viernes, 20 de octubre de 2017

Fallece el cantante y guitarrista sueco de rock and roll, Boris Lindqvist

Boris Lindqvist
Boris Karl Lennart Lindqvist, nació el 22 de diciembre de 1940, y falleció este mes de octubre de 2017. Cantante sueco de rock and roll se hizo famoso en su país a partir de finales de los cincuenta con el sobrenombre artístico de Rock-Boris. Con el sobrenombre de Rock-Boris creó varias bandas como Rock-Boris & The Jailers, Boris och The Beatmakers, o la Boris Jazz ’n’ Roll Band.

Empezó tocando el trombón, aunque pronto dominó varios instrumentos, y en 1957 se entusiasmó con el rock and roll. Tocó el piano en  The Four Comets de Rock-Ragge y unos meses más tarde comenzó su propia banda, The Jailers.



Boris Lindqvist
En los sesenta también se interesó por el jazz y tocó en el quinteto de Staffan Abeléns. Ya en 1966 creo otra formación inspirada en el R&B llamada Boris & Telstars convirtiéndose en los setenta en "Boris och The Beatmakers". Ya en 2001 creó la Boris Jazz n'Roll Band junto con el contrabajista Christian Paulin.

Ya sea como Rock-Boris o como Rock-Boris & The Jailers grabó varios temas de rock and roll en inglés como “Doomsday Rock”, “Waitin' In School”, “Take Me Back Baby”, “Corrine, Corrina”,  “I Got A Feeling”, “She's Mine”, “Don't Ya Know”, “I Can't Believe It”,  “Stop Ud”, “Oh Marie” o “Hully Gully Holiday”.   Los Jailers eran Leif Nyström al bajo, Kurt Mattsson a la batería, Rune Andréasson a la guitarra, Bengt Svensson al piano, Åke GauffinVocals al saxo, con Boris Lindqvist a la guitarra y voz.


Documento sonoro:


"Hully Gully Holiday" de 1963 a cargo de Rock-Boris







jueves, 19 de octubre de 2017

“Somos Droga” de Cabezafuego, una generosa obra maestra con fabulosas canciones más sensacional tebeo incluido

Portada 
El nuevo disco de Cabezafuego titulado de forma genérica “Somos Droga” es un vinilo-tebeo editado este 2017 por Color Hits de Navarra y Autsaider Comics de Mallorca. Se trata de un magnífico trabajo musical completado con un despliegue inusual de recursos visuales en forma de cómic que dan vida  una obra artística ciertamente única y memorable. Desde la primera a la última de las canciones, vas a disfrutar del mejor y más inspirado Cabezafuego, auxiliado por un elenco de grandes maestros, ya sean músicos o dibujantes. Sus originales composiciones sonoras y sus hilarantes letras van anonadarte, de principio a fin. Todos y cada uno de sus nueve temas han sido ideados desde el eclecticismo propio del genio que domina varios géneros; mediante el humor del creador que sabe reírse de sí mismo con inteligencia; más la facilidad del artista con sublime talento que atesora experiencia, determinación y emotividad a raudales. El resultado es ciertamente brillante. Se trata de uno de esos discos indispensables que resultan claros candidatos no solo a ser tu preferido del año, sino que además estoy convencido de que logrará conquistarte de tal manera que vas a recurrir a su escucha “in eternum” para apaciguar o engrandecer, según veas, el mejor y el peor de tus momentos existenciales. Te apasione o no el rock and roll, conozcas o no a su artífice, seas o no experto en rarezas varias, “Somos Droga” es un álbum que no puedes obviar de ninguna forma, al menos justificable. A continuación te doy algunas posibles razones para que me entiendas mejor.       

Trayectoria

Cabezafuego
Iñigo Garcés “Cabezafuego” es un gran músico originario de Villava - Atarrabia (Navarra). Tiene una larga como fructífera trayectoria musical que pasa por formar parte de grupos esenciales de nuestra escena de rock and roll como Atom Rhumba, Mermaid, Half Foot Outside, Jugos Lixiviados, Los Separatistas, Basque Country Pharaons, Royal Canal, Black Lagun o Bizardunak. En 2014 decide seguir con este proyecto en solitario, cuyo germen principal se encuentra en la banda Royal Canal, creada en 2005, con la que saca un par de discos titulados ““Sail with Lord Alembic” y “Soldados“, donde se dan muestras inequívocas del talento compositivo de su autor, en especial por lo que se refiere a las letras en castellano.



