatar, que prefiero no correr el riesgo de deslucirlas con palabras imprecisas.  

Steven Munar ad The Miracle Band
Empezó el festival el viernes día 6 con la actuación de Steven Munar acompañado con su banda The Miracle Band. Su concierto fue intenso pese a no tener todo el público que bien merecía y que siempre enaltece el ánimo del artista. Sobre el escenario de la Matisse valenciana cantó este gran artista, con una extraordinaria profesionalidad capaz de presentar su obra con la misma intensidad ante una veintena de personas como frente a un auditorio de centenares de espectadores. Interpretó las canciones de su último álbum  “The Language Of The Birds” editado en 2010 y presentó otras de su próximo trabajo "Break the Rules" que saldrá en los próximos meses de este 2011. Entre cánticos que contagiaban el entusiasmo, también se pudieron disfrutar momentos muy dulces gracias a ese lenguaje peculiar en el que el country, el folk y el pop encuentran un nexo de unión para procurarnos pasajes amplios e intensos. Un compendio de poesía con mensaje social y una música convincente que confirma a este artista como uno de los más honestos y creativos del panorama actual.

Tórtel
Tórtel fueron el siguiente grupo y actuaron con formación de trío: dos guitarras más una  semi batería. Las canciones de Tórtel discurren a medio camino entre el folk intimista y la vitalidad de un pop “Indie” maduro y bien razonado. Con sus dos guitarras, una eléctrica y otra acústica, acompañados de una percusión muy bien estructurada, consiguieron trasmitir un mensaje, en ocasiones, enérgico y en otras, delicado. Cantó en la mayoría de temas Jorge Pérez y los efectos, más desarrollos rítmicos eléctricos, corrieron a cargo de Joaquín Pascual sustentados ambos por un económico pero muy efectivo baterista, Rafa Estrela.  Tórtel es una propuesta que tiene su público fiel heredado de las bandas de sus componentes, (Surfin´Bichos, Mercromina, Travolta,  Ciudadano, o Maderita)  y que estoy convencido que llegarán a aumentar su repercusión a medida que su capacidad creativa sea más conocida gracias al circuito de los grandes  festivales sustentados por los medios especializados en pop rock  independiente. Interpretaron temas de su primer álbum “Lugar nuevo”,  de 2009, y canciones nuevas del próximo que concibieron en Ayora, pueblo de Joaquín donde pasaron unos días componiendo su nuevo trabajo en donde ensalzan el papel de los cantantes y adaptan musicalmente sentimientos y conceptos sobre la amistad o el amor inspirados por la mitología del entorno de ese municipio de Valencia, limítrofe con Albacete. Como anécdota cabe destacar que es la primera vez que veía a un cantante de folk tirarse al suelo de rodillas en plena actuación tocando su guitarra acústica, motivado por la fiereza interpretativa del tema.

Hola a todo el mundo
La siguiente actuación corrió a cargo de los esperados, aunque menos de lo que suponía, Hola a todo el Mundo que aparecieron en el escenario vestidos con capas llamativas,  la cara pintada, purpurinas, botas de cowboy con flecos y colores chillones más un extenso muestrario de instrumentos de percusión, eléctricos, acústicos, banjo, guitarras, flauta, violín, teclados, acordeón, efectos, etc… Gustaron mucho, y no sólo a sus fans sino también a aquellos que acudieron al concierto con escasas referencias sobre su trayectoria que podríamos situar a medio camino entre el folk y el “Indie”. Dos panoramas musicales entremezclados con la ayuda de extraordinarios juegos psicodélicos que recuperaban el espíritu de finales de los sesenta de ese sonido West Coast californiano. Hola a todo el mundo dominan las armonías y los coros vocales a la perfección pero pierden intensidad, en ocasiones, con arreglos un tanto minimalistas. Las canciones de su primer Lp entusiasmaron a la audiencia y las nuevas, consiguieron nuevos adeptos a su causa que no es otra que recuperar la música psicodélica de grupos como la Incredible String Band o los Jefferson Airplane para actualizarlos con planteamientos actuales de pop “Indie”. En el escenario se les vio seguros de su proyecto aunque en ocasiones complicaron sus interpretaciones con demasiados efectos sonoros y detalles instrumentales probablemente prescindibles. El concierto de Hola a todo el Mundo cerró la primera noche del Datura con un comentario unánime ciertamente positivo para calificar cada una de las tres propuestas eléctricas. La audiencia no fue la esperada cuantitativamente y se hace difícil de entender las razones que lo motivaron. Tiempo habrá para analizarlo detenidamente y tomar las decisiones oportunas para conseguir, si eso es posible, atraer a más público porque convencerle que la música necesita de espectadores para sobrevivir, es una tarea ardua a más largo, y casi me atrevería a decir imposible, plazo. 