Cabezafuego 
Empieza por colgar en 2013 un par de canciones en su bandcamp: “El traje del emperador” y “Cruces de hierro”. Los temas gustan en medios especializados y generan los primeros fans de su fantástico proyecto. Ya en 2014 saca “Camina Conmigo” (Folc Records / Happy Place), con ocho canciones tremendamente ocurrentes y novedosas grabadas en Color-Hits, estudios de grabación creados por él mismo,  sin ánimo de lucro, en homenaje a Josetxo Ezponda, lider de Los Bichos. Le ayudan el cantautor Luther Russell (Richmond Fontaine, The Bootheels, The Freewheelers, Those Pretty Wrongs) a la producción y Daniel Ulecia (El Columpio Asesino) a los controles. En 2016 grababa un Ep titulado “Revienta conmigo” en directo, que puedes oír en su bandcamp. 

En su segundo disco “Somos Droga”, las canciones surgen de la colaboración de Iñigo Cabezafuego y Daniel Ulecia (El Columpio Asesino) quienes durante 8 meses se encierran  en el estudio para dar vida a tan especial álbum. Los temas son originales de Cabezafuego quien canta y también firma los arreglos con Daniel Ulecia. Oskar Benas se hace cargo de las guitarras, voces, y flauta; Daniel Ulecia es responsable de la producción, mezcla, bajos, teclados y guitarras; y Javier Roldón se ha encargado de la masterización.  



Una de las páginas del tebeo

Ha contado con la colaboración musical de Los Hermanos Cubero, Isa (Aries), Rober! (Atom Rhumba), Broken Brothers Brass Band, Jose Domingo, Cristina (El Columpio Asesino), Kelley Stoltz, Rich Millman y Andy Duvall (Zen Guerrilla), Anton Barbeau, Dan Wilson (The Cubical), Aitor (Lendakaris Muertos) y otros muchos amigos que se pasaron por el estudio.

Por lo que respecta a la parte gráfica, el álbum cuenta en su interior con todo un tebeo, con 36 páginas impresas, en blanco y negro, algunas en color, en hojas del mismo tamaño que la carpeta en las que disfrutarás de 8 cómics dibujados por grandes historietistas de aquí como Mauro Entrialgo, Victor Coyote, David Molina, Paco Alcazar, Roger, Don Rogelio, Oskar Benas, Jorge Parras, y Olaf Ladousse que se encarga de la no menos impactante portada.

Las canciones

Cabezafuego en directo
El disco empieza con “Chino Blues” y la presentación pertinente a cargo de los Hermanos Cubero de nuestro protagonista que ”viene con sus tonterías”, pero menudas tonterías, verdaderamente excepcionales. Magnífico arranque con una descomunal sección rítmica, riff guitarrero ácido, efectos y voces a cargo de Dan Wilson, incluidos sonidos desquiciados de metales a cargo de la Brothers Brass Band más la penetrante voz principal de Cabezafuego. Todos ellos suenen de forma conjuntada mientras “deambulan multitudes al borde del canibalismo”. Le sigue “Caramelos 6 de julio”, fascinante tema con Cristina Martínez y Rober! a las voces acompañando a un pletórico solista quien nos habla, en primera persona, de alguien que no quiere ser “precisamente el tipo de persona que mata por placer”.  Un “loco bastardo” pero un “psyco nada normal” que “puedo matarte sin vincularte a ti, pero antes voy a tratar de enamorarme de ti”. Una curiosa letra que nos desgrana arropada por una melodía conmovedora en la que aparecen y desaparecen efectos mordaces que provocan un contraste memorable.

Cabezafuego 
El siguiente corte se titula “Visiones” y empieza con arreglos siniestros de bajo, teclados,  guitarras y ritmos selváticos dando cobertura a la gran voz de Cabezafuego quien nos cuenta que “ha hablado con moscas, conversaciones inteligentes mientras mi culo pegado a la taza escupía lava incandescente…”. Cambios rítmicos y armónicos dan diferentes visiones a este fenomenal tema que nos advierte que en un disco como éste siempre encontraremos “algo mejor” y sorprendente aunque pudiera parecer casi imposible. Y en efecto, el siguiente corte “Minueto del Arribista” empieza con unos compases de música clásica barroca que evolucionan hacia “una canción que no dice nada, con frases sin sentido aparente, llena de carga emocional”. Un divertido tema en el que se exponen los ingredientes esenciales para conseguir “petarlo en los festivales y pedir cosas banales como por ejemplo: coca, putas, armas niños!”. Contribuyen con sus voces: Kelley Stoltz, Cristina Martínez y Jon Ulecia. 

Se cierra la cara A con “Busco título”, otra exhibición de talento mediante unos arreglos de “fuegos artificiales” para este tema de amor y desamor que no “dura para siempre” porque el coro de cherleaders (Drummer Neskak) interrumpen con una veredicto demoledor: “aburrido, aburrido!!!”. Entonces, en un giro sublime el tema muta en una canción de guitarras que “parece de los ochenta, nada ocurrente pero efectista y se pega”. También aporta voces, Aitor Ibarretxe.

Foto de su facebook. Cabezafuego  
La cara B se inicia con “la batalla del Irritante”. A ritmo de canción atmosférica, Cabezafuego se explaya con una seguridad fascinante respaldado por las voces de Jon y Cristina, más otra letra sensacional: “Yo no vuelvo al Primavera, no es del todo rompedor. Solo voy a conciertos de mierda, entro con invitación. Tengo todas sus maketas, por supuesto sus discos no. Cuando pincho la gente se queja, soy demasiado snob”.  Musicalmente sigue combinando arreglos que desbordan imaginación para hablarnos de la vida de un “irritante al que en la escuela le pegaba todo Dios porque era más tonto que el copón” y que ahora se torna cínico frente al ordenador.

Foto de su facebook. Cabezafuego
Llegamos de este modo, tras buscar en un dial imaginario, a “Telarañas”. Aquí cuenta con Anton Barbeau y Alicia Cuesta al piano, e Isa Aries a las voces. La canción es una admirable secuencia de popsike melodioso y reflexivo, entre detalles lisérgicos a tempo pausado, que suena mientras “pasan los días en modo anfetamina”. Nos cuenta que “no solo hablo de la química. Es la sensación de que el tiempo, con los sueños, se va a toda velocidad”.  

Cabezafuego. Foto: Dirty Rock
Con el siguiente tema, “El suplente de los minutos basura” se expresa de nuevo con la consistencia de una banda altamente conjuntada, con potente sección rítmica de bajo y batería, guitarra ácida, y teclados estratosféricos a cargo de José Domingo, más magnífica voz. Otro tema biográfico sobre un  personaje especial “claro ejemplo de que tras los porros viene algo mucho mejor”. Un yonki a tiempo completo que nos cuenta su historia. Al final se cura, ya no vive en la puta calle y regresa a  la vida con su madre. Entonces remata diciendo: “si esto es lo que me espera, ya estoy tardando en reengancharme”. 



Acaba el disco con la última y magistral ocurrencia. Nada menos que “Moytorik Boogaloo” a ritmo de krautrock “Venga: un porrito, un poquito de kraut y al lío”.  Electrónica, metales free jazz, y rítmica hipnótica de calidad, más una cotidiana historia de vecinos de por medio. El tema “con mucha chispa” se transforma en un genial entramado bailable. Participan en el último de los cortes de tan sensacional álbum, Rich Willman y Andy Duwall a las guitarras y drones, más Roger Estrada y Yasmín Ramírez a las voces.    
   
Reflexión final

En “Busco título”, uno de los tantos temas geniales que podemos oír en este disco titulado “Somos Droga”, Iñigo Cabezafuego nos canta: “A estas alturas todo me resbala, sigo pensando que por mucho que la cague, en esto de las letras no hay mucha gente que me gane”. Efectivamente, verso tras verso, su autor da muestras fehacientes de un dominio poético inmenso mezclando imaginación, astucia y dominio del lenguaje con una destreza antológica.

Sin embargo, este álbum no tiene solo un buen puñado de letras, por muy ocurrentes, graciosas e imaginativas que te resulten. A base de composiciones propias con melodías inolvidables y ritmos muy bien trenzados gracias a arreglos poderosas, incluidas las exhibiciones solistas y las múltiples voces encabezadas por su principal factótum, "Somos Droga" manifiesta un perceptible y enriquecedor trabajo musical amplio, ecléctico y, por supuesto, también divertido que, con el esencial complemento del tebeo a cargo de  tan apropiados y sensibles dibujantes, la convierten, sin tapujos que valgan, en una auténtica obra maestra.  