Manolo Tarancón
Y si la primera velada satisfizo al público presente pero dejó un tanto preocupada a esa  organización que esperaba más repercusión, la segunda, con sus propuestas acústicas, siguió con poca entrada pero tuvo como poco el mismo nivel elevado de la primera. Los que allí estuvimos vamos a recordarla por lo extraordinaria y mágica que llegó a ser gracias a cada una de las tres propuestas presentadas a cuál mejor y más intensa. Una vez más las dudas por la hora y la falta de puntualidad deslucieron, en cuanto a número de espectadores, a un enternecedor Manolo Tarancón que tras haberse encargado de la parte musical de la organización del festival desde primera hora de la mañana, aún tuvo fuerzas y el temple necesario para subirse al escenario con guitarra y armónica para abrir la noche con sus elegías sencillas pero tremendamente comunicativas y emocionantes. Sonaron sus “Horas vacías”, nos explicó alguno de sus recuerdos y nos dio algunas pistas, muy emocionantes, de su próximo álbum en el que ya está trabajando y que muy pronto empezará a tomar forma para salir al mercado discográfico. El microcosmos de Manolo encantó a los que le escuchamos interpretar  canciones, conmovidos por sus letras y en sepulcral silencio con el corazón en un puño recordando nuestras propias vidas a medida que él lo hacía con la suya propia. 
 
Tras su actuación se subió al escenario un inconmensurable Bob Theil que empezó su concierto en solitario, con su guitarra de doce cuerdas, tocando temas recientes, algunos pertenecientes a sus conocidas sesiones de Ghent, y arropado por esa guitarra que llenaba cada uno de sus rincones de la sala. Canción tras canción, Bob demostró con creces su leyenda de gran cantautor y trovador escocés. Una excelente persona que no solo entusiasmó al público presente, que en su mayoría sabían más bien poco de su carrera artística, sino también a aquellos que tuvieron el enorme placer de conocerle en persona. Entre esos privilegiados, estuvieron los dos músicos valencianos que le acompañaron, dos grandes instrumentistas como son Heri de los Pataconas a la guitarra y Lluís de los Radiadores al bajo acústico. Con esa formación de trío, Bob Theil repasó algunos de los temas de su mítico Lp “So Far”. 


Bob Theil
Aquí vale la pena destacar dos aspectos importantes que son: Bob Theil hacía  muchos años que no tocaba las canciones de su Lp “So far”  y si lo hizo fue para contentar a sus fans más fieles que tienen, con razón, a ese álbum en lo más alto de los altares del folk psicodélico de todos los tiempos. El segundo aspecto a tener en cuenta es que los dos músicos que le acompañaron habían ensayado con Bob esos temas solo un par de días antes y, sorprendentemente, no solo consiguieron cumplir muy bien con el papel asignado sino que llegaron incluso a interactuar con Bob de tal manera que nos ofrecieron pasajes acústicos memorables. Bob entusiasmó con los detalles, con su gran voz, con su poderosa guitarra, con sus idas y venidas por las octavas, con sus finales instrumentales perdiéndose por la inmensidad de la mente, por muchas cosas que dejaron a más de uno y una, completamente anonadados tras escucharle por primera vez en su vida.


Alondra Bentley
Esa sensación de plenitud existencial, que parecía casi insuperable, acabó siendo un preámbulo, eso sí de lujo, del último concierto de la noche a cargo de una maravillosa Alondra Bentley acompañada también por dos excelentes músicos, Caio Bellvesser tocando contrabajo, piano, más Xema Fuertes guitarras, banjo y piano. Si tuviera que adjetivar su actuación con una sola palabra, convencido que coincidiría con una mayoría de público, esta sería, sin duda, la de genial. Alondra Bentley tiene una voz prodigiosa y toca la guitarra con una delicadeza extraordinaria. El resultado es tan sensual que hasta el susurro de contar para marcar el tempo y dar entrada a las canciones es encantador. Con ello consigue llegar a los corazones del público con una facilidad que acaba siendo  íntima y muy personal, tanto que puedes llegar a creer que toca solo para ti aunque estés rodeado de otras tantas personas que escuchando seguro que piensan lo mismo que tú.