Nota: Puedes escuchar las canciones y adquitir una copia del disco en el bandcamp. Actúa este sábado 21 de octubre en el Tulsa Café de Valencia a las 20:00 horas (+ info) y el domingo 22 de octubre a las 13:00 en el Barbara Ann. Más información en el facebook


Te invitamos a visionar este vídeo del tema "Caramelos 6 de julio" dirigido por Jeanne Weber.  álbum.



Muere Eamonn Campbell de los Dubliners

Eamonn Campbell
Eamonn Campbell nació el 29 de noviembre de 1946 y falleció el 18 de octubre de 2017. Músico irlandés fue miembro de The Dubliners desde 1987. También estuvo en los Dubliners cuando grabaron su espectáculo para celebrar el 25 aniversario en The Late Late Show organizado por Gay Byrne. Guitarrista, tenía una peculiar voz áspera, similar al del miembro fundador de Dublín, Ronnie Drew. Con otros tres componentes de la famosa formación de folk, creó The Dublin Legends. Campbell era originario de Drogheda en el condado de Louth, pero últimamente vivía en Walkinstown, en Dublín.

Eamonn produjo todos los álbumes de los Dubliners a partir de 1987, así como álbumes para muchos otros artistas irlandeses, incluidos Foster and Allen, Brendan Shine, Daniel O'Donnell and Paddy Reilly. Tocó con otras formaciones como  Delta Boys, The Bee Vee Five y The Country Gents antes de unirse a Dermot O'Brien con los Clubmen. Conoció a los Dubliners en una actuación conjunta en 1967.

The Dubliners

Los Dubliners se crearon en 1962, en Dublín (Irlanda). Sus miembros originales fueron Ronnie Drew (voz, guitarras n. 1934-2008), Luke Kelly (voz, banjo, guitarra n. 1940-1984), Barney McKenna (banjo n. 1939-2012), y Ciaran Bourke (flauta irlandesa, armónica, guitarra, voz n. 1935-1988). Después se añadirían en 1964 otros músicos como el guitarrista Bobby Lynch que estuvo hasta 1965 y que murió en 1982; o John Seahan, mandolina y violín nacido en 1939 que aún vive y con quien llegarían a los años setenta.   A partir de 1974 se incorporarían otros grandes artistas del folk como Jim McCann, fallecido en 2015; y en los ochenta, se añadió el guitarrista Paddy Reilly, nacido en 1939, o el también guitarrista Eamonn Campbell. La última formación, a partir de 2005, estaba compuesta por Barney, John cantando, Seán Cannon (guitarra, n. 1940), Eamonn Campbell (guitarra, mandolina), y Patsy Watchorn (banjo, voces n. 1944).  

Eamonn Campbell
Los Dubliners se llamaron originalmente The Ronnie Drew Group y se cambiaron el nombre al de The Dubliners por la novela del mismo título de James Joyce. Su primer  gran éxito en el Reino Unido fue la canción "Seven Drunken Nights" (Siete noches ebrias). Su vida artística y ociosa transcurría con largas noches de juega en el pub O'Donogue's, en el Merrion Row dublinés, en plena época del folk revival. Otro de los habituales de ese pub, Paddy Moloney, fundaría The Chieftains.  El primer álbum que publicaron llevaba por nombre The Dubliners with Luke Kelly (Transatlamtic Records 1964) al que siguieron multitud de álbumes, la mayoría grabados en directo hasta 2009.  
De su primera época se recuerdan las confrontaciones musicales con otra de las grandes formaciones de la época, los Clancy Brothers más comedidos con la bebida y menos deslengüados que los Dubliners que triunfaron con verdaderos himnos como “Maids when you're young never wed an old man”, “Black velvet band” o “Whiskey in the jar”, versionada por Thin Lizzy, "Rocky Road to Dublin" o la popular "Dirty Old Town" del británico Ewan MacColl que también adaptarían los Pogues, entre otros.  

Documento  sonoro:

Legendario concierto para celebrar 40 años de los Dubliners.



Muere el guitarrista inglés de jazz y rock progresivo, Phil Miller

Phil Miller
Philip Paul Miller nació el 22 de enero de 1949  en Barnet, Hertfordshire, Inglaterra, y falleció el  18 de octubre de 2017. Fue un prestigioso guitarrista de jazz, y rock progresivo que formó parte de la escena de Canterbury. Tocó con numerosas bandas como Delivery, Matching Mole, y Hatfield & The North, entre otras. También tuvo un proyecto en solitario y creo una banda llamada In Cahoots

Hatfield and the North fue una banda de la escena de Canterbury que estuvo activa, en un primer momento, de 1972 a 1975. Tomó su nombre de las señales de tráfico que indican las salidas de Londres, dirigiendo a los conductores hacia la carretera A1, conocida como la Gran Carretera del Norte, que va en esa dirección, hacia Edimburgo, a través de Hatfield (Hertfordshire).

Matching Moles
El grupo se creó tras Delivery que, a mediados de 1972, contaba con el guitarrista Phil Miller quien ya había formado parte de Matching Mole, (con los que había grabado discos como “Matching Mole's Little Red Record” (1972), el teclista Steve Miller, hermano de Phil, el batería Pip Pyle, que también estuvo en Gong, y el bajista y cantante Richard Sinclair de los Caravan.  Habían grabado en 1970 con Carol Grimes, “Fools Meeting”. El grupo cambió de nombre por el de Hatfield and the North cuando Steve Miller les dejó, entró en Caravan, y fue sustituido por Dave Sinclair de los Matching Mole y Caravan.  La formación original de Delivery se reuniría de nuevo para una sesión en la BBC en noviembre de 1972, con el añadido de Lol Coxhill al saxo y Roy Babbington al bajo.

Hatfield & The North
Dave Sinclair dejó el proyecto en enero de 1973, tras una actuación en un programa de la televisión francesa Rockenstock, con Robert Wyatt como cantante. Fue reemplazado por Dave Stewart de la banda Egg.  Fue antes de que grabaran sus dos discos “Hatfield and the North” (1974)  y “The Rotters' Club” (1975) con el apoyo a las voces de The Northettes formada por Amanda Parsons, Barbara Gaskin y Ann Rosenthal. Ya en 1974, en la gira "Crisis Tour", contaron con la colaboración del saxofonista Lol Coxhill.

Tras separarse, Dave Stewart y Phil Miller crearon National Health con Alan Gowen, de los  Gilgamesh. Pyle se unió a la formación en 1977 y Richard Sinclair participó en un par de giras más una grabación para la BBC ese mismo año. 

Phil Miller
Ya en 1990 el grupo se reunió para grabar un programa de televisión con Phil Miller, Richard Sinclair y Pip Pyle más la teclista Sophia Domancich, pareja por entonces de Pyle. En enero de 2005 volvieron a reunirse con el teclista Alex Maguire, hasta octubre de 2006. Pyle, con  problemas graves de espalda, falleció en agosto de 2006 tras un concierto en Groningen. Tras su muerte, dieron dos conciertos más, concretados con anterioridad, con el baterista Mark Fletcher, uno de ellos en el Canterbury Festival, en octubre de 2006. 



Miller también formó parte de los Short Wave con el también fallecido Hugh Hopper más Pip Pyle y Didier Malherbe. Su trabajo en solitario incluye los discos de jazz rock progresivo “Cutting Both Ways” (1987), “Split Seconds” (1988), o “Digging In” (1991). Su banda In Cahoots se fundó en 1982 con Richard Sinclair, el ya fallecido Elton Dean, Pete Lemer y Pip Pyle.  Grabaron varios discos como  “Live In Japan” (1993), “Recent Discoveries” (1994), “Parallel” (1996),  “Out Of The Blue” (2001), “Conspiracy Theories” (2007) y “Mind Over Matter” (2011). 

Documento sonoro:  

Hatfield and The North en directo en el Chateau d'Hérouville en 1973.


En memoria de Phil Miller, "Calyx"  


miércoles, 18 de octubre de 2017

Muere Gordon Downie de The Tragically Hip

Gordon Downie
Gordon “Gord” Edgar Downie nació el 6 de febrero de 1964 en Amherstview, Ontario, Canadá, y falleció en Kingston, Ontario, el 17 de octubre de 2017 a consecuencia del cáancer que padecía. Fue cantante y guitarrista de la banda de rock canadiense The Tragically Hip, y también sacó hasta cinco discos en solitario.