A esa gran belleza sonora tan bien definida y dirigida por Alondra, se suman un par de músicos que tocaron sus instrumentos con enorme solvencia y que aportaron unos coros extraordinarios, tan afinados que parecían grabados,  jugando con octaves graves para contagiar la dulzura de Alondra de un toque sensacional y casi épico. El resultado es estremecedor y os aseguro que pone los pelos como escarpias. Alondra cantó temas de su aclamado primer Lp, "Ashfield Avenue, y presentó algunos del próximo. Alguno de esos temas incluso lo estrenaban en directo. En esas canciones estaban presentes el recuerdo de su madre, coleccionista como ella de pequeñas cosas, o la primavera que, según nos explicó, trae consigo un consumo inevitable de dulces y licores. Entre las anécdotas que nos contó una Alondra cariñosa con su público al que se dirigió en todo momento con una elegancia británica impecable, destacó una que tenía como protagonista al propio organizador del evento, Víctor Monterey. Según nos contó Alondra, a principios de la década de los dos mil estuvo en Valencia acompañada de una amiga en un concierto de los Coronas en la sala Wah Wah. Entre sus costumbres estaba la de llevarse una libreta donde dibujaba y uno de los bocetos de esa noche fue la cara del mencionado Víctor, que le llamó la atención sin que éste supiera que le habían dibujado, hasta todos estos años después.   

Alondra con su público
Como he dicho antes y a modo de insistencia porque las palabras acaban siendo meras aproximaciones al relato emotivo  de la existencia, la segunda noche del Datura Folk fue mágica, repleta de momentos inolvidables y verdaderamente preciosos como cuando Alondra se bajó del escenario y con su guitarra acústica cantó una canción, sin amplificación, rodeada del público a un escaso palmo de distancia de los presentes; o los curiosos fallos técnicos que se produjeron justo al final, tanto de la actuación de Alondra como la de Bob. Problemas eléctricos para demostrar que hasta  los aparatos se negaban a que acabara el concierto de ambos.

Sin pega alguna que valga la pena mencionar, el Datura Folk 2011 nos procuraba grandes emociones nacidas de pequeños e intensos detalles. Estoy seguro que somos muchos los que las guardaremos en nuestra memoria y en nuestro corazón por mucho tiempo. Por mi parte, me gustaría que ese recuerdo estuviera bien vivo al menos hasta la próxima edición del Datura en la que estoy convencido que nuevas propuestas reclamarán mi atención para hacerse hueco en mi cada vez más torpe memoria. Sin embargo, vista la respuesta de público hasta el más entusiasta se vería obligado a plantearse la situación y llegar a la conclusión que quizá no vale la pena hacer realidad los sueños si al final no puedes compartirlos con suficiente gente como para que no acaben siendo pesadillas para los bolsillos.

Para finalizar con esta reseña, quiero manifestar mi agradecimiento a todos aquellos con los que, durante este fin de semana del Datura, he compartido este par de días tan emocionantes y en especial a su máximo responsable, Víctor Monterey por su amabilidad y excelente criterio musical. Es difícil asistir hoy en día a festivales que ofrezcan un cartel sin concesiones a ese público movido por los éxitos del verano, o motivado por la borrachera de camping. No es habitual encontrar eventos de fin de semana que sean íntegros y que no se vean obligados a compensar devociones musicales con obligaciones económicas para que al final no se pierda demasiado dinero con la organización.

Datura Folk no es nada de todo eso y en su segunda edición ha conseguido demostrar a todo el mundo que existe el folk más allá de modas pasajeras y propuestas repetitivas como las que nacen y se deshacen cada día en algunos despachos de multinacionales en busca de ese nuevo prodigio de voz dulce, cara bonita y arpegios de guitarra para acampadas con irreverentes efectos electrónicos. Este festival es el sueño de su organizador que, con la ayuda de sus amigos, hace posible que todos seamos un poco más felices y encima lo consigue con propuestas tan entrañables como creativas.

Esperemos que tenga continuación y que al año que viene todos seamos un poco más conscientes de que las plantas Datura necesitan de nuestra presencia para procurarles un cuidado sencillo pero imprescindible con el objetivo de seguir sobreviviendo en este desierto de crisis y desilusión con el que nos han castigado a malvivir los mismos especuladores de siempre. Mientras ese día no llegue, me refiero al de una nueva edición del Datura y no al del fin de la crisis que se me antoja mucho más lejano, nos queda la posibilidad de cerrar los ojos y recordar estos maravillosos momentos, que ya son historia, escuchando la imprescindible música de sus protagonistas.       

Nota: para más información sobre los grupos y solistas del Datura Folk 2011 puedes entrar en nuestro apartado de festivales y releer nuestro reportaje previo aquí.