Gordon Downie creció en Kingston, Ontario, donde se hizo amigo del resto de componentes de los Tragically Hip mientras asistían al instituto. Downie formó en 1983 Tragically Hip, también conocidos como The Hip, con Rob Baker (guitarra), Johnny Fay (batería), Davis Manning (saxo) y Gord Sinclair (bajo). Tomaron su nombre de una escena en la película Elephant Parts de Michael Nesmith de The Monkees. Davis Manning dejó la banda y el guitarrista Paul Langlois se unió al proyecto en 1986.  Al principio tocaban por los bares hasta que el presidente de MCA Records, Bruce Dickinson, los vio actuando en Toronto y les ofreció un contrato discográfico.  

The Tragically Hip
En 1987 sacaron el EP “The Tragically Hip” al que siguió el LP “Up to Here” en 1989.  Después sacaron “Road Apples” en 1991 y en 1992 Fully Completely. Ese año crearon el festival Another Roadside Attraction que recorre Canadá promocionando bandas locales.  En 1994 vio la luz “Day For Night”, en 1996 “Trouble At The Henhouse”, y en 1998 “Phantom Power” con los éxitos "Poets", "Bobcaygeon", y "Fireworks". Un año antes habían grabado el directo “Live Between Us” en Detroit, Míchigan.

Gordon Downie
En la década de los dos mil vio la luz “Music @ Work” (2000),  "In Violet Light” (2002), “In Between Evolution” (2004), “World Container” (2006), “We Are The Same” (2009), “Live From The Vault Vol. 4” (2009), “Now For Plan”,  (2012), y “Man Machine Poem” (2016)  
En 2001, Downie comenzó su carrera en solitario con el lanzamiento de su álbum “Coke Machine Glow”.  Al mismo tiempo publicó su primer libro de poesía y prosa. Después sacó un segundo álbum en solitario, “Battle of the Nudes”, en 2003. Tras tres álbumes más con Tragically Hip, sacó “ The Grand Bounce” en 2010, acreditado a Gord Downie y Country of Miracles.  Su banda de acompañamiento en todos esos álbumes fue la banda de indie rock The Dinner Is Ruined, con Josh Finlayson de Skydiggers y la cantante y compositora Julie Doiron, aunque fueron acreditados como The Goddamned Band en el primer disco y como Country of Miracles en el segundo más los dos últimos “The Conquering Sun with The Sadies” (2014) y “Secret Path” (2016).

The Tragically Hip
En 2005 The Tragically Hip entraron a formar parte del Salón de la fama de la música canadiense. La banda anunció en su sitio web el 24 de mayo de 2016 que Downie había sido diagnosticado con un tumor cerebral terminal. Defensor de los derechos de los Indios canadienses, el mes pasado había anunciado un nuevo disco en solitario, “Introduce Yerself”, para este mes de octubre de 2017. 

Docunentos sonoros: 

 "Boots Or Hearts" (1989), The Tragically Hip 




"The Secret Path" disco de Gord Downie de 2016 acompañado por una novela gráfica ilustrada por Jeff Lemire y animación televisiva a cargo de la CBC Television. 


martes, 17 de octubre de 2017

Gentle Brent presenta su disco “Just Dandy” que, como su nombre indica, suena tierno y maravilloso

En inglés, el adjetivo “Gentle” puede servir para calificar a alguien que es amable, tranquilo, gentil o tierno, mientras que la expresión “just dandy” se puede traducir, según contexto, como un  estado de ánimo perfecto, agradable, o maravilloso. Ambas expresiones coinciden en el álbum del músico canadiense Brent Randall quien firma como Gentle Brent su primer disco en solitario titulado “Just Dandy”, editado por el inconmensurable sello español You are the Cosmos en vinilo y en Cd por Jigsaw records de Seattle. Tras oírlo detenidamente, te aseguro que éstos y otros tantos calificativos te parecerán acertadísimos. Las canciones que lo integran tienen un encanto especial que las convierte en únicas. Son ejemplos precisos de cómo la melodía, como ente mágico, es una forma de comunicación que varía al antojo de quién la moldea para convertirse en la enésima muestra del impacto emocional que produce la música bien hecha. De este modo, el atento oyente logra identificarse con el creador de ese particular, y a la vez universal, mundo sonoro hasta el punto de que las creaciones entran a formar parte de nuestra propia historia vital como si siempre hubieran estado ahí en algún rincón de nuestras mentes y corazones, a la espera de que alguien como Gentle Brent nos las detallara con un amplio abanico de matices.     

Trayectoria 

Brent Randall es un músico canadiense, compositor y multiinsturmentista, quien en 2003 ayudó a crear el sello Just Friends en Halifax, Nueva escocia (Canadá) con el que sacó su primer Ep bajp el título de “Quite Precisely Brent Randall & His Pinecones" (2004). En 2009 editó otros disco más elaborado y orquestal “We Were Strangers In Paddington Green” (2009 Endearing records) como Brent Randall And Those Magnificent Pinecones que fue producido por Jason MacIsaac y David Christensen de Heavy Blinker. Se trasladó a Toronto en 2010, y ​con Paul Linklater creó un grupo de power pop llamado The Pinecones.  El grupo lanzó dos LPs: “Sage” (2010 Just Friends Records) y “Ooh” (2014 Reel Cod Records). En ese proyecto le acompañaban Joel Goguen al bajo, Brian O'Reilly a la guitarra, Marshall Bureau a la batería, y el mencionado Paul Linklater a la guitarra. También ha formado parte de la banda The Taste sacando el álbum “Sea legs” (2014) con Brian O'Reilly, Daniel Girard, y Jay Anderson, y ha colaborado con Suitcase Sam & The Suits, Dusty Sorbet, Benn Ross, Jonhatan Andrews, Tyler Messick, entre otros.    

“Just Dandy” fue grabado y mezclado por Jason Ball y masterizado por Peter Letros en Wreckhouse mastering. Las canciones son originales, cantadas e interpretadas por Brent Randall quien ha contado con la colaboración de Marshall Bureau a la batería, Jim MacAulay a la guitarra, Doctor Ew (Drew Smith) a las harmonías en las que también participó Jason. El artwork corrió a cargo de Mat Dunlap en la fotografía y diseño, más Steven Millington (Dry British) a las ilustraciones.  

Las canciones 

El disco empieza con “Tea & Butter Tarts”, un tema en el que confluyen esa facilidad para completar bonitas melodías con riffs impetuosos. Excelentes arreglos de beat, con una fantástica voz principal, emergen entre cambios de tempo que crean intensidades sonoras. Detalles de piano, potente órgano, guitarras luminosas, y una percusión certera dan forma a la priemra de las perlas de este gran álbum. A continuación nos ofrece “Lollipop Girl”, exquisita muestra del  talento de este gran compositor quien es capaz de sonsacar fascinantes momentos melodiosos con una sencillez desbordante. Canciones que crecen y explotan por arte de gracia en secuencias instrumentales de popsike con enorme calidad. 

El siguiente corte se titula “Never Wanna Make You Cry” y en este tema de pop brillante se sucenfden las secuencias entusiastas de guitarras arropadas por una batería meticulosa dando cobertura a la voz principal que recorre las frases entre sorprendentes detalles de paso armónico con los que consigue efectos emocionantes. No falta un buen solo lisérgico de guitarra y, de nuevo, esas variadas concepciones rítmicas que enriquecen las canciones. Le sigue “The Lonely One”, una canción grandiosa en la que confluyen momentos bailables perfilados con piano, percusión,  y detalles de guitarra eléctrica. Un tema de pop ambivalente que crece en varias líneas argumentales cautivándonos de principio a fin, entre coros, crescendos y un buen solo de piano, sencillo pero conmovedor, así como otros instantes de fuzz rabioso y ácido en segundo plano. Finaliza la cara A con  “Coney Island Girl”, otra exquisitez que deambula con serenidad pasional y una envolvente calma dando forma a una balada emotiva, entre nebulosas cariñosas de guitarra, y teclados, xilofón, más sensacional voz solista. 

La cara B se abre con “By My Side” y sus guitarras dialogando en trenzados de pop luminoso con la voz principal respaldados por una excelente sección rítmica. Otra fascinante melodía que va generando intensidades beat manteniendo un interés indisoluble hasta el acorde final.  El siguiente tema se llama “There's A Girl”. Cuenta con momentos sensacionales de bajo, órgano, guitarra y teclados arropando a la voz principal en un ejercicio de estilo propio en el que no faltan momentos corales exquisitos. Continúa el album con  “A Twinkle Of Your Eye”, canción que arranca con una marcada concepción rítmica que se compenetra con la dulzura melódica de una canción con detalles de pop soul. Un breve pero intenso fraseo de teclado y algunos coquetos riffs de guitarra más marcados golpes de efecto a cargo de piano son también otras señas de identidad de esta convincente canción en la que, por supuesto, Brent Randall vuelve a demostrarnos sus habilidades vocales.        

Le sucede  “Ooh, You'll Believe In Love” en la que los arreglos musicales son expuestos con una compenetración instrumental mágica, mediante una presencia esencial de piano, ecos,  guitarras poderosas, y batería perseverante. Un tema con un cautivador tempo que avanza con seguridad pasmosa y en el que también saboreamos momentos varios de guitarra solista en diferentes voces. Llegamos a los momentos finales con “No Foolin'” y su irresistible mezcla de voz con instrumentación impecable. Momentos de swing procurados por guitarras y teclados  inolvidables y sorprendentes dan vida a un tema altamente sensible en el que su responsable da rienda suelta a una imaginación portentosa repleta de salidas imprevisibles. Acaba el disco con “At The Bazaar”, la última de la exquisiteces de este inusual disco, en la que todo el mundo relaja músculo y se dispone a ofrecernos una maravillosa balada con increíbles juegos de voces, acordes de acústica, teclados atmosféricos, y el enternecedor toque personal a la voz de su principal factótum, un inspiradísimo Gentle Brent.        

Reflexión final 

Brent Randall ha adoptado el siguiente párrafo, como presentación de su idiosincrasia artística. Un texto que  que puedes leer en su Facebook: “Algunos días es un travieso pianista de cabaret que canta baladas caprichosas como un millennial Tiny Tim. Otros días está al frente de una banda de jangly garage o un desaparecido grupo de merseybeat”. El espectro que se abre entre esos puntos de referencia es tan amplio y suculento que nos permite perfilar no solo las referencias claves de su arte sino también las filias compositivas y pasionales de un músico, tan buen compositor como instrumentista, capaz de dar vida a canciones sencillas que emanan una emotividad a raudales pero también una destreza bien definida, repleta de secuencias pensadas al milímetro, audaces en tanto que no persiguen repetir esquemas fáciles, sino mucho más imprevisibles de lo que algunos están  dispuestos a aceptar en un autor de pop con raíces sixties. En este Gentle Brent cohabitan recuerdos, manuales de pop 60’s, imágenes y sonidos del pasado, pero también deseos de expresarse con un lenguaje actual, original y natural, sin ínfulas que valgan pero con la firmeza del que está dispuesto a reclamar un espacio propio en el que, hayan pocos o muchos con quien compartir deseos, siempre tendrás la puerta abierta para disfrutar de sus canciones brillantes tan “Just Dandy”.    

Nota: Puedes escuchar las canciones en el bandcamp y adquitir una copia del vinilo en la web de You Are The Cosmos.    

lunes, 16 de octubre de 2017

Fallece Debbie Wright, cantante de P-Funk y Parlet

Debbie Wright 
Soul tracks nos informa de la muerte a los 66 años de Debbie Wright. Natural de Detroit, fue cantante de los P-Funk y fundadora del grupo vocal femenino relacionado con los mencionados P-Funk, las Parlet. Deborah Wright nació el  18 de junio de 1951 y falleció el 12 de octubre de 2017. 

Las Parlet fueron Wright junto con otras cantantes de Funkadelic, Mallia Franklin y Jeannette Washington. Parlet fue instruida por el líder de P-Funk, George Clinton. Las Parlet  debutaron en 1978 con el álbum “Pleasure Principle” que sorprendentemente no se vendió bien. Wright  enfermó, a raíz de una reacción a las drogas, y no pudo ir de gira. Se fue antes del siguiente álbum, “Invasion of the Booty Snatchers” y fue substituida por Shirley Hayden. Sacaron otro disco llamado “Play Me or Trade Me” (1980).


Las cantantes de Funkadelic con Debbie a la izquierda
Hija de una ex cantante de coro de Mahalia Jackson, se unió a P-Funk cuando estaban grabando Mothership Connection (1975) y cantó en una docena de álbumes durante la siguiente  década como “Tales Of Kidd Funkadelic” (1976), “Funkentelechy Vs. The Placebo Syndrome” (1977), “Motor Booty Affair” (1978), o “One nation under a Groove” (1978).   

Documento sonoro: 

Parlet y su "Pleasure principle" (1978).